西方艺术总结

设计艺术基础

（一位老师的网页上下的，归纳得不错，不过重点和参考书目有所不同）

史前洞窟壁画 

    大约在25000年前，克罗马侬人经历了武姆冰河期中最后一次冰期，生活在冰原的边缘地带的一支史前人，集居到今天法国南部和西班牙北部的岩洞里。终年拼搏的狩猎生活，刺激了他们创造艺术的才能，并萌发了最早的审美意识。其见证就是现在闻名的洞窟壁画。 

古埃及墓室壁画

    在古埃及的底比斯，墓穴内有很多壁画。这些壁画对我们了解公元前2000后左右古埃及法老与其显贵的生活方式，有很大的参考价值。《哀悼的妇女》壁画发现于拉莫斯墓。拉莫斯是古埃及第十八王朝两位法老阿孟霍特普三世与阿孟霍特普四世手下的大臣。画中的妇女形象虽然是图解式的、平面化的，但其哀伤的心情却由她们高举的双手表露无遗。

    埃及古王国时期的壁画比较程式化，形象看起来呆板。但出土于梅杜姆墓穴的《野鹅图》却出人意料地有着十分写实的效果。

    《涅巴蒙打鸟》是埃及底比斯涅巴蒙的陵墓中出土的，它描绘了死者涅巴蒙生前的狩猎——打鸟活动。这幅作品是用干壁画技法绘制的，这是一种用蛋彩在干透的泥灰墙上绘制作品的方法。

希腊古风瓶画

    在公元前8世纪之前，由于和亚细亚沿岸东方民族的交往，希腊瓶画的题材多采自东方民族的图案和形象。到公元前6世纪初，希腊的瓶画已经开始摆脱东方传统的影响并且逐渐形成了自己的装饰风格。在每件陶器上，都刻有陶器生产者和绘画者的名字，体现出社会对创作者的尊重。

   《阿喀琉斯和埃阿斯掷骰子》是绘制在一件双耳陶瓶上的，陶瓶上标明绘制者叫欧克塞基。这是一件黑绘作品。作者欧克塞基是阿堤卡有名的瓶绘艺术家。《狄奥尼索斯航海》是当时的瓶画大师埃克斯基亚绘制在双耳杯底盘上的，它描绘了希腊神话中酒神狄奥尼索斯航海遇到海盗的故事。 

伊特鲁里亚绘画                                　

    公元前8-前2世纪，意大利亚平宁半岛上的伊特鲁里亚人创造了独特的文化，后来为罗马文化所接纳。伊特鲁里亚壁画注重写实的造型和细节描写，同时也重视气氛和环境的表现，使画面富有装饰效果。《狂欢者》是意大利塔尔奎尼亚的母狮之墓中出土的一幅壁画，它是公元前470年前后由伊特鲁里亚人绘制的。这幅作品表现了春天播种季节人们的欢乐和对未来的收获的祈祷。

希腊化风格绘画

    亚历山大大帝（公元前356-前323）去世之际其帝国已经扩张到中东，征服了波斯和埃及。然而，庞大的帝国随即被众将瓜分成许多小国，一种东西交融的、新的跨民族文化也随即传播开来，这便是今天所说的希腊化文化，它的文明中心是雅典，波及叙利亚、埃及、小亚西亚。希腊化文化很快就体现出一种“为艺术而艺术”的倾向，东方的影响使艺术创作带上了华丽的装饰性，罗马文化的影响又使它倾向于描绘戏剧性的、激烈的行动和场景，形成了一种与罗马诗人维吉尔（公元前70-前19）生动的故事性传统相对应的艺术风格。

    《海洋生物》是庞贝古城出土的一件地面镶嵌画，它描绘了海洋中各种生物的形象，由大量的小石片、玻璃、黑陶等镶拼而成。《亚历山大镶嵌画》出土于庞贝古城的“农牧神殿”，它是罗马时期根据古希腊作品创作的一件仿制品。全画约用3150万块嵌片，镶嵌得天衣无缝，追求逼真的绘画效果。

古罗马壁画

    古罗马的历史可以上溯到公元前8世纪。罗马时期的绘画主要有镶嵌画和壁画。

    18世纪庞贝古城被挖掘出来，其中保留了大量壁画。根据这些壁画的特点，美术史家们把罗马壁画划分为第一、第二、第三、第四种庞贝风格。第一种风格出现于公元前2世纪，它简单地把灰泥抹在墙上，然后把它再用颜料画成或塑成各种大理石的模样；第二种风格是直接在平面墙描绘各种图画比如花园风景等，造成扩大空间的效果；第三种风格是强调墙的平面性，在上面绘制出各种精致的静物；第四种风格将透视效果和装饰性纹样相结合，在繁丽的景物中穿插人物的活动，使画面既有空间感、运动感又有华丽的色彩。

    《利维亚别墅墙面》创作于公元1世纪后期，属于罗马壁画第四种风格的作品，这种综合风格带有第二种风格的广阔感、透视性，同时又具有第三种风格的雅致，成功地创造出景色迷人的花园幻象。此画采用湿壁画技法把鸟禽、树木、果实表现得十分逼真。《面包师夫妇》是一幅非常罗马化的肖像画。

拜占庭绘画

   由于313年的“米兰敕令”，君士坦丁大帝保证了徒完全的信仰自由，并且宣布以教作为国教，从而结束了300年的教徒的历史，这是一件对整个西方文化十分重要的大事。早期的教开始利用艺术的感性形式来宣传自己的信仰，它借用了古代艺术的造型语言并赋予新的思想内容，所以，它还不能说是一种新的艺术风格。但在东罗马帝国首都拜占庭，早期教艺术却得到了截然不同的发展。因为远离罗马，它创造出了新的心灵表现形式，它不再是摹仿自然，而是努力追求一般化和个性化。这种拜占庭的教艺术风格发展成为拜占庭造型艺术。拜占庭造型艺术（雕塑和绘画）采用比喻和象征性的语言表达教的精神生活。同时，拜占庭艺术的重大意义表现在它对哥特式艺术的深远影响，它经历了整个中世纪，一直延续到文艺复兴时期。

    《查士丁尼及其随从》虽然描摹的是历史上真实存在的查士丁尼帝，但它却不再是尘世生活的摹像，而是精神生活的表现了。查士丁尼和他的主教、牧师、军官站在一起，反映出罗马帝国的王权神圣化。《圣狄奥多尔和圣乔治在侧的宝座上的圣母子》表现了教的神圣之美。《皇后提奥多拉和女官》是拜占庭艺术中镶嵌画中最负盛名的作品。画中人物是查士丁尼帝的妻子提奥多拉。整幅画面光彩夺目，色彩艳丽。 

蛮族抄本绘画

    公元5世纪，日尔曼人、高卢人和斯拉夫规模迁徙到罗马帝国的核心地区，从而导致了西罗马帝国的覆亡。这些被当时罗马人称为“蛮族”的游牧民族的工艺品的装饰性，为欧洲中世纪艺术带来了新的艺术品种——抄本绘画。抄本画是教圣书、诗集、福音书、说教集及教会历史和通俗读物中的插图。蛮族抄本绘画主要有三个类型：扉页装饰、字母装饰和插图。到了19世纪末，抄本画越来越精致细腻，带上了细密画的风格。蛮族抄本绘画的最高成就出现在查理大帝在位时期的加洛林王朝时期。

    《凯尔斯祈祷书》是在8世纪至9世纪初由艾欧纳岛上的爱尔兰僧侣们创作的，后来被带到爱尔兰的凯尔斯修道院。经过彩绘装饰的《凯尔斯祈祷书装饰页》，是手抄本绘画的旷世精品。整个画面的构思围绕的降生(christiautem generatio)展开。

    《圣马太》出自《埃博福音书》，它描绘了福音书作者圣马太写作福音书的情景，人物速写式的笔触和强烈动态的衣服褶皱表现了马太内心的宗教激情，具有印象派特点的风光背景则赋予画面以立体感。这幅作品，体现了古代写实绘画风格的复兴。

罗马式绘画

    10世纪以后，教教会在整个社会活动中已经占据主导地位。世界换上了“教堂白色大理石的新装”，兴建教堂成为时尚，一种国际性的建筑风格于1050年左右形成，新教堂采用古罗马的砖石拱券，外形粗朴，坚实稳固，细部却精雕细琢，接近古罗马建筑，“罗马式”一词由此而来。伴随着罗马式建筑的流行，罗马式绘画也发展起来。它综合了近东、罗马、拜占庭等各种艺术风格，体现出一种与建筑相谐调的宏观观念和浓烈的宗教情绪。罗马式绘画有抄本画、壁画、镶嵌画几种形式。《最后的审判》（局部）是意大利画家卡瓦蒂尼（活动于公元1273-1308年）创作的一幅湿壁画，它被绘制于罗马特拉斯特列的圣切奇莉亚教堂。

    罗马式绘画影响广远，13世纪中斯法国《圣经的道德教谕》一书中的插图《缔造者圣父》就显示了罗马式艺术的写实风格。

    《亚伯拉罕把他的俘虏和战利品送给麦基洗德》出自拉丁文手抄本《圣路易诗篇》。即使我们不知道圣经中关于亚伯拉罕的勇敢而谦逊的性格和他的故事，我们也会为这幅作品绚丽的图案和惊人的色彩所叹服。这是一件融东方艺术的装饰性与古典艺术的写实性为一体的画作。《圣彼得》是一不知姓名的修道士画家为《奥斯科特诗篇》所作的插图。这幅作品中对人物衣褶的写实处理以及色彩间的呼应与谐调也是足以令人称道的。 

哥特式绘画

    大约在1144年，在法国亡室领地法兰西岛（即今天巴黎及其周围地区）上，一座皇家教堂在圣德尼修道院落成。它综合了不同地区罗马式教堂的建造技术以及北欧的建筑形制并加以发展，产生了一种新的建筑风格。由此，哥特式美术时代开始了。像“罗马式”一样，“哥特式”这个术语从特指建筑延及雕刻、绘画。“哥特”这个本有“粗野”、“低级”之贬义的语汇也被学术界所沿用。哥特式绘画的主要样式是作为教堂建筑组成部分的彩色玻璃窗画。这种玻璃窗画又有两种形式：一种是镶嵌玻璃窗画，另一种是染色玻璃窗画。

    《圣徒小教堂窗绘》作为哥特式教堂窗绘，比之罗马式绘画和拜占庭绘画风格具有更强的写实性。《被预言者环绕的圣母、<旧约>的列王、祭司和族长》是由艺术家让·德·谢莱花费了近十年的工夫创作而成的。它位于巴黎圣母院北耳堂的侧面。它包含着一种极为精致的工艺设计，充满着严格的“理性”观念。 

锡耶纳画派

    锡耶纳画派出现于13世纪末至14世纪初的意大利南方城市锡耶纳，其代表画家是杜乔、西莫尼·马尔蒂尼，罗伦采蒂兄弟待人。这个画派的画家们精于“希腊样式”，画面色彩华美，注重三度空间以及戏剧化效果的营造，对自然景色也给予了足够的重视。

◆杜乔·迪·博尼塞尼亚                                　

    杜乔最伟大的作品是《圣母子荣登圣座》。这幅作品是受锡耶纳大教堂之托于1308年开始绘制的。1311年，作品完成后举行了盛大的庆典。然而，这件巨作却在以后遭到被肢解的命运。一些人把这件木板作品切割成几块，然后卖掉，所以，现在世界上几座博物馆都藏有《圣母子荣登圣座》的局部残片。 

    《召唤使徒彼得和安德烈》是《圣母子荣登圣座》背面的一幅附饰画。画面上金碧辉煌的色彩、富于表现力度的岩石块面、写实的人物刻画都使人仿佛亲历其境地看到这一圣迹：安德烈和彼得两渔民兄弟打了一夜的鱼都一无所获，耶稣叫他们向船的一边撒网。仅仅是不愿意令这个陌生人不高兴，兄弟俩遵从了他。起网的时候，网里全是鱼。兄弟俩对此满腹疑虑又似乎若有所悟。 

◆西莫尼·马尔蒂尼：《天使与圣母领报》是马尔蒂尼晚期的代表作品。

◆罗伦采蒂兄弟

    罗伦采蒂兄弟生于意大利锡耶纳，他们主要活动于1319-1348年。哥哥彼得罗·罗伦采蒂（1280-1348）的作品精工典雅又不失恢宏的气势。与兄长华美典丽的风格不同，弟弟安布罗吉奥·罗伦采蒂（1285-1348）的作品更加关注世谷生活，其格调比较凝重而素朴。 

   《圣萨比纳斯晋见总督》是哥哥彼得罗的一幅板上画。画面上，彼得罗以柔雅而华丽的笔触、色调描绘了锡耶纳祭司圣萨比纳斯与罗马总督会面的情景。安布罗吉奥别具一格的巨幅作品《好的寓言》也是欧洲绘画史上早期风景、风俗画的代表作。这幅作品是安布罗吉奥受约为锡耶纳公共宫绘制的。它以锡耶纳城的实景为环境背景，以理想的施政目的为内容，凭借敏锐的观察和自然主义手法呈现了一幅秩序井然、繁荣富饶、和平吉祥的生活图景。 

国际哥特式绘画

    1400年左右、南北之间的各种交流促使意大利绘画的写实风格和法国抄本绘画、后期雕刻的宫廷风格取得了“惊人的和谐”，由此产生了国际哥特式风格，这是宫廷贵族艺术的世俗化运动。它们对文艺复兴运动的兴起起到先声作用。西莫尼·马尔蒂尼被视为国际哥特式的初创者，北方的林堡兄弟则是其代表人物。国际哥特式美术（绘画）出现不久，文艺复兴初期的意大利美术家的创作问世，欧洲中世纪美术（绘画）史结束了。

◆林堡兄弟

    林堡兄弟分别叫做波尔·埃尔曼·让，他们是国际哥特式风格的积极倡导者和实践者。这三位兄弟是荷兰人，在法国工作，并且一直共同进行创作。《八月》是《时序祈祷书》的插图，这幅画将宫廷生活和百姓的生活结合在一起，下笔工整细腻，为后来的北方文艺复兴的一些画家所称道。在《伊甸园》中，林堡兄弟形象地讲述了人类始祖亚当和夏娃的故事

◆法布里亚诺的秦梯利

   意大利画家法布里亚诺的秦梯利（1370-1427）是一位云游四方、广泛传播国际哥特式风格的画家。他的作品以一种浪漫主义的情调展示了一个丰富多彩的世界。《博士来拜》是他的一件杰出作品。《圣子进殿》在描绘神圣庄严的场面的同时，并没有忘记现实中的真实情状。

◆安东尼奥·皮萨内洛

    安东尼奥·皮萨内洛（1395-1455）是与法布里亚诺的秦梯利用同时代的意大利画家和纪念章雕刻家。皮萨内洛的画作总是有一种迷人的奇异的气氛。《圣母子·圣乔治和隐修院长圣安东尼》是他的一幅板上画。

◆萨塞塔

    锡耶纳艺术大师萨塞塔（即斯蒂范诺·德·乔万尼，1392-1450）是15世纪锡耶纳最重要的画家。《圣安东尼和圣保罗的会见》描绘了圣安东尼的生平故事。 

意大利佛罗伦萨画派

   佛罗伦萨是15世纪意大利绘画艺术的中心，它决定了这个时期意大利艺术发展的主流，同时也影响了温布里亚画派和帕多瓦画派。他们的画法细腻，画面明暗对比不甚强烈，画家们在作画技法上很讲究步骤。由于意大利气候的原因，画家们较多地使用画布来作画。

    15世纪下半叶的佛罗伦萨画派人才辈出，从创作特点和艺术倾向看，可以分为三条主线：以利比、波提切利为代表的作品具有进步的人文主义思想，而艺术上趋近于贵族；以吉兰达约为代表的画家，崇尚生活表现，人物形象重叙述性；以达·芬奇为代表的画家走的是新兴的写实主义路线。

    从乔托开始，画家们不再以寓言为题材，作品展现的实际是人世间的事物和行为。他们运用自己的技法充分彰显了人类的本性和对大自然的热爱。

◆奇马布埃

    奇马布埃（1240-1302）是13世纪末佛罗伦萨最杰出的画家。他发现了少年乔托的绘画天赋并收之为徒，一个伟大的艺术时代从此开始。从《圣母子荣登圣座》中我们已经发现奇马布埃令人激动的创新。

◆多米尼科·乔托

   多米尼科·乔托（1267-1337）是奇马布埃的学生。他创作的壁画都是以圣经故事为题材，分布在罗马、佛罗伦萨、帕多瓦等地的教堂内。这些作品以真实的人物和自然为原形，体现了人文主义思想。乔托是第一位使意大利绘画完全脱离拜占廷画风并走向现实主义道路的画家。 

   《下十子架》是乔托很有代表性的一幅湿壁画。圣母伤心欲绝地搂住死去的，似乎要拼命唤醒他；乔托在构图上突出了中心人物，人物之间的关系很紧凑。运用明暗关系来丰富人物造型，加强画面的空间感。

乔托在《犹大之吻》这幅画中同样注意人物的主次之分，用心探索明暗表现和物体的体积感。乔托在《逃亡埃及》的壁画中竭力使圣母、圣子形象接近于生活的真实，同时也注意到了人物与自然环境的关系。《圣母子》是乔托晚期创作的板上画。本图是多联式祭坛画的板画。乔托对明暗关系的处理和对空间结构的探索使人物造型具有了雕塑感。

◆马萨乔

    马萨乔（1401~1428）原名是托马索·德·乔凡尼·迪·西莫尼·圭迪，马萨乔是个绰号。他与当时佛罗伦萨的建筑家布鲁内莱斯基、雕塑家多那泰罗齐名。马萨乔是文艺复兴绘画革新的奠基人。他的绘画注重写实，彻底抛弃了中世纪绘画的僵化法则，画中的宗教人物是有血有肉的真实人物。在思想上他受乔托的影响最大，在实践上他敢于破除陈规，为意大利新的绘画风格奠定了基础。

    马萨乔的《圣母子》带给我们的是一种温馨宁静感。《纳税钱》中的人物富有明暗效果，前后层次分明，建筑和自然环境合乎透视法刚。在《被逐出乐园的亚当和夏娃》中以摄人心魄的形象展现了人类史中最早的道德危机感。

◆保罗·乌切洛

    保罗·乌切洛（1397~1475）是马萨乔的学生，他注重写生，迷恋于透视法的研究。

   《圣罗马诺之战》描绘的是佛罗伦萨市与邻邦进行区域性战争的场面。画家借这个题材来研究复杂的透视关系。 在这幅《林中狩猎》中我们可以更明显地看到乌切洛对透视学的迷恋和追求。画中所有的人物、动物都跑向远处的公鹿。画面的色彩细腻明快，充满动感，但同样存在人物形象刻板，生硬的缺点。

◆威涅齐亚诺

    威涅齐亚诺（1410~1461）1436年开始定居在佛罗伦萨。他的作品在造型和色彩上都比较细腻，尤其着重于色彩的表现力。可以说他是15世纪佛罗伦萨画派中最细腻最抒情的画家之一。

    《年轻的妇女肖像》中这位女性的肖像精致典雅，她的肤色美润柔滑，淡黄色的秀发束起在脑后。背景中明净的蔚蓝色把年轻妇女的侧画轮廓衬托得像浮雕一般。《圣约翰在荒野》的画面充满恬淡宁静，在荒凉冷清的山谷中，圣约翰面前的水面泛着明亮的阳光。威涅齐亚诺用色彩而不是线条达到了画面的和谐。

◆弗拉·安吉利科

    弗拉·安吉利科（1387~1455）是与马萨乔同时活跃于画坛的画家，其作品色彩艳丽，具有庄重的宗教感。《圣胎告知》色彩鲜艳，画家运用写实的手法来表现人物。天使的形象很生动，圣母显得谦逊温和。

◆弗拉·菲利波·利比

    弗拉·菲利波·利比（约1406~1469）是一位敢于表现世俗生活的现实主义画家，他从老师安吉利科的明净用色中学到了柔美的色调，从马萨乔的作品中掌握了素描结构，其作品充满了生活气息。

    《圣母子》中的圣母没有神秘色彩，身材高大，体态丰满，表情冷漠；胖胖的圣婴出神地注视着什么。整个画面安详宁静。利比很细致地刻画了人物衣服上的衣褶，强调了线条的节奏感，同时注意运用透视法加强了画面的空间感。

◆桑德罗·波提切利

    桑德罗·波提切利（1444—1510）是继马萨乔之后佛罗伦萨杰出的画家。波提切利是皮革商人的儿子，因喜爱绘画，拜弗拉·菲利波·利比为师，在他的画室中学画。他早期的作品受老师的影响，充满人生乐趣。15世纪70年代中叶后受美第厅家族的宠遇，作品沾染上一些宫廷贵族文化的气息。他的绘画题材大多来自神话故事和文学著作，具有宫廷审美趣味的新柏拉图主义的神秘氛围。为美第厅家族创作的《春》和《维纳斯的诞生》是他的代表作。

    《春》是一幅令我们感到非常幽美和亲切的作品。我们从《圣母颂》中看到的是超越宗教意味的一曲生活美的赞歌。

◆吉兰达约

    吉兰达约（约1448—1494）的艺术集15世纪后半期意大利美术成就之大成。他的作品以人物形象符合透视法则著称，注重人物个性的描绘，画面的色彩和色调具有新鲜感，善于所建筑、雕塑和人物事融合在统一的绘画空间里；具有强烈的市民色彩。吉兰达约是米开朗琪罗的老师。《参拜圣婴》集中体现了吉兰达约以上的绘画特点。《圣母访问》体现了吉兰达约综合的艺术才能。

◆列奥纳多·达·芬奇

    列奥纳多·达·芬奇（1452—1519）是意大利文艺复兴时期最杰出的画家。在绘画上，他运用科学的方法去探索平面造型的奥秘，他研究透视、解剖、人的内心活动和各种表情，画了大量的素描和速写稿子。

    达·芬奇的兴趣极其广泛，除了绘画，他还研究哲学和科学。从1482年起，达·芬奇在米兰生活了17年，这是他在艺术创作和科学研究上进入鼎盛和繁荣的时期。这一时期他最出名的作品是《最后的晚餐》。1500年，他回到佛罗伦萨，创作了著名的《蒙娜·丽莎》。

    《抱银鼠的女子》这幅精美的肖像画展示了切奇莉娅·加拉拉尼高贵的气质。达·芬奇充分运用光线和阴影来衬托女性柔美的面容。《丽塔圣母》是达·芬奇前期肖像画的范例，这是一幅蛋彩画。

◆米开朗琪罗·博纳罗蒂

    米开朗琪罗·博纳罗蒂（1475-15）是文艺复兴时期第二位艺术大师，他和达·芬奇一样博学并且多才多艺。他既是雕塑家、建筑家，同时又是画家和诗人。

    米开朗琪罗出生在佛罗伦萨附近的加普勒斯镇。13岁时他进入吉兰达约的工场学艺。约于1516完成了雕像《垂死的奴隶》、《被缚的奴隶》和《摩西》。从1508年至1512年，完成了西斯廷教堂的天顶画《创世纪》。1535至1541年，在西斯廷教堂最靠里的墙上，米开朗琪罗为保罗三世绘制了大型壁画《最后的审判》。在米开朗琪罗的所有作品中都可以看到那雄伟然而紧密的庄严气象。

    《原罪·逐出乐园》包含了两个情节，即亚当和夏娃在蛇的引诱下偷吃禁果和被逐出伊甸园。《洪水》中实际描绘是人类在遭遇水灾时的各种表现。《最后的审判》绘制在接近200平方米的祭坛后的大墙上，画面上有数以百计等身大小的裸体群像。米开朗琪罗在这宏大巨制中体现了他的人文主义思想。

◆拉斐尔·桑蒂

    拉斐尔·桑蒂（1483-1520）是文艺复兴时期第三位艺术大师。他出生在乌尔比诺城，当宫廷画师的父亲是他的启蒙老师。1504年，拉斐尔以《玛利亚订婚》这一祭坛画在佛罗伦萨成名，在他的短暂的一生中受到了教皇和公众的厚待垂青。他的艺术将古代与的思想融为一体。拉斐尔的圣母像集中了文艺复兴时期圣母像的一切优点。这位早熟的绘画天才只活了37岁，却创作了近300幅画。

    《大公爵的圣母》中的圣母略显圣洁化，流露出拉斐尔的宗教情感。《圣乔治屠龙》是拉斐尔受故乡的乌尔宾诺公爵委托绘制的，这是一幅歌颂英国守护神圣乔治的小型图。    《披纱女郎》充分体现了拉斐尔的色彩表现力。整幅画以白色为主，用色大胆亮丽，表现出拉斐尔理想中的女性美。拉斐尔在《西斯廷圣母》中塑造了一个具有崇高牺牲精神的母性形象。《西斯廷圣母》构图严谨，空间透视处理得极好。 

温布里亚画派

    温布里亚画派位于意大利中部，15世纪形成了以温布里亚地区为主的温布里亚画派。这一画派注重人物形象的情感表现，画面人物的感情往往表现得十分细腻，构图秀美。温布里亚画派的代表人物主要有弗兰西斯科和他的学生彼鲁基诺。

◆比埃罗·德拉·弗兰西斯科

    比埃罗·德拉·弗兰西斯科（1410或1420—1492）是温布里亚画派杰出的代表。他是威涅齐亚诺的学生。弗兰西斯科擅长画圣像画、祭坛画和湿壁画。他对透视理论深有研究，并撰写有论文，对后来的画家有较大的启迪意义。他的画色彩用得较薄，擅长用浅色调子，整幅壁画往往显得通透明亮。弗兰西斯科将《受洗》中的人物置身于他生活过的温布里亚的自然风光中。

◆彼得鲁·彼鲁基诺

    彼得鲁·彼鲁基诺（约1450—1523）是15世纪中部意大利出色的壁画家。他师承广泛，有深厚的人物造型功力，善于运用空间透视画法。艺术大师拉斐尔从他这位教师的作品中学到了很多东西，拉斐尔早期的作品和彼鲁基诺的非常相似。《圣母显灵》采用的是对称构图，两边各为三个人物。女性的脸型优美圆柔，在拉斐尔的作品中我们看到了这种影响。

帕多瓦画派

    帕多瓦位于意大利北部，在15世纪形成了以帕多瓦城为核心的地方画派。这一画派注重形式结构，人物形象刻画比佛罗伦萨画派更严峻，关注人物的形体实感。画面人物具有雕塑般的质感和凝重之美。

◆曼特尼亚

    曼特尼亚（1431—1506）是帕多瓦画派的代表。在《犹滴与荷罗孚尼》中我们看到曼特尼亚笔下的人物形象有一种古典雕刻般的轮廓，体积感很强。

意大利威尼斯画派

    威尼斯是位于意大利北部的东西方贸易中心，这座城市洋溢着浓厚的世俗色彩和欢快的情调。作为文艺复兴艺术的另一朵奇葩的威尼斯画派受到过佛罗伦萨艺术的影响，但它又有自身的个性。不同于佛罗伦萨画派之处在于他们更注重色彩的明快、响亮，而不是雕塑般的造型和硬朗的轮廓线，他们用绚烂的色彩来表现威尼斯人的欢乐生活。

    威尼斯画派在色彩运用上有很多变化，颜色堆得很厚，有的画家运用高强光来加强主要人物，把次要人物融合在阴影中。从技法上说，他们不囿于传统，比较自由奔放，他们用油画颜料在画布上完成作品，因为潮湿的威尼斯气候不适合在墙壁和木版上采用蛋彩画画法。

◆乔万尼·贝里尼

   乔万尼·贝里尼（约1430—1516）是威尼斯画派画风的开启者。正是乔万尼·贝里尼使得色彩在绘画的因素中占据着压倒一切的重要位置，技法上从蛋彩画过渡到油画。他的学生乔尔乔内和提香以及后来的丁托列托和委罗内塞等人继承、发展了威尼斯画派的技法，使威尼斯画派的作品精细完美。17世纪的意大利画家如卡拉瓦乔、卡拉齐兄弟都受到了威尼斯画派的影响。

    乔万尼·贝里尼对光的特性的充分运用，在《阅读中的圣哲罗姆》中可看出，整个画面笼罩的是温暖的金黄色。《园中苦祷》我们发现乔万尼·贝里尼对光有着精细的体会，画面上色彩明快、气氛柔和。

◆乔尔乔内

    乔尔乔内（约1476—1510）继承了老师乔万尼·贝里尼的技法。虽然他英年早逝，但他以非凡的天才开创了一代画风。乔尔乔内是威尼斯画派的架上画的先行者。他注重色彩的明暗层次，使得色彩单纯而丰富，画面不仅优美而且具有丰富的人文主义内涵。他的后斯作品在技法上对提香有较大的影响。

   《入睡的维纳斯》是我们熟悉并感到亲切的作品。乔尔乔内在《三哲人》中的用色大胆而和谐，充分显示了威尼斯画派以色彩表现为主的特点。这幅《牧人来拜》极好地处理了光线与色彩的关系，画面的色彩依然亮丽，画中的风景很可能也是提香补画的。

◆提香

    提香（约1487—1576）是威尼斯画派中最杰出的代表，他是乔万尼·贝里尼的学生，技法上又受了乔尔乔内的影响。提香的艺术生涯几乎贯穿整个15世纪，他是文艺复兴时期画家中油画技法变化最多、油画技法发挥最好的画家之一。他的作品结合了乔尔乔内的情境创造和曼特尼亚有梦幻感的写实作风。提香早期和中期的油画色彩明亮，画风细致，用笔稳健有力；晚期的作品用笔豪放、色调单纯而富于变化。提香对欧洲后来的绘画产生了很大的影响。

   《在抹大拉的玛利亚面前现身》（又名《不要碰我》）显示了年轻的提香作为色彩大师的非同凡响。《酒神的狂欢》是提香受斐拉拉公爵的委托而创作的。画面色彩浓烈艳丽，形象大胆放荡，气氛热情奔放，表现了提香豪放的生活态度和向禁欲观念的挑战精神。

◆丁托列托

    丁托列托（1518—1594）是提香的学生，原名雅各布·罗布斯蒂，因为他出身染坊，人们叫他丁托列托。意为“染匠之子”。丁托列托的志向是“要把提香的色彩与米开朗琪罗的形体结合起来”。他的画构图宏伟，笔法豪放，在暗褐色的底子上突出强调光和影的对比，常以激烈的人体运动营造出夸张和紧张的氛围。他的作品蕴含着人类最强烈的奔放情感，受到后来的佛兰德斯大师鲁本斯的崇拜。

    《圣马可的奇迹》实际上是借宗教的外衣展示威尼斯人民凄惨遭遇的一幕。《浴后的苏珊娜》是他以裸女为题材的作品中杰出的一幅。苏珊娜来自与圣经一起流传的希伯来传说故事，她是希伯来民间故事中贞女的象征。

◆委罗内塞

    委罗内塞（1528—1588）从老师提香的用色方法上得到启发，结合他所擅长的明朗的银灰色调子，使画面辉煌且具有装饰风格。

   《迦拿的婚宴》取材于《圣经》中的故事。《马尔斯与维纳斯》取材于罗马神话。虽然这是神界，但委罗内塞却以富丽厚重的色彩和极富装饰性的人物动作展示了浓厚的世俗享乐倾向。 

样式主义绘画

    样式主义”一词源于意大利语Maniera，又译作“风格主义”或“矫饰主义”。这种绘画风格是指对文复兴时期艺术风格的变异。样式主义艺术家们重视艺术的表现形式，作品中的人物形象扭曲拉长，色彩刺目，有时流于矫揉造作，但在表现人物的内心感受、画面空间等方面有新的进展。样式主义不仅影响了意大利境内，而且遍及整个欧洲。主要代表人物有蓬托尔莫、柯勒乔、布隆齐诺、帕米贾尼诺。

◆蓬托尔莫

    蓬托尔莫（1494—1556）喜欢幽居独处，笃信教几近狂热。他的作品往往显得有些荒诞，但却充满激情和躁动。《下十字架》色彩轻淡，画面泛着冷光。人物形象扭曲拉长，各种姿态奇特。在细节刻画上很精致，但人物形态轻薄，缺乏立体感，表现出与文艺复兴时绘画不同的风格。

◆柯勒乔

    柯勒乔（约14-1534）对透视法和明暗渐进法有较深的研究，他的作品综合了达·芬奇、拉斐尔和威尼斯画派的特色，形成了格调纯朴、富有人间抒情味的风格。这种风格被后人称为“前巴洛克派”，他是风格主义的先驱。《爱神丘比特的教育》描绘的是司教育的神墨丘利与维纳斯共同教育丘比特的情景。

◆帕米贾尼诺

   帕米贾尼诺（1503—1540）出生于意大利帕尔马。最初他在柯勒乔的门下学画，并为教堂作了很多壁画。后迁居罗马、波伦亚。回到帕尔马后他创作了《长颈圣母》。《长颈圣母》是帕米贾尼诺的代表作。

◆布隆齐诺

    继帕米贾尼诺之后，意大利样式主义进入了发展时期，布隆齐诺（1503­—1572）是这一时期的代表人物，他原是蓬托尔莫的学生，后因艺术倾向一致，他们成为挚友。

    《维纳斯和丘比特的寓言》中整个画面呈冷色调，色彩运用得很细腻。这幅画在意大利晚期具有典型性，它影响了以后的意大利、法国的宫廷美术。

◆艾尔·格列科

    艾尔·格列科（1541—1614）出生于希腊克里特岛，他的绘画风格奇特，受到过拜占庭圣像画的影响，吸取了威尼斯画派亮丽的色彩，在罗马又学习了样式主义形体夸张的风格，并受到西班牙教的影响，他的画充满了神秘主义色彩。

    在这幅《圣母子与圣马丁和圣阿格尼斯》中我们充分体悟到格列科的宗教神秘色彩。

    格列科的风景画同样展示了他的独特画风。在《托莱多风景》中我们感觉到了画家强烈的主观色彩，整个画面以冷调子处理，充满了压抑、沉闷。《拉奥孔》取材于希腊神话故事。

尼德兰新现实主义和风景画

    尼德兰意为“低地”，在15至16世纪时，约包括现今的荷兰、比利时、卢森堡和法国的东北部地区。那里的城市经济和文化相当繁荣。文艺复兴时期尼德兰涌现了很多杰出的画家，取得了辉煌的成就。尼德兰画家的创作题材大多取自圣经，他们注重刻画人物细节和渲染环境气氛，较少直接表现人体美和神话爱情故事。

    尼德兰画家在绘画技法上进行探索、革新，形成了尼德兰系统，是古代油画的两大系统之一（另一系统为意大利系统，包括佛罗伦萨画派和威尼斯画派）。

◆扬·凡·艾克

扬·凡·艾克（1385—1441）是尼德兰绘画的奠基人。他把神圣的内容拉入现实世界中，着力描绘现实生活、现世人生的丰富多彩。 扬·凡·艾克与他的哥哥胡伯特·凡·艾克（1370—1426）从1415年开始合作绘制《根特祭坛画》，历时18年才完成。这件鸿篇巨制共有20幅。

《羔羊的礼赞》是其中的一个画面。这幅画取材于《新约全书》的《启示录》。画家在此展示了富有神秘色彩的场面，但我们更多的感受到的是他对大自然的赞颂。使画面保持经久的鲜润和美丽。从这幅作于木板上的《阿尔诺芬尼的婚礼》的油画中我们可以看出用色十分细腻，色彩鲜艳。

◆罗伯特·康平

   作为扬·凡·艾克的同代人，罗伯特·康平（1378—1444）和他一样致力于改造和发展晚期哥特式美术并取得了进步。对他的生平我们知之甚少。康平作品中的宗教人物富有生活气息，他的绘画风格接近扬·凡·艾克，但是人物形象，尤其是在细节刻画上，比扬·凡·艾克更细腻。

    从《耶稣诞生图》中可以看出罗伯特·康平的绘画风格。浓郁的生活气息在《炉栏前的圣母子》中表现得更为明显。在《女子肖像》中同样可以看到罗伯特·康平表现的圣洁美。

◆罗吉尔·凡·德尔·韦登

    罗吉尔·凡·德尔·韦登（1399或1400—14）生于尼德兰的土尔纳，是罗伯特·康平的学生，曾被任命为布鲁塞尔市的官方画家。他的画轮廓分明、线条匀称，画中人物及人物姿态相当优雅，在表现强烈的宗教情绪时特别敏感。从《下十字架》中我们感受到了浓烈的悲郁。在人物的精神和气质的表现方面，《女子肖像》与《下十字架》一样具有感染力。

◆雨果·凡·德尔·胡斯

    雨果·凡·德尔·胡斯（1436—1482）的主要美术活动在根特，他的画风与扬·凡·艾克相近，是杰出的根特画家。《波提纳里祭坛画》是由三个画面构成的鸿篇巨制，是为佛罗伦萨的圣玛利亚·诺瓦医院教堂而作。中间一幅为《耶稣诞生》。

◆汉斯·梅姆林

    汉斯·梅姆林（1430或1435—1494）是尼德兰文艺复兴时期重要的宗教画家，他的主要贡献是肖像画。《马丁·凡·纽温霍夫像》是梅姆林的晚期作品。人物神情显出个性特征，富有现实主义气息，笔法坚实，色彩也近写实。

◆赫拉德·戴维

    赫拉德·戴维（约1460—1523）是汉斯·梅姆林的后继者，他的作品承继了尼德兰北方绘画的传统，15世纪早期低地国家以凡·艾克兄弟和罗伯特·康平为代表的明晰画风在他的作品中达到了颠峰。戴维作品中的人物造型富有浮雕感，前后景物都极为清晰。

    在《逃亡埃及途中的休息》中圣母子被安置在画幅前景。圣母身后警惕的驴子与背景中的约瑟使得画面对称均衡。画家对色彩和明暗关系刻意求工，人物造型坚实有力。

◆希罗尼穆斯·博斯

   希罗尼穆期·博斯（约1450—1516）是15世纪末尼德兰一位风格极其独特的画家。博斯的作品大多取材于民间故事、笑话、传说和民间寓言，人物形象诡异，情节诙谐，寓意高深。很多作品的含义至今无法得到准确地解答。

    《圣安东尼的诱惑》是三叶式祭坛画，这是中幅。人文主义者伊拉斯谟（1466—1536）的讽刺诗《愚人颂》是博斯创作《愚人船》的动因之一。博斯用这幅画辛辣地讽刺了当时的教会和官僚。

◆昆丁·马西斯

   昆丁·马西斯（1465或1466—1530）是尼德兰16世纪初最杰出的画家之一。1491年成为安特卫普画家绘画师，其作品受意大利画风影响很大。《银钱兑换商夫妇》表现的是真实的社会现象。这幅作于木板上的风俗画可以说开了近代美术描绘日常生活的先河。

◆彼得·勃吕盖尔

    彼得·勃吕盖尔（1525—1569）生于荷兰布拉邦特州的勃吕盖尔村。他生命的最后五年多时间是他创作的最旺盛时期。勃吕盖尔创作了很多反映农民生活和尼德兰人民反抗西班牙统治者的作品，因此他被称为“农民的勃吕盖尔”。

    勃吕盖尔借《巴别塔》影射了现实世界的纷争。宏伟壮观的巴别塔高耸入云，人类的力量令上帝惊恐，他用神术搅乱了建塔的示拿人的语言，从此，通天塔只建了一半，人类也只能以相通的语言为群散居各地。

   1566年，尼德兰人民发动了反对天主教和西班牙统治者的“破坏圣像运动”，这是一场资产阶级与平民的运动。勃吕盖尔或许介《农民的婚礼》来隐喻这些纯朴的农民对即将爆发的事件静观和担忧的心态。 

德国文艺复兴时期的绘画

    到16世纪德国才出现一批杰出的画家，虽然文艺复兴来得迟了些，但一旦发生，就充满了势不可挡的探索与革新的精神力量。德国的绘画作风简朴，画家们追求神奇的境界，刻画多愁善感的形象，对夸张、恐怖、狂放的表现感兴趣。由于印刷业的发达，德国绘画以版画著称于世。

◆阿尔布雷希特·丢勒

    阿尔布雷希特·丢勒（1471—1528）出生于德国的文化名城纽伦堡，他在油画、版画以及理论研究方面都取得了杰出的成就，是像达·芬奇一样的时代巨人。丢勒于1494年和1505年先后两次去意大利。在人体研究上丢勒从意大利获得很多有益的东西，但在油画表现上，他的创造性早就引起意大利许多知名画家的注意，丢勒在油画技艺上的高超造诣令乔万尼·贝里尼大为惊叹。

    《亚当与夏娃》在风格和技巧上显然受意大利画家的影响。《四使徒》是丢勒晚年的成功之作，这幅画不仅体现了他的人文主义思想，而且带有强烈的新教色彩。《四骑士》是丢勒最有代表性的木刻作品，是15幅以圣经《启示录》为题材的木刻组画之一。

◆马蒂亚斯·格吕内瓦尔德

    马蒂亚斯·格吕内瓦尔德（1470或1480—1528）擅长于祭坛画。当丢勒潜心研究意大利绘画时，格吕内瓦尔德却对意大利绘画视而不见。他是德国文艺复兴画家中最令人不可思议的一位。死亡与痛苦、幻想与病态是他的绘画形象的基调。他喜欢采用强烈的对比色，追求暗色背景中的闪光，有点像中世纪彩色玻璃画。这种画法影响了后来的德国浪漫主义画派。

    《受难图》是《伊森海姆祭坛画》中的一幅。深色背景与画面上的红颜色形成强烈对比，强调了恐怖感。

◆小汉斯·荷尔拜因

    小汉斯·荷尔拜因（1497或1498—1543）是德国文艺复兴时期的肖像画大师。他父亲汉斯·荷尔拜因的绘画风格代表了德国15世纪的最后一种风貌，而小汉斯·荷尔拜因则代表16世纪的绘画风格。他的肖像画描绘了很多当时的知识分子，从中可以看出他的艺术倾向和人文主义思想。《伊拉斯谟斯》是荷尔拜因所作的众多肖像画中最出色的一幅。

◆老卢卡斯·克拉纳赫

    老卢卡斯·克拉纳赫（1472—1553）的宗教画和意大利画家的作品一样追求世俗气息，但是他后期以希腊神话为题材的女性形象却令人费解，他蓄意采用中世纪哥特式艺术手法，给人一种怪异感。

    《帕里斯的评判》中三位裸体女神的形象是画家一直遵循的模式：把人体拉长，体态细长而扭曲、乳房小而圆，手势矫揉造作，腰间的罗纱完全透明，人物形象极具诱惑力。这幅画带有稚拙和矫饰化，有人认为他晚期的作品是德国风格主义的始作俑者。《守护圣泉的仙女》似有一种反禁欲的意味。这幅画的稚拙变形给以后的德国表现主义绘画以很大的启迪。

◆阿尔布雷希特·阿尔特多弗尔

阿尔布雷希特·阿尔特多弗尔（约1480—1526）是德国文艺复兴时期较有成就的风景画家，也是风景画的奠基人之一。《有城堡的景色》是第一批的风景画之一。画家运用精细的笔触和多层敷色，使树林、道路、远水和青山产生了丰富的厚重感。

法国枫丹白露画派

16世纪30年代出现的枫丹白露画派是法国文艺复兴绘画的重要标志之一。这一画派的画家都以意大利绘画大师的作品为楷模，并且经常与服务于法国宫廷的意大利画家交往。法国枫丹白露派可以说是意大利样式主义的翻版，但他们伤口的现实主义缺乏生气，制作上不够雅致。

◆让·克鲁埃

让·克鲁埃（1485或1490—1540或1541）是法国国王弗朗索瓦一世的宫廷画师，他终身从事肖像画创作，以造型准确、严谨、优雅而著称。《弗朗索瓦一世像》塑造的是一个完美的帝王形象。

◆弗朗索瓦·克鲁埃

弗朗索瓦·克鲁埃（约1516—1572）是16世纪法国文艺复兴之初最有才华的艺术家。弗朗索瓦·克鲁埃的介于肖像与风俗情节之间的油画风格，给法国还不发达的绘画艺术带来了生命力，但是还未完全摆脱哥特工遗风。《沐浴的女人》画的是罗马神州中的猎神与月神狄安娜，同时这幅画又具有风俗画的特色。 

意大利巴洛克风格绘画

17世纪意大利巴洛克艺术风格突出地表现在建筑、雕塑和建筑装饰方面。建筑家和雕塑家乔凡尼·贝尔尼尼是巴洛克艺术风格的杰出代表。当时，装饰在意大利宫廷内的天顶画所具有的巴洛克风格对欧洲各国也产生了较大的影响。彼得罗·达·科尔托那与安德烈·德尔·波左是巴洛克绘画中的主要代表，他们个自创作了较多的色彩艳丽的天顶画和壁画。从17世纪后叶起，欧洲各国的皇宫与大厅，由于受到巴洛克天顶画装饰风尚的激励，竞相效仿，这些绘画作品充满激情、动感，光彩夺目，浩繁富丽。

◆彼得罗·达·科尔托那

彼得罗·达·科尔托那（1596-1669）是意大利巴洛克艺术的代表人物。《劫夺萨宾妇女》取材于古罗马的历史传说故事，《圣斯蒂芬受刑》取材于《新约》。

◆安德烈·德尔·波左

安德烈·德尔·波左（12-1709）早年崇拜卡拉齐兄弟的学院风格，后来又从巴洛克画风中学会以夸张的空间来表现宗教情节的手法。《伊洛纳底乌斯的容光》这幅天顶画是他的代表作。

意大利现实主义绘画

16-17世纪之交的意大利处在内乱外患之中，经济衰退、国势减弱，性格急燥的卡拉瓦乔正处于这样的年代，过着穷困的生活。卡拉瓦乔的作品继承意大利北部现实主义风俗画的传统，真实地描绘人物和自然，采用明暗对比强烈的“黑暗法”，从不美化圣经人物。他的绘画风格影响很大，被各国现实主义画家所接受和继承。阿尔泰米西娅·真蒂莱斯基是卡拉瓦乔的弟子，在西方美术史著作中她被称为第一位杰出的女画家。她的作品继承了卡拉瓦乔的风格。虽然她在当时遭受了不公平的待遇，但现在她的作品已深受世人的赞赏。

◆卡拉瓦乔

卡拉瓦乔（1571-1610）是16-17世纪之交意大利现实主义绘画的代表人物。他性格倔强，经历坎坷，客死他乡时仅37岁。他以现实主义的艺术原则描绘的作品富有感染力，成为巴洛克风格的先驱之一并给后来的写实主义画家以较大的启发。《女占卜者》展现的是一个街头常见的风俗场面：流浪的吉普赛女占卜者正在为贵族青年看手相。《诗琴演奏者》是卡拉瓦乔早期的风俗画。《酒神巴库斯》中的酒神很像《诗琴演奏者》中的小伙子。这幅画表明了卡拉瓦乔对日常生活的兴趣和受北部意大利现实主义传统的影响。

意大利学院派绘画

意大利学院派绘画的代表人物是波伦亚学院的创始人卡拉齐三兄弟。他们继承了文艺复兴时期的艺术传统，并把这种传统视为至高的典范。他们的绘画风格结合了文艺复兴盛期的“纪念碑风格”、威尼斯画派明快的色彩和巴洛克的官能刺激，并且作品中流露出理想主义和典雅的感伤，因而深受教廷和官方的赏识。

意大利学院画派的代表人物有阿戈斯蒂诺·卡拉齐（1557-1602）、安尼巴莱·卡拉齐（1560-1609）两兄弟以及他们的表兄路德维科·卡拉齐（1555-1619）。他们坚持文艺复兴时期的艺术传统，使古典的“理想美”与当代巴洛克的官能刺激相结合。他们认为自然本身是不完美的，需要艺术家的加工创造，赋予它理想化，这种理想化的风景被称为“英雄化的风景”。在卡拉齐兄弟之后，学院画派的代表人物还有圭多·雷尼和乔·圭尔奇诺等人。

◆安尼巴莱·卡拉齐：《逃亡埃及》即为学院画派的“英雄化风景”，我们可以看到画中的古典主义倾向。

◆圭多·雷尼

圭多·雷尼(1575-12)最初对拉斐尔式的古典风格和理想的形式美十分倾心，后来又受到卡拉瓦乔的聚光明暗法和生动的造型方法的影响。《苏珊娜与长老》体现了圭多·雷尼的古典主义倾向和优美典雅的情趣。

◆乔圭尔奇诺

乔圭尔奇诺（1591-1666）与圭多雷尼一样长于素描并受卡拉齐兄弟的影响。从《与被捉奸的女人》画面明快亮丽的色彩中我们可以看出，他从威尼斯画派中吸取了营养。

尼德兰·弗兰德斯绘画

弗兰德斯与北方的荷兰统称尼德兰，同处于西班牙的统治下。北部的荷兰诸省在反对外族统治下首先取得了，并建立了共和国联邦，而弗兰德斯仍在天主教会和西班牙的控制之下。17世纪弗兰德斯的绘画受到了西班牙和反宗教改革运动的影响，并受法国路易王朝的艺术趣味的驱使，转向了奢华的巴洛克风格。鲁本斯是弗兰德斯杰出的巴洛克绘画大师，也是民族绘画传统的发扬者。另外的代表有凡·代克、扬·勃吕盖尔。

◆扬·勃吕盖尔

尼德兰画家彼得·勃吕盖尔（1525-1569）有两个儿子是画家，一个是擅长画妖精、粗野汉的小彼得·勃吕盖尔（15-1638），另一个是爱画花鸟与动物的扬·勃吕盖尔（1538-1625）。扬·勃吕盖尔是弗兰德斯最早的花卉画家。也是“农村风俗画”的重要代表人物之一。《蓝色花瓶里的花束》笔触细腻，追求光洁和质感，精致工整的风格具有尼德兰细密画的特征。作品体现了扬·勃吕盖尔深厚的色彩修养和造型功力。

◆鲁本斯

鲁本斯（1577-10）的技法是属于尼德兰的传统绘画技法。鲁本斯在意大利见过拉斐尔的《圣乔治屠龙》，但他的这幅画笔法犷放，充满激情，与拉斐尔和后来法国画家安格尔的同名画迥异其趣。这幅画的题材源于《圣经》。整幅画色彩热烈，具有拉斐尔式的构图、米开朗琪罗式的力度，提香式的华丽色彩、丁托列托式的韵律节奏感、卡拉瓦乔式的聚光法、柯勒乔式的幻想。这幅作品吸收借鉴了前辈和同代艺术大师们的成就，同时融入了鲁本斯本人的风格，使画面充满了感染力。

鲁本斯在1612-1625年间，为法国皇后玛丽·德·美第奇画了21幅有关她生平的历史画，这些画装饰在卢森堡宫，《玛丽·德·美第奇在马赛港登陆》是其中的第六幅。《帕里斯的评判》描绘的是信使之神把3个美丽的女神带到了一片田园风光中。关于这个题材，鲁本斯先后作过两幅画。美惠三女神代表了美丽、青春、幸福。鲁本斯笔下的《美惠三女神》中女性肌体丰满，富有肉感。鲁本斯以饱满地热情赞颂了人体美和自然美，显示了他晚年肖像艺术的杰出水平。 

◆安东尼·凡·代克

安东尼·凡·代克（1519-11）曾在鲁本斯的画室里任助手和弟子。凡·代克擅长肖像画，他笔法严谨，形象自然朴实。《英王查理一世行猎图》是凡·代克的代表作。画家按国王的要求把他画成身穿猎装正在郊外的情景。 

弗兰德斯风俗绘画

雅各布·约尔丹斯（1593-1678）是弗兰德斯风俗绘画的代表人物，曾是鲁本斯的同窗师兄弟和助手。他的风俗画笔法粗犷、朴实无华、生气蓬勃。10年鲁本斯去世后，约尔丹斯成了安特卫普画坛的首要人物。

◆雅各布·约尔丹斯

雅各布·约尔丹斯早期受卡拉瓦乔的影响，后来又追随鲁本斯。约尔丹斯终生没有离开过安特卫普。他乐于描绘那些乐观的庄稼汉。在《豆王节的欢宴》中，约尔丹斯描绘了一个热闹风趣的宴饮场面。整幅画面充满了浓郁的生活气息。《四使徒》描绘的是4个使徒全神贯注地阅读着《圣经》，约尔丹斯满怀激情得描绘了他们专著的表情。

荷兰风俗绘画

维米尔（1632-1675）与扬·斯滕（1629-1679）都是荷兰独特的风俗画家。维米尔一直生活在代尔夫特，他以独特的艺术描绘了荷兰人民平静恬淡、自我满足的生活。他去世后的几十年，一度湮没无闻，遂被人淡忘。1866年法国艺术评论家迪奥菲·杜尔出版了研究维米尔的文集，引起了西方美术界的重视。扬·斯滕的作品具古典美，影响广泛，他的风俗画具有舞台剧性质，风景画也具有故事性，他运用现实主义的手法，反映了荷兰人民对快乐的精神生活的向往。

◆维米尔

维米尔在《代尔夫特风景》中以精确的笔法为我们如实得描绘了他的家乡代尔夫特的风景。

◆扬·斯滕

扬·斯滕的作品在当时影响很广，仅次于伦勃朗和哈尔斯，他的风俗画充满浓郁的生活气息。《小酒店门前玩撞柱游戏的人》让我们体会到那个初夏傍晚的宁静恬淡。扬·斯滕描绘的普通日常生活具有一种舞台戏剧效果，他注重人物的细节描绘，画面带有故事性和幽默感，表现了荷兰人民的快乐生活。《小酒店前的农民们》展示的就是一个欢快的场面。

荷兰现实主义绘画

1609年荷兰，建立了荷兰共和国，经济得到了迅速的发展，随之而来的是思想的自由和教育的普及。由于新兴的市民阶层的需求，画家们把描绘对象从宗教、神话的范围扩大到广阔的现实生活。绘画作品商品化了，肖像画在此时最为盛行。弗兰斯·哈尔斯与伦勃朗都是荷兰现实主义绘画的重要代表。

◆弗兰斯·哈尔斯

弗兰斯·哈尔斯（约1580-1666）是17世纪荷兰肖像画家的重要代表。哈尔斯善于捕捉人物瞬间的表情，人物形象栩栩如生。《吉普赛女郎》是他最具有代表性的杰作。

◆伦勃朗

伦勃朗（1606-1669）是继哈尔斯之后最杰出的现实主义大师之一。他画了大量的肖像画。他善于表现人物的内心活动，善于描绘情节和塑造形象。他运用明暗法、厚涂法表现生活的真实性。

《丹娜埃》取材于希腊神话。这幅画中伦勃朗笔下的女性是一位成熟的荷兰妇女，不同于提香笔下的迷惘的少女形象。这是伦勃朗以他的夫人为原型创作的。创作了很多自画像，这一幅《自画像》是他晚年的作品。                                    《浴女》描绘的是伦勃朗原来的女仆，后来成为他妻子的亨德里克治。

荷兰小画派

荷兰于1609年取得后建立了共和国。肖像画由于新兴市民阶层的要求而兴盛起来，这是荷兰小画派产生的重要原因。所谓荷兰小画派，是指专以小幅画来满足广大市民阶层的装饰需要，题材有风景、静物、风俗画、肖像画等。画派中有成就的代表人物有彼得·德·霍赫、雅·鲁伊斯达尔与霍贝玛。

◆彼得·德·霍赫

彼得·德·霍赫（1629-1684）的作品虽然没有维米尔的那种灵气，但却充溢着浓郁的生活气息和真实明朗的魅力。在这幅《荷兰庭院》中，霍赫不仅描绘了荷兰的世俗生活和美丽风景，而且带给我们无限的遐想。

◆雅·鲁伊斯达尔

雅·鲁伊斯达尔（1628-1682）是荷兰风景画家中杰出的一位，他借景物抒发对自己故乡的眷恋和对大自然的热爱。《埃克河边的磨坊》是典型的荷兰风光，它表达了画家对大自然的动力的赞颂。

◆霍贝玛

鲁伊斯达尔的风景画具有忧郁、悲凉的情调，而他的学生霍贝玛（1638-1709）的画面则显得开阔明朗。《林间小道》是霍贝玛的代表作。画家成功地运用了焦点透视，构图稳定均衡。这幅画在美术技法教学上一直被用作古典的示范作品。

◆扬·达维斯·德·海姆

扬·达维斯·德·海姆（1606-1684）生于乌得勒支，1636年移居安特卫普。他是个静物画画家，尤其擅长画花果，扬·达维斯·德·海姆的《瓶花》充满了巴洛克艺术的活力，艳丽的鲜花简直要从瓶子里跳出来。

法国巴洛克风格绘画

法国巴洛克风格绘画的代表人物是西蒙·弗埃和他的学生夏尔·勒布伦。弗埃曾在意大利居住16年，深受卡拉瓦乔和威尼斯画派影响，形成了巴洛克画风，成为路易十三宫延的首席画师。他的作品喜用典故，使人有身临其境之感。勒布伦是一位极有组织才能的画家。从60年代开始，他和助手完成了凡尔赛宫和各王族宅第的装饰任务。勒布伦的艺事活动对法国绘画的影响长达一个多世纪。

◆西蒙·弗埃

西蒙·弗埃（1590-19）出生于巴黎。作为法国巴洛克画家的代表，西蒙·弗埃精于人体造型，技法熟练，色泽的亮度较高。这幅《十字架上的》明暗对比强烈，受到了卡拉瓦利的影响。

◆夏尔·勒布伦

夏尔·勒布伦（1619-1690）出生于巴黎，曾从师于西蒙·弗埃学习绘画。他的架上画具有巴洛克遗风，也有古典主义倾向。《大法官塞基埃的骑马像》描绘的是大法官塞基埃趾高气扬、不可一世的凯旋场面。 

法国古典主义绘画

法国古典主义绘画在是恢复古希腊罗马的艺术传统的过程中逐渐发展起来的。受笛卡尔的哲学影响，法国古典主义把理性放在首位，认为美是秩序、和谐、比例与规范化。乔治·德·拉图尔是古典主义绘画的先驱，他的作品大多是宗教画和风俗画。勒南三兄弟的作品大多以农民为题材，他们对法国古典主义的最终形成起了重要作用。普桑是古典主义绘画最杰出的代表，他的作品含蓄冷淡，追求准则与规范，人物形象坚实如雕塑，推崇静思冥想。克兰德·洛兰是古典主义绘画的另一位重要人物，他的作品中人物从属于风景，但又参与宏伟和古典幻景中。他笔下的风景是理想化的田园风光，和普桑的作品一样，一切都是静止、平衡、和谐的。

◆乔治·德·拉图尔

乔治·德·拉图尔（1593-1652）是法国洛林地区的著名画家。他擅长表现夜间在蜡烛光线下的事物，这种画被称为“夜间画”，画面明暗对比强烈，有一种神秘感。《油灯前的抹大拉的玛利亚》，他是借圣经题材来表现夜光效果。

◆路易·勒南

在法国古典主义绘画早期与拉图尔同行的是勒南三兄弟，即安托万·勒南（1588-18）路易·勒南（约1593-18年）和马蒂厄·勒南（约1607-1677）。其中路易·勒南的绘画成就最为突出。

◆尼古拉·普桑

尼古拉·普桑（1594-1665）从神话、宗教和历史故事中选取绘画题材，在普桑早些时候创作的《诗人的灵感》中我们看到了作品构图的严谨、统一和完美。《台阶上的圣家族》充满了节制、安宁和平静。画面冷淡而含蓄，用色精巧，境界阔大。

◆克兰德·洛兰

普桑的风景是人物的陪衬，而克兰德·洛兰（1600-1682）的风景画中人物只是点缀，他的风景是浪漫诗意式的，充满了抒情味。洛兰的《帕里斯的评判》不同于别的画家的同类作品，他主要展示的是美丽的自然风光。

西班牙委拉斯凯支时代的绘画

17世纪的西班牙，人民民主运动此起彼伏，因此，西班牙委拉斯凯支时代的巴洛克绘画都具有强烈的现实主义气息。主要代表人物有胡塞佩·德·里维拉、弗兰西斯科·德·苏巴郎、委拉斯凯支和巴托罗米·伊斯特万·穆里罗。他们中的大部分画家除了宗教、神话题材外，也画题材广泛的风俗画，作品体现了高超的写实能力。

◆胡塞佩·德·里维拉

胡塞佩·德·里维拉（1591-1652）是17世纪初西班牙巴洛克风格的现实主义宗教画的杰出代表。里维拉是那不勒斯画派和西班牙绘画艺术之间的桥梁，也是卡拉瓦乔艺术风格最重要，最有特点的继承人之一。他的作品题材广泛，宗教画多有世俗化倾向，善于描绘社会底层人物。《跛足男孩》是里维拉揭露社会世态的重要作品。毫无疑问也是在他的独具一格的以乞丐为题材的绘画作品中具有里程碑意义的杰作。

◆弗兰西斯科·德·苏巴朗 

弗兰西斯科·德·苏巴朗（1598-16年）与委拉斯凯支是同学，受到卡拉瓦乔的影响。他的作品庄严、平静，人物造型具有朴实的质感，宗教画富有朴素的现实主义倾向。

     苏巴郎的作品具有女性般的温柔和纤细，既没有里维拉的雄强阔大，也没有艾尔·格列科的疯狂与不安。画面宁静，人物造型庄重、质朴。《圣波拿文都拉受公众瞻仰》具有神圣的平静，画面回避激情和悲剧气氛。这幅画体现了画家严格的写实技巧，在明晰中见出分量及难以言喻的神圣感。

◆委拉斯凯支

委拉斯凯支（1599-1660）出生于西班牙的塞维利亚。他终生为宫廷和国王服务。委拉斯凯支重视作品中色彩的表现，物体的暗部和阴影都由丰富的色彩组成，力求在光线和色彩的律动中刻画人物的性格。他的巴洛克风格体现在画面中复杂的明暗对比、复杂的空间层次和人物之间细微的关系等方面。                                    

    《卖水的人》是委拉斯凯支早期的代表作。画家以特写的形式表现出这位塞维利亚卖水的老人严肃、粗犷的性格特征。委拉斯凯支不仅画风俗画和历史画，也画肖像画、女性画。《镜前的维纳斯》是他惟一的裸女作品。

◆巴托罗米·伊斯特万·穆里罗

    巴托罗米·伊斯特万·穆里罗（1616-1682）出生于西班牙的塞维利亚，他的艺术受卡拉瓦乔、委拉斯凯支和弗兰德斯画家凡·代克的影响。穆里罗的绘画题材主要分为两类：一类是宗教题材；另一类是下层社会的风俗生活和流浪儿童。他的作品具有现实主义倾向、同时也具有古典的唯美主义倾向和装饰风。穆里罗的《圣家族》不同于以往任何画家所作的同类题材。画面上洋溢的亲情深深地打动了我们。

法国罗可可风格绘画

18世纪的法国由于资本主义经济的快速发展，积累了大量的财富，封建贵族开始追求奢侈享乐的生活。尤其到了路易十五时代，艳丽、精致、豪华的罗可可风格取代了巴洛克风格，侵入了宫廷贵族生活的各个领域，宫殿装饰、家具、服饰、雕塑和绘画，无不以罗可可风格为时尚。华托处于法国从路易十四过渡到路易十五这一摄政时期的年代，成为当时最杰出的画家。他的作品闪现着精湛的笔法、华丽的色彩，绝妙的想像和构思，他描绘的浮华的场面蕴含着强烈的诗感、微妙的嘲讽和深奥的内涵。华托的追随者特鲁瓦、朗克雷、巴特尔等人极尽细致繁华之能事，但画面中贵族生活的场面和人物形象是真实可信的。布歇是备受路易十五的蓬巴杜夫人青睐的画家。他的作品的基调比华托的低沉，他画的裸体女性甜腻而富有肉感，淋漓尽致地展现了18世纪女性的美。弗拉戈纳尔继承了布歇的画风，成为法国罗可可绘画的主要代表，他的作品在色彩上比布歇的更胜一筹。

◆让·安托万·华托

让·安托万·华托（1684-1721）出生于法国瓦朗西安市一个手艺匠的家庭。真正影响华托艺术的是提香和鲁本斯的作品。华托一生创作了很多追求贵族题材作品，再现了上流社会无聊的生活。但是华托本人的生活并不愉快，体弱多病的他37岁时就去世了。《梳妆》中的裸女正要穿上衣服，她展示的姿势具有挑逗的意味。这是典型的罗可可作品中搔首弄姿的女性形象。华托总是以富有装饰趣味的华丽色彩描绘那些精神空虚、附庸风雅的贵族男女。《意大利喜剧演员》是他的代表作之一，这幅画与《吉尔斯》是同时期完成的姊妹篇。

◆让·弗朗索瓦·德·特鲁瓦         

    让·弗朗索瓦·德·特鲁瓦（1679-1752）擅长装饰画、肖像画和风俗画。他14岁时移居意大利，后因他的艺术成就，被法国任命为罗马法兰西学院院长。他主要从事宫廷装饰画，是罗可可时代的重要绘画代表。

   《阿克泰翁突然出现在狄安娜面前》是特鲁瓦运用古典主义技巧与罗可可风格相结合的杰作。特鲁瓦乐于描绘贵族男女的奢侈生活，因此他获得了“游乐图画家”的雅号。《求爱》表现的就是贵族男女青年在白天谈情说爱的情景。

让·巴普蒂斯特·乌德里

让·巴普蒂斯特·乌德里（1686-1755）是法国罗可可艺术的代表。他在34岁以前以画肖像画而闻名，后来专画动物，在动物画上取得很高成就后又转画静物。《死狼》中的各种静物、死去的狼和活着的狗都很真实生动。画家把他要描绘的对象放置在巴洛克式的建筑物前，虽然没有什么主题思想，但却得到了和谐的统一。

◆让·朗克

让·朗克（1674-1735）也是法国罗可可艺术的重要代表。在《伊莎贝拉·法尔内塞皇后》中充分表现出他的高雅、艳丽画风。

◆夏尔·纳图尔瓦

夏尔·纳图尔瓦（1700-1777）曾任罗马法兰西学院院长，是法国罗可可绘画的代表人物。《维纳斯为埃涅阿斯向火神伏尔甘要武器》是一幅典型的罗可可绘画。

◆布歇

布歇（1703-1770）是法国罗可可绘画最重要的代表人物。

    《博韦附近的风景》展示的是偏僻幽静的河边的一户人家，他们依靠小船来和外界沟通。整个画面色彩亮丽明快，显出罗可可式的装饰性。布歇为蓬巴杜夫人画过很多肖像，1756年的这一幅《蓬巴杜夫人》是最好的。在《维纳斯的凯旋》中布歇融合了古典主义的人物造型、巴洛克式的运动感和罗可可的享乐主义。布歇在《日落》中运用了与《维纳斯的凯旋》同样的手法。画面不仅具有金字塔的造型，而且更富有动感，人物组合更为集中、紧凑。

◆让·奥诺雷·弗拉戈纳尔

让·奥诺雷·弗拉戈纳尔（1732-1806）是继布歇之后罗可可绘画的重要代表。弗拉戈纳尔的作品在色彩上胜过他的老师布歇。弗拉戈纳尔在风俗画中常描绘男女间的风流韵事。他的画轻松、活泼，色彩饱满，笔触肯定。《秋千》是弗拉戈纳尔的代表作之一，是他歌颂爱情的4幅连作中的一幅（另3幅为《爱情的誓言》、《门闩》、《爱情之泉》）。这幅画中轻佻的内容和高超的色彩技巧并存，迎合了当时颓废贵族的趣味。

法国市民风俗画及其他

法国市民风俗画的主要代表是夏尔丹和格瑞兹。夏尔丹热衷于描绘以日常生活为主题的风俗画，这体现了法国中产阶级对故作姿态的贵族作出的一种反应。他赋予了那些洗衣妇、厨娘、女小贩、小孩以诗化的形象，他认为这些人比贵族更高尚。夏尔丹的静物画具有一种鲜活的生命感，物体之间的关系非常微妙，明晰的几何形与和谐的画面成为莫奈、塞尚、马蒂斯等画家作画的楷模。格瑞兹则将古典主义与荷兰风俗画的特点结合起来，形成了感情夸张的风俗画。

◆夏尔丹

夏尔丹（1699-1779）出生于法国巴黎。他对罗可可画家所描绘的上流社会豪华奢侈的享乐生活毫无兴趣。他喜欢作静物画和表现普通市民生活的风俗画。他的静物画沉穆凝重，富有生命感；他的风俗画朴素典雅。夏尔丹的作品受到了哲学家狄德罗的高度赞赏。《鳐鱼》是夏尔丹最成功的静物画。整个画面色彩淡雅、光影清晰，物体表现得极为真实，显示出内在的生命感。约从1730年起，夏尔丹开始从静物画转向风俗题材画。从这幅《玩小陀螺的孩童》中我们可以体会到与他静物画中同样的宁静感。

◆让·巴普蒂斯特·格瑞兹

让·巴普蒂斯特·格瑞兹（1725-1805）的艺术活动处于法国封建君主制走向腐化堕落和启蒙思想兴起的时代。他以家庭生活情景为题材的作品含有一定的训诲意义，他的肖像画具有用色细腻的古典画风。

    《少女头像》是格瑞兹晚期创作的肖像画的代表之一。他的肖像画带有浓厚的学院派气息。《为死去小鸟而伤心的少女》中的主人公是格瑞兹钟受的安勒·卡弗列娥尔，画家以她为模特儿作过很多画。 

英国风俗画与肖像画

威廉·荷加斯是英国18世纪风俗画和肖像画的奠基者。他的作品具有写实主义画风和辛辣的讽刺以及严密的构图。托马斯·庚斯博罗、乔舒亚·雷诺兹和乔治·罗姆尼是三位最杰出的肖像画家，阿伦·拉姆齐的肖像画给英国带来了巨大声誉。托马斯·劳伦斯是18世纪与19世纪之交最时髦的肖像画家。另外还有一位以马为题材而传神写照，并著称于世的乔治·斯塔布斯。

◆威廉·荷加斯

威廉·荷加斯（1697-17）是英国绘画学派的创始人，他以讽刺性风俗画闻名于世。

    荷加斯创作的组画《时髦的婚姻》共有6幅，如画家自己所说，是抨击“上流社会形形色色的时髦事件”。第一幅描绘是订婚的场面。这个时髦的婚姻是没落的贵族阶级与富裕的新兴资产阶级的相互勾结和利用。两只锁在一起的小狗暗喻了这桩交易的性质和最终结局。在第二幅《时髦的婚姻》中，荷加斯描绘的是这对夫妇新婚后的某天下午，丈夫刚从外面鬼混回家。

◆弗朗西斯·海曼

    弗朗西斯·海曼（1708-1776）是个风俗画家。在这幅《挤奶女工的劳动节》中，实际上描绘的是贵族小姐们跳舞寻欢的场面，是一幅典型的罗可可式的英国贵夫人享乐图。

◆阿伦·拉姆齐

阿伦·拉姆齐（1713-1784），出生于爱丁堡，曾在伦敦学艺，后赴罗马学习，1739年定居伦敦后，他创作的肖像画给英国带来了世界性声誉。在《画家的妻子》中，拉姆齐描绘的女性形象具有古典主义的庄重和罗可可的娇美。

◆乔治·斯塔布斯

乔治·斯塔布斯（1724-1806）是18世纪英国的古典派画家，以画马而著称于世，并著有《马的解剖学》一书。他善以精细的素描来表现马的特性，他笔下的马有一种“肖像性”。《母马与马驹》中的三匹母马和两匹小马驹在美丽的大自然中悠然自得，它们的神情透出智慧灵性。

◆乔舒亚·雷诺兹

乔舒亚·雷诺兹（1723-1792）出生于英国德翁郡普利姆顿。他去过伦敦罗马学习和研究绘画，成为18世纪英国著名的肖像画家。雷诺兹是英国皇家美术学院的创建人并任该院的终身院长。他的肖像画常把人物的酷似性和相应的自然环境融为一体，准确地体现人物形象的气质和风仪，强调人物之间感情微妙的变化。

    三个美丽的妙龄女郎手执五颜六色的花环正轻歌曼舞，在这旖旎的自然风光中她们无忧无虑，她们是美惠三女神吗？画题《威廉·蒙哥马利爵士的女儿们扮演三美神》告诉我们，这三位女郎是贵族的女儿，三姐妹的父亲是才华横溢、深得宫廷宠幸的爵士。巴洛克的动感与罗可可的文静相协调，作品透出了圣洁之美。

◆托马斯·庚斯博罗

18世纪英国的另一位肖像画大师是托马斯·庚斯博罗（1727-1788）。他出生于英国萨福克郡，13岁去伦敦，学到了罗可可装饰画的技法。他的作品不描绘法国罗可可式的带挑逗性的谈情说爱，而是把罗可可风格英国化。画中人物常常是身着盛装的贵族男女，人体纤长、体态优雅，不论男女都具有女性的俊雅和矜持。

    庚斯博罗在《画家的女儿追扑蝴蝶》中生动地描绘了他的女儿莫莉和玛格丽特。《蓝衣女子》是庚斯博罗极为成功的一幅作品，在色彩运用上突破了英国传统技法。在美丽的自然风光中，一对年轻的贵族夫妇在林间漫步。《晨间散步》是庚斯博罗晚年的名作，画家以柔和的笔触、淡雅的色彩来描绘人物轻松悠闲的心情。 

意大利罗可可风格绘画

意大利罗可可风格的代表人物是威尼斯画派的提埃波罗和瓜尔迪。提埃波罗的壁画、天顶画极富想像力、人物形象生动，色彩艳丽，具有很强的装饰性。瓜尔迪浪漫的手法使作品充满了浓厚的抒情性和诗意的魅力。

◆乔凡尼·巴蒂斯塔·提埃波罗

乔凡尼·巴蒂斯塔·提埃波罗（1696-1770）是意大利威尼斯画派的杰出代表，他擅长天顶画、壁画和架上版画等画种，他的装饰性风格给欧洲绘画带来深远的影响。

    《雷佐尼科与萨沃格南婚姻之喻》是提埃波罗为雷佐尼科与萨沃格南两大威尼斯显贵联姻而作的天顶画，现存于威尼斯雷佐尼科博物馆，依然在原来的位置上。这幅画色彩艳丽、饱满，柔和的银色、淡黄、金黄、铅灰、棕色到蓝色相互之间的过渡、转换极其和谐，画面充满色彩的节奏感和罗可可式的装饰性。

◆弗朗西斯科·瓜尔迪

弗朗西斯科·瓜尔迪（1712-1793）是意大利威尼斯画派的最后一位杰出画家。瓜尔迪以作品的浪漫色彩，亦真亦幻的风格见长，他善于渲染和烘托画面的气氛。在《意大利海港和古代遗迹》中，我们看到瓜尔迪浓厚的抒情色彩。 

◆西班牙绘画

弗兰西斯科·戈雅是18世纪末西班牙最伟大的浪漫主义画家。他把委拉斯凯支、伦勃朗和大自然尊为自己的老师，他的艺术深深地扎根于西班牙的土地，对于欧洲浪漫主义绘画起了一种先驱的作用。

◆戈雅

戈雅（1746-1828）是西班牙继委拉斯凯支之后出现的浪漫主义绘画大师。

    戈雅画过两幅姿态和构图相同的青年女子肖像，即《着衣的玛哈》和《裸体的玛哈》。“玛哈”是当时西班牙社交场合对名媛淑女们的通称。从《巨人》的副标题《恐慌》中，我们可以把巨人理解为恐惧的化身。整个画面充满了阴郁，有着强大的视觉冲击力。戈雅用自己的想像力和画笔把战争给人类带来的恐慌与破坏，生动形象地展示在我们面前。

◆英国浪漫派风景画

英国浪漫派风景画不是一个有共同纲领和组织的流派，而是对那些具有浪漫主义艺术特征的风景画的概称。英国浪漫派风景画的代表画家是透纳和康斯太勃尔。他们前承了早同期英国浪漫主义画家布莱克的创作观念，认为风景画是对人的情感的表达，风景画的创作应当依据艺术家对自然界景色的直接体验，而不应当是对自然的纯粹机械的模拟。“画我感受到的比画我看到的更重要”是这些风景画艺术家的创作宗旨。他们大多活跃于19世纪上半期。

◆约瑟夫·马洛德·威廉·透纳

    约瑟夫·马洛德·威廉·透纳（1775—1851）出生于英国伦敦的一个理发师家庭，幼年即表现出绘画天赋，14岁考入英国皇家美术学院，33岁以后在皇家美术学院任教，时间长达30年之久。透纳把风景画提高到和历史画、肖像画同等重要的地位。其代表作有《商船遇难》、《暴风雪》等。

    透纳是一位英勇的悲观主义者，他喜欢描绘剧烈运动的、紧张的、沉重的场面，这些场面出现在他的画布上，表现出震撼人心的强大力量。《商船遇难》描绘了海难惊心地动魄的悲壮场面。画上的遇难商船叫“水精号”，遇险时透纳正在这艘船上。事后透纳说：“我曾请求水手们把我绑在桅杆上进行观察，结果我被绑了４个小时。我本来不指望能够保住性命。但是，假如我还能够活着的话，我有责任把我看到的、感受到的一切都表现出来。”

    透纳的《暴风雪》成功地表达了他那极富独创性的朦胧和转瞬即逝的光与空气。康斯太勃尔把这种以旋涡形式表现风暴的手法叫做透纳的“彩色蒸汽”，从这个角度看，透纳似乎远远走在了同时代人的前头。

拉斐尔前派

19世纪40年代，英国皇家美术学院的一批学生，对16世纪和17世纪文艺复兴以来学院派主导艺术趋势感到不满，认为学院派陈腐的创作原则不利于创作个性的发展。这些人把拉裴尔以前的画家作为榜样，要真实地表现自己的思想感情和艺术观念，他们成立了自己的艺术团体——拉斐尔前派兄弟会。1850年，拉斐尔前派画家举行第一次画展。这批画家中代表人物是米莱、罗赛蒂等。他们的作品笔法细致、画风严谨，题材多取自宗教或神话故事。

◆约翰·埃·米莱

    约翰·埃·米莱（1829—16）是拉斐尔前派兄弟会的奠基人之一，他虽是其中最年轻的一个，但却非常有见地。在他的影响下，英国出现了一个重道德的现实主义画派，皇家美术学院也形成了新型学院派绘画。

    1849年，米莱绘制了《在父母家》这幅受到猛烈攻击的作品。画面上憔悴不堪的圣母与拉斐尔笔下的圣母大相异趣，向英国传统的审美观念提出了挑战。《盲女》描绘了两个女孩子在雨过天睛的原野上，欣赏大自然的美丽的情景。这幅被批评家罗斯金评价为“最阳光明媚的绘画”，依旧蒙上一层感伤的情调。

◆但丁·加布里埃尔·罗赛蒂

    但丁·加布里埃尔·罗赛蒂（1828——1882）是19世纪英国拉斐尔前派的核心成员之一，也是拉斐尔前派转向唯美主义的推动者。罗赛蒂热爱但丁和勃朗宁的诗歌，绘画创作深受这些文学大师的影响，创作上表现出浓郁的神秘和浪漫倾向。罗赛蒂的代表作品有《受胎告知》、《白日梦》、《莉丽丝夫人》等。

    罗赛蒂是一位具有诗人气质的画家，他曾与画家朋友威廉·莫里斯的妻子简·珍妮·莫里斯产生过炽烈的恋情，此事为妻子西达尔察知，导致西达尔死亡《白日梦》是以莫里斯为模特儿画出的，画中的形象颓唐消沉，神情感伤。画面上稠厚的绿色调，加强了画面的神秘和象征意味。罗赛蒂的《受胎告知》摹仿意大利早期文艺复兴的壁画风格，采用点透视的方式，消除了构图深度。玛利亚与天使的距离很近，他们与观众的距离也很近。 

◆英国古典主义学院派绘画

    19世纪中叶的英国画坛上，与拉斐尔前派相抗衡的是信奉古典主义的学院派。弗雷德里克·莱顿、波依特是他们中的代表画家，他们的作品反映了贵族式的、保守的审美趣味。英国古典主义由于受到英国官方的支持，在19世纪的英国画坛占有特殊的地位。

◆弗雷德里克·莱顿

    弗雷德里克·莱顿（1830——16）是19世纪末英国最有声望的学院派画家，他辉煌的艺术光芒甚至冲淡了雷诺兹的影响，成了英国皇家学院派的代名词。

    在担任皇家美术学院院长之后，莱顿创作了《缠毛线》这幅广受欢迎的作品，在它展出时，由于其平衡的构图和色彩的宁静，古典主义者和现实主义者都对它给予了充分的肯定。《音乐课》是莱顿的一幅名作，画家以绝妙精谨的绘画技巧，描绘了教师教授学生弹琴这一情景。

俄罗斯学院派绘画

19世纪之前的俄罗斯，绘画艺术一直滞后于整个欧洲画坛。随着资本主义的发展，俄罗斯民族艺术得到了迅速发展。俄罗斯学院派绘画出现于19世纪初期，代表画家有勃留洛夫、叶戈洛夫等人。这些画家都曾留学西欧，深受古典主义艺术的熏陶，创作上恪守古典主义的法则。他们的出现，为俄罗斯艺术向现实主义过渡起到了一定作用。其中勃留洛夫是俄罗斯19世纪上半期最杰出的艺术大师。

◆内夫

    内夫（1805—1876）是俄罗斯19世纪著名的学院派画家，他的作品具有浓郁的学院画风，但缺乏个人技巧和个人风格的创造。《无名绿衣女子像》是她的代表作。

◆勃留洛夫

勃留洛夫（1799——1852）出生于彼得堡一个装饰雕刻师家庭，青年时代留学意大利，接受西欧古典主义绘画的熏陶。

《意大利的中午》则描绘了一位袒露着丰满上身摘葡萄的女子。画家采用古典美的标准，追求理想美的创造。勃留洛夫的作品具有明显的古典风格。《骑马的女子》是一幅立足于学院派又具有罗可可画风的肖像画。画家以意大利风格画的手法来描绘人物形象，以环境的独特性衬托人物的性格和习性，这种方式在被称作“勃留洛夫式”。

◆俄罗斯现实主义绘画

    19世纪俄罗斯的运动促进了民主的现实主义文艺的发展。画坛上，涌现出一批关注现实，具有深刻批判意识的画家。他们的作品揭露了那个时代的本质，代表了觉醒的俄罗斯的自我反思精神。这些画家的主要创作活动时期在巡回展览画派诞生之前，其中的代表画家有巴维尔·安德烈耶维奇·费多托夫、维涅齐昂诺夫等人。

◆费多托夫

    费多托夫（1815——1852）的作品富于幽默感和讽刺意味，特别是他的一些风俗油画，往往对社会现实有深刻的揭露，《少校求婚》是其典型作品。《少校求婚》是对当时俄罗斯以联姻作为权势与金钱交易手段的辛辣讽刺。

◆维涅齐昂诺夫

    维涅齐昂诺夫（1780——1847）是俄罗斯19世纪上半叶专门从事风俗绘画的画家，他反对学院式的死板教学方式，主张画家要用自由新鲜的眼光来看自然。他要求学生直接描绘农村的土地、稼禾和农民的劳作，从而使俄罗斯美术史上第一次出现农村世界。

    《割麦人》以特写式构图描绘手执镰刀的割麦农民，他们相互依偎，神态自然。以农民形象作为画面主体，这在俄罗斯画史上史无前例，维涅齐昂诺夫开创了描绘农民形象以及他们的生活、劳动的现实主义先河。

◆普基寥夫

      普基寥夫（1832—10）是现实主义画家和风俗画家。他的著名油画《不相称的婚姻》受到广泛的赞扬和好评。在19世纪绘画艺术中，这是第一幅把人物画得和真人一样大小的油画。当时的学院派规定，只有历史画才能如此。

◆艾伊瓦佐夫斯基

    艾伊瓦佐夫斯基（1817—1900）是19世纪俄罗斯最杰出的浪漫主义画家之一。他在黑海克里米亚地方度过了大半生，对海洋怀有特殊的感情。大海是他艺术创作的题材，人们想到大海，就会想到艾伊瓦佐夫斯基的《九级浪》。《九级浪》是艾伊瓦佐夫斯基最成功的作品，以宏大的构图和惊心动魄的光影效果，渲染了人与大海间的殊死搏斗，意在鼓舞人们对抗大自然和增强人们在险境生存的信心和力量。《狂暴的海涛》的尺幅不大，却真实地展开了令人心悸的险恶场景。

◆谢德林

    谢德林是19世纪上半叶最杰出的风景画家，他的创作标志着风景画已经进入了一个新阶段。谢德林倾心于意大利的艺术和自然风光，他的画突破了18世纪风景画的戒律，以轻快豪放的笔触、明朗绚丽的色调、充满情趣的造型，再现了古罗马的雄伟风姿和地中海沿岸的明媚风光。《那不勒斯港的马格林堤岸》是其风景组画中的一幅。这是一幅再现一个地域在一个时代的现实生活的、风景与风俗完美结合的现实主义杰作。

◆巡回展览画派 

    1870年，巡回展览画派成立于莫斯科。发起有克拉姆斯科依、彼罗夫、希施金等人。受当时现实主义美学家车尔尼雪夫斯基的影响，他们不去美化生活，而是真实地再现生活，作品题材十分广泛。其创作思想、创作方法都与当时的学院派艺术相对立。画派的成员定期在全国各地巡回展览，凡在展览中参展的艺术家都被称为巡回展览派画家。巡回展览画派前后活动了50年，共举行过48次展览，受到民众及进步艺术家们的热情欢迎和支持。

◆彼罗夫

    彼罗夫（1833--1822）是巡回展览画派的主要发起人之一，是一位卓越的批判现实主义画家。他的代表作品有《送葬》、《墓地上》、《复活节的宗教行列》等。《送葬》以抒情的笔调表现了俄罗斯农村百姓贫寒的惨状。它如此悲怆而无言地控诉着那泪水和感情都被冻结了的俄罗斯。

◆克拉姆斯柯依

    克拉姆斯柯依（1837--1887）是一位出色的肖像画家，是巡回展览画派画家中最善于揭示人物心理状态并注重性格刻画的艺术大师。他所创作的肖像可以构成一个展示十月前夕杰出的艺术家和活动家的肖像的画廊，其中《希施金肖像》、《托尔斯泰肖像》、《自画像》、《无名女郎》等都是人们十分熟悉的杰作。《无名女郎》是一幅美学意味隽永的性格肖像画。画面上的色彩在单纯中传达了丰富的意味。

◆库茵之

库茵之（1842--1910）是19世纪最富于浪漫主义情调的画家，是俄罗斯大自然的深情赞美者。库茵之酷爱乌克兰平原的晨曦、阳光明媚的正午、傍晚、幽静的月光与夜色。他的风景画单纯、优美、明快清新，是俄罗斯风景画史上一道风姿绰约的风景。

《第聂伯河上的月夜》。画面的主题是第聂伯河上的月光，在观赏这幅画时，许多观众误以为河面上的反光是由于配置了灯光才产生了这种奇妙的效果，足见库茵之处理光、色、把握物象特点的细敏和独特，                               《白桦林》是库茵之1879年展出的作品之一，列宾对《白桦林》不吝赞美之辞，称它是“触动观众心灵的诗”。

◆萨甫拉索夫

   萨甫拉索夫（1830--17）是巡回展览画派的创始之一，这位画家一生从事风景画创作，他的风景画不仅展现了俄罗斯大地的自然之美，同时也表现了俄罗斯人民的精神气质。

◆伊凡·伊凡诺维奇·希施金

    “森林的歌手”、大自然的热情赞美者希施金（1832--18）生于一个商人家庭。是民主主义思想的同情者，早期巡回展览画派的积极活动者和创始人之一。

    他的风景画以森林为主题，在浓烈而抒情的色彩中，表现了俄罗斯民族顽强的性格和虔诚纯朴的精神。其代表作品有《松树林》、《林边花丛》、《松林之晨》、《松林溪泉》、《造船木材松树林》等。希施金不是印象主义画家，却在《松树林》这幅作品中运用了分外明朗的外光。画面引导观众沿着溪岸向树林的深处去，去探测那里的无穷无尽的秘密。

◆瓦斯涅佐夫

    瓦斯涅佐夫（1848--1926）是绘画史上占有特殊地位的一位巡回展览画派画家。他喜欢在画中描绘俄罗斯民间传说和史诗中的英雄人物。《三勇士》是其中的代表作。

◆苏里柯夫

    苏里柯夫（1848--1916）是巡回展览画派中擅长历史题材创作的艺术巨匠。苏里柯夫的作品中充满了民主主义精神和对农奴制度的憎恶，他对发生的历史悲剧有着深刻的理解，并用绘画语言揭示了沙俄旧的生活方式和思想观念的崩解，所创造的人物有一种庄严动人的美感。苏里柯夫和列宾是19世纪俄罗斯绘画史上的双子星座。近卫军临刑的早晨》取材于彼得大帝实行统治改革中发生的真实事件。16年，彼得一世在实施改革以改变落后的社会面貌。1698年彼得大帝秘密出访，他的近卫军趁机哗变，彼得大帝立即回国予以坚决。苏里柯夫的这幅画面展现了在皇宫广场处死近卫军的悲惨情景。《缅希柯夫在别留佐夫镇》是他的历史题材绘画的杰作之一。

◆列宾

    列宾（1844—1930）是19世纪后期到20世纪上半叶的最伟大的画家，他以其无比丰富的创作、卓越的技巧、深刻的思想性，把俄罗斯绘画艺术推至高峰。这位艺术大师是一位全能画家，他画过肖像画、风俗画、历史画，他的作品在世界绘画史上占有十分重要的地位。其代表作有《伏尔河上的船夫》、《意外归》、《查波罗什人写信给苏丹王》、《伊凡雷帝杀子》、《库尔斯克省的宗教行列》等。

    《意外归来》的画面从一位受的者突然回家的情景中展开。历史上发生的与国家和民族命运有关的重大事件，是俄罗斯巡回展览画派画家们始终热衷的题材。苏里柯夫的《近卫军临刑的早晨》、列宾的《伊凡雷帝杀子》是其中最具有代表性的作品。

◆列维坦

    列维坦（1861—1900）是俄罗斯19世纪最杰出的风景画家，列维坦的风景画以俄罗斯农村自然景色为题材，纪念碑式的构图、朴实简约的艺术语言是他作品的主要特色。列维坦一生坎坷。但他画中却闪烁着欢乐的“能使疲倦心灵愉快起来的阳光”。

    《弗拉基米尔之路》表现的是一条荒凉的道路，这条道路是一条流放者之路，它通往流放地西伯利亚。列维坦的风景画取材广泛，《深渊》取材于他一民间写生时听到的故事。故事讲一位磨坊主的女儿与一位青年农民相爱，姑娘的父亲极力反对这桩婚事，便唆使征兵局把青年抓去服终身兵役，姑娘为此痛不欲生，便从枯木搭桥上跳进了河潭。普希金也曾为此故事写过一首名诗《女水妖》。画家通过这幅画表现了大自然的诗意和对这则缠绵悱恻的故事的纪念。

◆马克西莫夫

    在俄罗斯巡回展览画派成员中，有一位全部绘画题材都取自农村的画家，他是19世纪70至80年代原杰出的农村风俗画家马克西莫夫（1844—1911）。马克西莫夫在他45岁那年创作了《没落》，描绘了农村一位没落贵族老妇人的形象。画面上破碎的小笔触画法恰如其分地点缀出老妇人的破碎的繁华梦。

◆雅罗申柯

雅罗申柯（1846—18）是在巡回展览画派影响下成长起来的优秀画家。创作了许多描绘工人生活工作的绘画，雅罗申柯的《到处是生活》是他艺术成熟时期的代表作品，这幅作品的构思奇特，它表现了一列装有铁窗栏的囚车的一个局部细节。

美国近代绘画

19世纪的北美新，艺术气氛远不如欧洲，但是与欧洲的浪漫主义和现实主义运动相呼应，美国也产生了一些颇有成就和影响的艺术家。除了哈得逊画派的风景画，那些旅居异国的艺术家们都为美国绘画史留下了光辉的一笔。

◆温斯洛·霍莫

温斯洛·霍莫（1836—1910）是19世纪美国最杰出的现实主义绘画大师，他擅长油画和水彩画，为美国绘画的民族风格做出过重大贡献。霍莫专注于风景画特别是海景画的创作，《起风了》是他1876年创作的一幅画。这幅作品记录了19世纪60、70年代真实的渔民生活，抒发了画家对现实生活的珍爱之情。

◆玛丽·卡萨特

玛丽·卡萨特（1844—1926）是19世纪世界画坛公认的几位女画家之一。1861年进入宾夕法尼亚美术学院，对学院的教育方式感到压抑，遂毅然独自一人来到巴黎。在巴黎，卡萨特结识了马奈和德加，并深受这两位画家的影响。《舟游》又名《划船的伙伴》，作于13年间。

◆辛格·萨金特

辛格·萨金特（1856—1925）出生于意大利佛罗伦萨，父母都是美国人，萨金特是父母在旅居意大利时时出生的。1870年，萨金特被送人佛罗伦萨美术学院，1874年举家迁往巴黎之后，考入当时以肖像画著称于世的卡罗勒斯·丢朗画室，深得老师称赏。《波依特的四个女儿》这幅作品显示出萨金特受到西班牙画家委拉斯开兹以及印象派画家的影响，它展现了4个女孩子在自然状态中的肖像。

日本浮世绘

浮世绘是近代日本出现的一种民间版画。它的观赏价值不限于日本民间，而是越出国界，对近代欧洲产生了很大的影响。浮世绘最早出现于日本江户时代，它所涉及的题材广泛，社会时事、民间传说、历史典故、戏曲场景和古典名著图绘、山川景物、妇女生活、社会世相、自然风景无所不包。市民画家菱川师宣用木刻开创了近世俗画的先河，成为浮世绘这一艺术样式的开山祖。浮世绘木刻归纳起来有两种形式：“绘本”和“一枚绘。”在浮世绘以前，日本的木刻缺乏民族风格，多以仿效中国木刻为主。当时中国有不少刻工东渡日本谋生，起到了一定的交流作用。浮世绘在继承日本民族绘画“大和绘”的传统基础上，汲取了一些外来技法，师徒相传，逐渐形成各有特色的流派和体系。

◆喜多川歌磨

喜多川歌磨（1753—1806）是日本江户时代晚期的浮世绘美人画大师。歌磨创造了一种美人“大首绘”，即把美女和游女的面部表情、身姿动态加以放大描绘，摆脱过去那种画全身而缺少特写的倾向。歌磨创作成熟时斯所作的“锦绘”最富装饰趣味。《高名三美图》是歌磨创立的“大首绘”的范例，给予同代及后代的浮世绘画师以开派的影响。他的风格在同期浮世绘艺术中占有主导地位，成为江户时代深受民众喜爱的著名画师。

◆铃木春信

铃木春信是浮世绘早期代表画家，他的作品多以茶女、歌舞伎为题材。《葫芦花》描绘一美人持扇立于竹篱搭就的葫芦花架下。那一枚柔美的葫芦叶正好搭在她的发边，好像是为她簪了一朵花一般，这一小小的细节，为画面增加了情趣。春信这种可爱的美人画样式被称为“春信式”。

◆荣松斋长喜：《捕萤》这件作品工笔细致而简淡，极富乡境民味，画趣无穷。 

新古典主义绘画

随着法国大的到来与爆发，在画坛上依旧占主导地位的官廷美术趣味已经很难适应形势的需要和发展。在1800——1830年间，以雅克·路易·大卫为代表的画家开始从古希腊、罗马的历史中寻找适合作为行动典范的共和主义英雄题材进行创作，以此来为资产阶级进行美术上的服务。画史上的把这种古典主义叫做“新古典主义”。大卫是新古典主义绘画的领导人物，他的弟子格罗、普吕东、安格尔等人的创作则表现了新古典主义绘画的多样性。其中安格尔是继大卫之后，新古典主义绘画的又一位大师，他的肖像画取得了为世人永远仰重的杰出成就。

◆雅克·路易·大卫

雅克·路易·大卫（1748——1825）出生于巴黎一个中产阶级家庭，青年时期接受了狄德罗的思想，对封建王朝的腐朽深恶痛绝，他是欧洲新古典主义的主角安格尔、格罗的老师。大卫创造了新的历史和神话题材的画幅，并对他那一时期的历史事件作了杰出的艺术描绘。作为拿破仑的宫廷画师，他的那些历史画和肖像画，以惊人的艺术效果把人们带入那个波澜壮阔的时代。

大卫画《护从搬来布鲁图儿子的尸体》这幅画的时候，法国尚未开始，但早期那些具有思想的人已经从画面中的严肃性和戏剧性看出的征兆。

◆安格尔

从大卫到安格尔，法国古典主义绘画经历了从宣扬古代共和的英雄精神到追求自然的“永恒的爱”的嬗变。安格尔（1780——1867）是继老师大卫之后法国古典主义画派的主要代表。他以“为艺术而艺术”的姿态反对浪漫主义艺术，其肖像画是素描艺术的杰出典范。晚年，安格尔以 

一幅《泉》向世界表白了他的艺术的最高理想，那就是他一生所崇尚的“清高绝俗庄严肃穆的美。

法国浪漫主义绘画

在19世纪的法国，浪漫主义绘画的兴起是以极为激烈的形式体现的，它受到具有古典审美趣味人士的顽强抵抗，但是，浪漫主义最终取得了彪炳史册的胜利，欧仁·德拉克洛瓦和泰奥多尔·籍里柯以他们气势宏伟的创作，冲破了法国画坛古典主义的桎梏，使浪漫主义达到了顶峰。浪漫主义绘画的任务就是要把感情从真正或是假设出来的“理性法则”中摆脱出来，它力求洞察一切秘密，承认了幻想的权利而不放弃幻想。它以动态对抗静止；以不尽对抗极端的工整；以强烈主观性对抗过分的客观性；以光线效果对抗物体；以变化无穷对抗僵化的完美。浪漫主义完全摆脱了“古典主义”的束缚，给人们提供了全新的视觉审美方式。

◆泰奥多尔·籍里柯

泰奥多尔·籍里柯（1791～1824）是法国浪漫主义绘画大师。籍里柯推崇提香、拉斐尔的艺术。热爱鲁本斯狂放且激情的构图和造型，研究过戈雅的作品，逐渐在自己的作品中显露出浪漫主义的倾向。1812年，年仅21岁的籍里柯在沙龙展出《轻骑兵军官的冲锋》，获得意外的成功。27岁赴意大利临摹米开朗琪罗的《最后的审判》。28岁是创作了世界名作《梅杜萨之筏》，该画展出后获得巨大的成功。1842年1月，籍里柯坠马身亡，年仅33岁。

《梅杜萨之筏》采用了金字塔式构图，借鉴了古典绘画的均衡比例，把事件展开在幸存者发现无边船影时的刹那间景象，在紧张的气氛、强烈的色彩对比中，把生命推到了生与死的临界。他用全部心血和激情描绘出的这幅画作，成为世界一流的惊世名作。

◆欧仁·德拉克洛瓦

欧仁·德拉克洛瓦（17～1863）是法国浪漫主义另一位杰出的代表。26岁时他创作了《希阿岛的》，使浪漫主义在法国确立了不可动摇的地位。19世纪30年代，创作了世界名作《自由女神引导着人民》，德拉克洛瓦一生钟爱绘画创作，共创作9000多幅绘画作品，其中油画就有853幅。

法国现实主义绘画

19世纪中叶，当古典主义和浪漫主义渐渐式微之际，现实主义运动在法国应运而生，并大放异彩，进而产生了世界性的影响。现实主义绘画取材于现实生活，关切社会底层人物的不幸生活，这是民主主义思想在绘画上反映。法国现实主义绘画的代表人物是居斯塔夫·库尔贝、奥诺雷·杜米埃。他们以自己杰出的艺术敏感和社会良心深刻地揭露了资本主义社会的各种阴暗面和不合理性。其创作思想和创作方法对世界其它国家进步艺术家都产生了深刻影响。

◆居斯塔夫·库尔贝

居斯塔夫·库尔贝（1819～1877）出生于法国东部小镇勒南。库尔贝主张现实主义，他说：“现实主义艺术就其本质来说是民主的艺术。”他的代表作品《石工》、《筛麦人》、《路遇》等，都是不加任何修饰的现实生活写照。《筛麦的女子》是库尔贝著名的代表作品。库尔贝的杰作《石工》是社会最底层劳动大众的真实写照。

◆奥诺雷·杜米埃

奥诺雷·杜米埃（1808～1879）是法国19世纪最伟大的现实主义大师。杜米埃一生中画了4000多幅石版画和许多油画，画风崇尚现实主义，但画意却蕴含着强烈的讽刺意味。评论家们把他那些讽刺性作品称为“没落阶级集体形象的辞典”。他的油画不注重学院式的严谨的素描和结构，技法简略，因而不为当时画坛所重。杜米埃最为人熟知的作品是《三等车厢》、《三个交谈的律师》等。

◆米哈依·蒙卡奇

米哈依·蒙卡奇（1844～1900）是19世纪匈牙利民族绘画的领袖。在整个欧洲美术史上，蒙卡奇是一位不可多得的色彩和线条的艺术大师，他的成就与法国现实主义巨匠库尔贝相比毫不逊色。蒙卡奇的《死囚牢房》有着叙事诗般简明易懂的画面，粗犷而细腻的艺术语言表达了人物的遭遇和命运。

◆阿道夫·门采尔

阿道夫·门采尔是德国文艺复兴时期艺术大师丢勒之后最伟大的画家。他的作品题材丰富，广泛涉猎并且深刻表现了德国社会各个阶层的生活、生存状态和社会风俗，尤其是对产业工人的描绘，为同时代欧洲画坛所罕见。《轧钢厂》是世界美术史上第一件描绘工人劳动场面的杰出作品，门采尔曾把它定名为《当代巨人》。 

◆法国巴比松画派

19世纪30～60年代，一批画家因贫困或失意而聚集在    

巴黎近郊枫丹白露森林边缘的巴比松森林，专门从事风景画创作。这些画家以17世纪荷兰风景画和当代英国的风景画为榜样，注重户外写生，力求真实地描绘自然景物。他们善于以精妙的手法表现空气感极大自然中灿烂多姿的色调，其作品构图宏大，意境深远。画史上称之为“巴比松画派”。巴比松画派的一些画家的作品直接启迪了印象派画家的外光技法。

◆让·弗朗索瓦·米勒

让·弗朗索瓦·米勒（1814～1875）是法国杰出的现实主义画家，巴比松画派的典型代表。他用独到的艺术语言把农村劳动者的精神世界刻画得十分深刻，画风质朴凝重，色调浑重。其代表作有《播种者》、《拾穗者》、《晚钟》等。

◆康斯坦·特罗扬

康斯坦·特罗扬（1810～1865）是色比松画派中最年轻的画家，特罗扬特别钟情于对巴比松农村那些牛羊群的描绘，因而被人们称为“动物画家”。《去耕作的牛群》是一幅获奖作品，是特罗扬的代表作。《暴风雨将临》展示了农村生活极为真实的一个侧面。

◆让·巴蒂斯特·卡米叶·柯罗

让·巴蒂斯特·卡米叶·柯罗（1796～1875）是法国杰出的风景画家，他一生经历了三次运动：1830年、1848年的和1871年的巴黎公社。在激荡变幻的政治风云中，他经历了拿破仑一世到拿破仑三世的兴亡；在艺术上，他目睹了古典主义、浪漫主义、现实主义的兴衰和印象主义的兴起；因此，他的艺术创作混合了各个时期艺术风格的元素。40岁以后，柯罗与巴比松画派画家走到了一起。柯罗的前期风景画，具有明显的古典主义形式特征，后斯描绘法兰西风景的作品显示出他杰出的艺术成就。

《林中仙女之舞》描绘了仙女们在茂林秀树间嬉戏舞蹈的情景。这幅作品是柯罗创作的转折点，从此，诗意与梦境般的美，成了柯国罗绘画中的最大特色。

柯罗在1865～1872年之间，以他的画室为背景，画了一系列取名《画室》的作品。《持曼陀铃的女子》是这一系列作品中的第一件。1993年，这幅画进入卢浮宫，成为永久典藏品。在柯罗的人物画中，行家们认为这是最美、最迷人的作品之一。《珍珠女》是一幅色彩雅致的肖像画。它描绘一个戴着用树叶编的花环头饰的少女，一片树叶在她的前额上投下影子，观众把它误认为是一粒珍珠。因此得名“珍珠女”。在这幅画的构图安排上，我们似乎可以看到达·芬奇《蒙娜丽莎》的影子。所不同的是两位女性的内心世界是截然不同的，她们的个性气质也迥然有异。柯罗以一种平民的心态，质朴的笔触，赋予了少女以纯真、朴素的美感。《蓝衣女郎》是柯罗晚年的肖像杰作。有人认为，这幅作品，正是柯罗晚年精神世界的化身。 

新印象主义绘画

19世纪80年代，在印象主义之后，法国画坛出现了以修拉和西涅克为代表的“新印象主义画泊派”。他们根据光学科学的“色彩三原色”原理，拒绝在调色板上调和颜色，用各种并置的小色点在画面上取得了光感和色感。所以新印象主义又称“点彩派”或“分色主义”。由于过分机械地使用所谓“科学”方法，其作品往往缺乏绘画艺术的生动性和表现性。

◆乔治·皮埃尔·修拉

乔治·皮埃尔·修拉（1859～11）是新印象主义的创始人。他曾向莫奈学习绘画技法，将莫奈点彩的手法推到极端，整幅作品全部用“科学”的彩点点出来，进而创立了自己的绘画风格。修拉的点彩实验，预示着20世纪几何抽象艺术的出现。

后印象主义绘画

19世纪末期，继印象主义和新印象主义之后，法国画坛出现了一个新的流派——后印象主义。它在艺术创作中表现出的特点是对印象主义的用色方法进行改造，强调根据画家的主观感受对绘画形象进行艺术再创造以增强作品的表现性，后印象主义画家们彻底摆脱了客观物旬的束缚，并且抛弃了艺术中文学化的情节因素的影响，力图以的绘画语言来传达事物美感的主体精神。后印象主义的出现在绘画史上具有重大意义，它是“绘画性的真正觉醒”。

◆保罗·塞尚

保罗·塞尚（1839~1906）早年学习过法律，对艺术的强烈热爱使他转赴巴黎苏伊塞学院学习绘画。塞尚参加了1874年第一届印象派画展。在尊重印象派在外光和色彩上所取得的成就的同时，塞尚更专注于物质的具体性、稳定性和内在结构的表现，并力求达到简化和几何化的效果。但塞尚的艺术探索并不为时人所理解，他在去世20年后才真正赢得声誉，成为画坛巨子，并被视为“现代绘画之父”。

◆保罗·高更

保罗·高更（1848~1903）出生于巴黎，年轻的高更当过水手，异国的情调深深留在他的记忆中，并在他以后的绘画创作中发生影响。高更一生最重要的作品大都是在塔希提岛上完成的，纯朴的原始性风土人情及热带自然环境是这些作品倾力表现的内容。

◆文森特·凡·高

文森特·凡·高（1853~10）出生于荷兰农村一个穷苦教师家庭，曾是一名传教士。26岁时开始投身绘画创作。他画了大量烈日辉照下的麦田，向日葵、开花的果树和共它景物。精神病的发作常常中断他的创作，10年5月21日，凡高用手结束了自己的生命。这位生前饱爱生活苦痛折磨的艺术大师，以他短短十几年的绘画生涯为我们留下了宝贵的艺术珍品，为此，他将是画坛的星空中永远明星的星辰。

◆图鲁兹·劳特累克

图鲁兹·劳特累克（18~1901）也像塞尚、凡·高一样，受过印象派画家的影响，却又创立了自己独特的画风。

象征主义绘画

象征主义是19世纪70未代未流行于欧洲的一种艺术思潮。它发源于法国，其哲学基础是当时流行的神秘主义和悲观主义。作为一种艺术思潮，信奉它的艺术家都强调主观感觉、反对理性，创作中采用用征、寓意的手法表现梦境、黑夜、死亡追求荒诞的境界。象征主义画家们则多在形式上追求华丽、繁富的装饰性。法国的象征派绘画与高更等人的艺术倾向有关系。其主要代表人物是莫罗、夏凡纳、德尼等人。德国象征主义绘画则主要受尼采哲学的影响，代表画家的勃克林、施瓦布等人。象征主义影响广泛，20世纪初的维也纳分离派也是象征主义的分支。

◆古斯塔夫·莫罗

古斯塔夫·莫罗（1826~18）的象征主义绘画，多以神话或宗教教义中的女性故事为题材。这些女性形象妖媚、冷酷而富于诱惑力。《施洗约翰的头是显灵》是莫罗《莎乐美》组画中的一幅。故事取自《圣经·新约》。

◆奥迪隆·雷东

《独眼巨人》属于奥迪隆·雷东（1840~1916）艺术创作第二时间——新雷东时期所创作。希腊神话中有一位独眼巨人库克罗普斯，画面上这个独眼巨人正从地下爬出来，他用一只眼睛觊觎着深埋在地层里的一个裸体女性。这个裸体女性是欢乐的象征，但她似乎还在沉睡，巨人的野蛮凶猛的心灵中也依然存在着欲望和欢乐的要求。雷东用这个巨人的形象来象征生命的原始欲望的巨大力量。

◆普维·德·夏凡纳

《贫穷的渔夫》是夏凡纳（1824~18）的象征主义艺术风格的代表作之一。画上描绘了法国渔民生活的一个侧面，其格调更接近于米勒的现实主义。

◆卡洛斯·施瓦布

卡洛斯·施瓦布（1866~1926）是德国著名象征主义插图画家。他的作品使人想起夏尔·波德莱尔的幻想诗。施瓦布擅长水彩画的创作，是一位色彩与线条擅长行家。

◆阿洪德·勃克林

阿洪德·勃克林（1827~1901）出生于瑞士巴寒尔。曾在杜塞尔多夫市美术学院学习。1848年来到法国，后迁居罗马。勃克林的人物肖像和景物画总具有一种感伤性质。《自画像与拉琴的死神》就反映了这种特点。勃克林虽然经常外出游览名胜古迹，却从来不对景作画。他对风景的描绘是从主观的要求出发的，自然与社会、梦境与现实、虚无与存在、死亡与生命，在勃克林这里都是进行艺术化哲思的素材。《死亡之岛》是他的著名代表作品，也是他艺术思想的具体反映。

法国纳比画派

18年，法国巴黎朱利安美术学院成立了一个艺术团体，名为“纳比”派。“纳比”的希伯来语的意思即“先知”。参加这一画派的成员有勃纳尔、维亚尔、德尼等人。

◆皮埃尔·勃纳尔

晚年的皮埃尔·勃纳尔（1867~1947）沉迷于光与色的绘画，为了寻求光线的秘密，他常常忽略客观物象的形体结构。这幅《艺术家花园里的台阶》充分表现出他对光与色的极度热情。

◆爱德华·维亚尔

爱德华·维亚尔（1868~1940）善长描绘室内景物，人们称他是法国“内景主义画家”。他对装饰在室内的各种织物的花纹有着特殊的亲切和敏感。