西方美术史论文

——罗丹与其雕塑作品：地狱之门

罗丹简介：

奥古斯特·罗丹是19世纪法国最有影响的雕塑家，他一生勤奋工作，敢于突破官方学院派的束缚，走自己的路，他善于吸收一切优良传统，对于古希腊雕塑的优美生动及对比的手法，理解非常深刻，其作品架构了西方近代雕塑与现代雕塑之间的桥梁，罗丹是西方雕塑史上一位划时代的人物。1917年11月17日欧洲两千多年来传统雕塑艺术的集大成者、20世纪新雕塑艺术的创造者、法国雕刻家罗丹逝世。

相关经历：

　　他生于一个贫穷的教家庭。他的父亲是一名警务信使，母亲是穷苦的平民妇女。罗丹从小喜爱美术，其它功课却很糟糕。在姐姐玛丽的支持下，失望的父亲不得不同意把他送进巴黎美术工艺学校。姐姐玛丽靠自己挣得的工钱来供给他食宿费，因此罗丹从小就深深地敬爱他的姐姐。他14岁随荷拉斯·勒考克（Lecongde Boisbaudran）学画，后又随巴耶学雕塑，并当过加里埃·贝勒斯（Carrier·Belleuse）的助手，去比利时布鲁塞尔创作装饰雕塑五年。1875年游意大利，深受米开朗基罗作品的启发，从而确立了现实主义的创作手法。他的《青铜时代》、《思想者》、《雨果》、《加莱义民》和《巴尔扎克》、《走路的人》等作品都有新的创造，曾受到法国学院派的抨击。包含着186件雕塑的《地狱之门》的设计，即因当时官方阻挠而未能按计划实现，只完成《思想者》、《吻》、《夏娃》等部分作品。他善于用丰富多样的绘画性手法塑造出神态生动富有力量的艺术形象。生平作了许多速写，别具风格，并有《艺术论》传世。罗丹在欧洲雕塑史上的地位，正如诗人但丁在欧洲上的地位。罗丹和他的两个学生马约尔和布德尔，被誉为欧洲雕刻“三大支柱”。

　　对于现代人来说，他是旧时期（古典主义时期）的最后一位雕刻家，又是新时期（现代主义时期）最初一位雕刻家。他的一只脚留在古典派的庭院内，另一只脚却已迈过现代派的门坎儿。可以说，罗丹用他在古典主义时期锻炼得成熟而有力的双手，用他不为传统束缚的创造精神，为新时代打开了现代雕塑的大门；当年轻的艺术家们蜂拥而入向前跑去时，他却已入衰迈之年，他走不动了。他的创作对欧洲近代雕塑的发展有较大影响。

罗丹的一生是被人攻击和嘲讽、同时亦为人理解和支持的一生。但他始终以一种伟大的人格正确地面对这一切。罗丹一生攀登，并终于登上米开朗基罗之后的又一高峰。罗丹坚信：“艺术即感情”。他的全部作品都证明了这一观念，都深刻揭示了人类的丰富情感。罗丹偏爱悲壮的主题，善于从残破中发掘出力与美，这使他的艺术具备博大精深的品格。他开创了一个全新的时代，创作了一种全新的艺术手法。他的作品所体现出的思想和精神魅力，永远带给人以深沉的美，启迪着人们不停地思考。

地狱之门

　  这件大型雕塑共有186个形象，是根据但丁的《神曲地狱篇》构思创作的，历时达37年，直到他去世前一年还在修改。《地狱之门》代表的是罗丹更为内在的痛苦与压抑的灵魂。 为了《地狱之门》，罗丹用了一年的时间来阅读但丁的《神曲》，沉浸在但丁用文字塑造的虚幻世界里，用100多幅把书中描写的八层地狱画了出来，他运用中国水墨勾勒轮廓，用褐色水彩颜料衬出阴影，以体现出立体效果；有些画还只是直接演绎但丁的原意，如弗兰切斯加、乌哥利诺、地狱中形形色色的罪人，以及代表但丁本人的思想者。有的已不是简单的解释性的插图，而是评论性的阐述了。罗丹很快就对这个题材展开，引进了一系列新的形象。从这些新形象，不难看到诗人波德莱尔对他的影响。罗丹想要创造整个世界，把人类的种种感情都淋漓尽致的表现出来。《地狱之门》原定于1884年完成，但罗丹却一再拖延，历时37年，直到他逝世也没有完成。1900年展出的石膏像模型中，几乎已经完全删除了所有的圆雕像。罗丹去世后，《地狱之门》是由巴黎罗丹博物馆第一任馆长最后定型的。1926年，应美国费城罗丹博物馆之请，这件巨作浇铸成青铜雕像陈列在该馆。

    罗丹的《地狱之门》虽有着精心的构思和布局，但整体看去，它似乎铺天盖地而来，在门的每一空隙处都雕刻了被打下地狱的人们。由于平面上起伏交错着高浮雕和浅浮雕，形成了繁复而变幻莫测的暗影，整个大门显得阴森沉郁、充满运动感，并仿佛响彻着地狱的嘈杂之声。门楣上方，三个一模一样向地狱之门低头垂手而立的男性人体，非常自然地把观者的视线引向其下的“地狱”。它们被称为《三个影子》。门楣之下有一条横幅，这是地狱的顶端和入口处，一群即将被天使打下地狱的罪人们做着最后的痛苦挣扎。在它的，坐着一个尺寸比周围人体稍大的男人体，他正托腮俯视，陷入沉思，因此被称为《思想者》。在横幅的下面，门的中缝把构图自然切割成左右两半，但在内容上它们是整体的，描写的是数不清的罪恶灵魂正在纷纷向地狱坠落，他们绝望而徒劳地哭喊挣扎着。其中唯一沉默着的却是一个最痛苦的灵魂——正饿极疯狂、欲吃自己儿子之肉的乌谷利诺……所有这些人物，都被罗丹雕刻成裸体。有人好意警告过他：不要再用裸体去激怒公众了。但罗丹完全置之不理。在罗丹看来，若要表现人及其思想感情，唯一有表现力的就是人体。裸体雕刻和道德无关。它是艺术的一种语言，美的一种符号。现在，让我们仔细欣赏一下《地狱之门》中的几座主要雕像，并通过他们来理解整个《地狱之门》。

作品背景

    希腊的诸神文明和教文明对西方人审美判断力的影响是不可忽视的。希腊的诸神文明，是一种“人生的幸福、安宁、优美、平衡和理性”的文明；而教文明是以肉体受难和牺牲来换取精神崇高，是一种人格升华的文明。而罗丹倾心于教文明的深刻内省精神，倾心于悲剧所显示出来的力量。在他的心里，始终留有一块宗教的圣地。从最初的《埃玛尔神父》像，到青年时期的《施洗者约翰》， 到中年时期的《加莱义民》， 无不体现着雕塑家悲悯而庄重崇高的宗教情感。《地狱之门》为了表现那些运动中的生命，雕塑了186个分别为情欲、恐惧、理想而不断争斗、折磨自己的形象。这当中，有雄健的躯体，也有柔美的裸身，其中的主要形象后来成为的作品。作品的中心主题是通过“地狱篇”中“从我这里走进苦恼之城，从我这里走进罪恶之渊，你们走进来的，把一切的希望抛在后面”的含义，用多结构形式和象征性构图及真实人物走型，综合表达罗丹的哲学观点，把近代文明罪恶都集中表现在“大门”之上，贯穿着希望、幻灭、死亡和痛苦等种种感情。

地狱之门·三个影子

   《三个影子》 ：据说在这三个一模一样的男人中，最左边的一个是人类的始祖亚当，而其它两个自然就是亚当的影子了。其实，有谁能说清它们当中究竟淮是亚当，谁又是谁的影子呢?如果艺术家本人从未明确地解释过他的某件作品，有谁又能更明确地解释它呢?但是，人们有时被迫这样做，当然也只能各人相对地接近它的本意了。

    《圣经》传说：人类的始祖亚当，当他一来到世间，就由于好奇心----对于智慧的渴望而犯下了“原罪”：他同妻子夏娃偷吃了上帝唯一禁止人吃的“知善恶之果”，即使人能和上帝一样具有智慧、明察善恶的果子而被逐出乐园，并被罚在人间受苦受难地繁衍下去——人类犯下的第一个罪过，正是因为追求智慧和光明而来！亚当，这人类的父亲，是一个健美雄强的男人，为养活家小而狞猎耕耘，茹毛饮血。而一代又一代的文亲们，这些在构造上重复着亚当的影子们，在精神上也仍然是他的影子。他们有着永远还不完的债、赎不完的罪。他们在肉体上如此强有力，却永远不能做到主宰自己的命运。在人类的罪孽和苦难面前，他们低垂着头，无可奈何地聆听着上帝的裁判。他们那大幅度歪扭的身躯和向一边使劲歪倒的头，显示了精神和肉体的重压是如此艰巨。但其宽厚的肩胸和健美的肌体，却显示着内在的生命与力量，使人相信他们能够在宿命的路上永远坚忍地走下去。他们那沉冥的表情带着忏悔后的宁静和甘愿自食其果、忍辱负重的勇气，仿佛坚信自己肉体的力量，足可以承受无尽的磨难，世代不停息地劳苦创造下去。

历来，人们只是感到女性的软弱和值得同情，而罗丹的《三个影子》，仿佛在沉默中暗示着：男人们，这些父亲们，有史以来就挑起了更多更沉重的负担，然而他们在坚忍中隐藏着自己的软弱。其实，他们内心中也在强烈地渴望着同情和理解、温柔和抚爱……

    罗丹在作品中表达了对人类命运的关切，但他却得出一个悲剧性的结论：一种不可克服的欲望，对智慧和光明的追求，而且是第一次追求，却给人类带来了永恒的劫难，使之不得不落入痛苦的深渊。有人会说这不过是一个神话，但这也是现实！千百年来人类为了追求智慧之光，为了摆脱那些上帝的影子们的愚民，付出过多少惨痛代价，有多少人被当作罪恶的妖魔而被打入黑暗的人间地狱！但人类不是也从未停止过前仆后继吗?

有人批判说：《三个影子》是“非常绝望和听天由命的人物”，我却在其中感到了人类的坚忍不拔和忍辱负重，并把这种信念世代相传的精神。我想，这就是《三个影子》的美之所在。

地狱之门·思想者

这件作品将深刻的精神内涵与完整的人物塑造融于一体，体现了罗丹雕塑艺术的基本特征。罗丹的人体雕塑不仅展示人体的刚健之美，而且蕴藏着深刻与永恒的精神。 这是一个强劲而富有内力，成熟而又深刻的形象。那生命感强烈的躯体，在一种极为痛苦状的思考中剧烈地收缩着，紧皱的眉头，托腮的手臂，低俯的躯干，弯曲的下肢，似乎人体的一切细节都被一种无形的压力所驱动，紧紧地向内聚拢和团缩，仿佛他凝重而深刻的思考是整个身体的力量使然。罗丹认为深刻的思想是靠富有生命活力的人体来表现的，所以，他的人体雕塑不仅展示人体的刚健之美，而且蕴籍着深刻与永恒的精神。

　　《思想者》在1904年沙龙上展出，但这个巨大的雕像使罗丹在晚年又一次受到了猛烈的攻击。美术学院、法兰西学院的支持者们称它为“妖怪”、“猿人”。罗丹的朋友们筹集了15万法郎买下了这座塑像作为对反对派的答复。他们把塑像赠给巴黎市，准备立在先贤祠前。罗丹断定市政厅不会允许把《思想者》竖立在巴黎市内的，但是对方提出了一个折衷的办法：罗丹同意退回为《地狱之门》预支的费用再加利息，市政厅则接受这座《思想者》并将它立在先贤祠前。 罗丹感到了安慰，这将是他第一件矗立在巴黎市内公共广场上的作品，同时美术部购买了一件《思想者》的复制品，并作为礼物赠给纽约大都会博物馆。正式完工的《思想者》的铜像安放在先贤祠的前面。《思想者》是罗丹晚年最伟大的杰作，在以后的社会进程中一直发生着强大的作用。尤其在20世纪初，它被视为改造世界力量的象征。列宁就曾对两名赴伦敦参加社会民主党代会而要路经法国的青年代表说你们一定要去看看罗丹的《思想者》。

地狱之门·吻

   《吻》：两个躯体美丽的接吻者，是以极为古典的写实手法雕成。他们那起伏细腻优雅的肌体和姿态，引起了极为生动的光影效果，仿佛其内在的青春的热情与生命，正凭借这些光影在闪烁。当我们望着这生动眩目的杰作时，每一个人都不得不为之悸动——生命之本源的感动。爱情，本就是世间万古不朽的水恒主题。在爱情中选取什么样的情节更感人，更能说明问题呢?这决非学究艺术家或伦理艺术家所能解答和揭示的。而罗丹做到了。因为他是一个真正的艺术家，仅此而已。他选取了裸体男女的接吻，这纯洁肉体的最初接触，因而既不亵渎也最动人心弦。但是他把这对受欲望之火燃烧的恋人放在地狱之中，这就表达了作者那永无答案的痛苦而矛盾的思索：人的罪恶由不可克服的欲望而来，而欲望是由于人类对光明与欢乐的追求而来，因此人类的欲望就是罪恶的渊薮，人类的欢乐就是导向罪恶的途径，而人类的痛苦就是注定不可抗拒的、永无完结的。也许正因此，使《吻》这一组雕刻，在《地狱之门》的背景中更令人触目惊心，它闪烁着与地狱的背景决不协调的美，人们望着它，不禁会呼喊出来：这怎能算是罪恶呢？！

    为了追求智慧和光明甘愿忍辱负重的痛苦；为了寻求人生的答案而苦苦思索的痛苦；在理性和欲望的对抗中矛盾挣扎的痛苦；为了彼此相爱甘愿蒙受淫罪之耻的痛苦----像但丁在其诗句中吟唱的那样：“为爱情下地狱我在所不辞……”——整个《地狱之门》，就是罗丹企图表现人类在数不尽的痛苦深渊中狰扎的尝试。

    为什么“痛苦”这个主题如此吸引着罗丹，使其克尽20多年精力直至死去呢?寻求这个答案是有趣的，但丁的《神曲》是在痛苦中诞生的，贝多芬的音乐是在痛苦中诞生的，米开朗基罗和罗丹的雕塑也是在痛苫中诞生的……对于个人，痛苦是人生之不幸，但是对于人类，对于历史，痛苦却是创造之母，是人性美的集中体现。因为只有在理性与欲望的痛苦搏斗中，才闪现出人性美的光辉。人是一种可悲的动物，他无止境地追求幸福，但却是失意和痛苦在不断给予他创造的力量，因为他渴望在创造中获得对痛苦的解脱。因此，欲望和理性的矛盾冲突所构成的人生痛苦，就成了深刻的、偏爱哲理的艺术家所珍爱、所苦苦追索的具有崇高内涵的表现对象了。但是，也只有曾受痛苦者，才深知痛苦的魅力，才能用痛苦的泪水去浸泡自己的作品，从而动人心弦。