艺术设计研究考试标准答案

设计的概念：设计是把一种计划、规划、设想通过视觉的形式传达出来的活动过程。人类通过劳动改造世界，创造文明，创造物质财富和精神财富，而最基础、最主要的创造活动是造物。设计便是造物活动进行预先的计划，可以把任何造物活动的计划技术和计划过程理解为设计。设计就是艺术手法和想法创意加工革新之后进行的信息传达。

设计，即“以假定之观念及思维先行处理后，透过某种表述方法，订定其拟施行之策略”，通常指有目标和计划的创作行为、活动，在艺术、建筑、工程及产品开发等领域起着重要的作用。最简单的关于设计的定义、就是一种“有目的的创作行为”.

是根据一定的需要发现和精心构造备选方案的活动。 

旧石器时代：在古地理学上是指人类开始以石器为主要劳动工具的文明发展阶段，是石器时代的早期阶段。一般划定此时期为距今约260万年或250万年(能人首次制造出石器)至1.2万年前 (农业文明的出现)。旧石器时代的人类通常以原始族群的形式聚居在一起，并通过收集植物和猎取野生动物维生。尽管在此时代内人类也使用木质和骨质工具，但旧石器时代的典型标志是使用了借由敲打石头制成的石质工具。尽管其他材料，如皮革、植物纤维等亦适合制成工具使用，但由于其性质使然，此类材料未能有更广泛的应用。在旧石器时代期间，人类在早期的能人和智人基础上向解剖学意义上的现代幅度进化。在旧石器时代后期(特别是中晚期)，人类开始了最早的艺术创作，并开始涉足宗教和精神领域，如葬礼和仪式。

新石器时代：在考古学上是石器时代的最后一个阶段，以磨制石器为主，大约从1万年前开始，结束时间从距今7000多年至2000多年不等。就在这个时代，人类开始从事农业和畜牧，将植物的结实加以播种，并把野生动物驯服以供食用，人类不再只依赖大自然提供食物，奁因此其食物来源变得稳定，同时农业与畜牧的经营也使人类由逐水草而居变为定居下来，节省下更多的时间和精力，而人类亦已经能够制作陶器、纺织，在这样的基础上，人类生活得到了更进一步的改善，开始关注文化事业的发展，使人类开始出现文明。

图腾艺术：图腾一词来源于印第安语 “totem”，意思为“它的亲属”，“它的标记”。 在原始人信仰中，认为本氏族人都源于某种特定的物种，大多数情况下，被认为与某种动物具有亲缘关系，于是，在许多图腾神话中，认为自己的祖先就来源于某种动物或植物，于是便成了这个民族最古老的祖先。在世界文化史上，开展图腾与图腾文化的研究就成了一项极有意义的工作。通过图腾研究，可以了解一个民族的民族历史和民族的风俗、民族的共同心理，对认识一个民族的民族特点，具有重要意义。

维多利亚风格：维多利亚风格是19世纪英国维多利亚女王在位期间（1837——1901年）形成的艺术复辟的风格，它重新诠释了古典的意义，扬弃机械理性的美学，开始了人类生活中一种全新的对艺术价值的定义，这就是“维多利亚风格”。

19世纪以装饰为主的“维多利亚风格”应运而生。维多利亚式风格喜欢对所有样式的装饰元素进行自由组合。很难对维多利亚样式进行准确的分类，它其实包括了各种装饰元素，样式的混合和没有明显样式基础的创新装饰的运用。

在建筑上，历史上各种建筑式样的复兴在整个维多利亚时期形成一种风尚。哥特复兴样式在英国首先备受推崇，经常随机地使用几种风格的元素：文艺复兴式、罗曼式、都铎式、伊丽莎白式或意大利风格。维多利亚时期对这些风格的重新演绎加入了更多现代的元素，并运用了新的建筑材料，改进了原有的建造方法，从某种意义上说是对原有风格进行了完善。

18世纪的维多利亚风格是国际设计史上重要的一笔，对于中世纪歌德风格的推崇和流行，使得设计表现上更多的体现了皇室的艺术需要。

视觉设计上的矫揉造作，繁琐装饰，异国风气占了非常重要的地位。

维多利亚风格带来的是视觉上的绝对华丽与分割取舍，人类对于自然和装饰的唯美体现得到了最大化的发挥。

古希腊雕塑的特征：总体特征：希腊艺术是理想主义的、简朴的、强调共性的、典雅精致的，一句话概括是高贵的单纯，静穆的伟大。我觉得是唯美+艺术在整个西方美术传统中，古希腊雕塑占有十分重要的地位。西方美术崇尚的典范模式，庄重的艺术品格和严谨的写实精神，可以说都是从古希腊开始的。多年来,这种艺术精髓曾滋润着西方美术生生不息。古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉。希腊神话是希腊人对自然与社会的美丽幻想，他们相信神与人具有同样的形体与性格，因此，古希腊雕塑参照人的形象来塑造神的形象，并赋予其更为理想更为完美的艺术形式。古希腊雕刻进入古典时期后出现了新的繁荣，雕刻家们进行新的探索和创造，突破古风程式 ，试图在人体直立的基础上将人体的重心移至一足，使另一足自然地表现出一些动态，以表 现现实生活中人物的各种运动感。这是古代艺术家美学观的新发展，意味着雕刻家对人与人体美的认识的提高。这时期创造的作品更接近现实的完美人体。 

追求一种和谐的理想美。它的突出成就集中体现在人像（包括神像）雕刻，特别是人体雕刻上。古罗马的雕刻，其成就集中体现在肖像雕刻上，其特点是既写实而又个性化。古希腊人是一个美学观念特别发达的民族。伯里克利就曾自豪地说过：“我们是爱美的人。”他们在人像雕刻和神庙建筑上一再探讨正确的比例关系，就是这种爱美观念的突出反映。这一切都为古希腊美术的繁荣和发展，创造了比同时代其他国家更优越的条件。古希腊美术能结出如此丰硕的成果，以至我们今天还常常从中汲取营养，决不是偶然的。

古希腊荷马时期：荷马时期•希腊神话——古希腊雕塑的源泉 

　　荷马时期的开始，是以多利亚人从希腊半岛北半部南下为标志的，约在公元前12世纪末到11世纪。这个时期是氏族部落社会，已进入铁器时代，它改变了荷马时期的社会面貌：产生了私有财产和阶级分化，进入奴隶社会，这时期政治上盛行原始民主制。到荷马时期末已由部落的管理机构开始向国家统治机关过渡。 

　　由于多利亚人的南下，克里特和迈锡尼文化遭到毁灭，希腊文化必须从头开始。

荷马时期是根据荷马史诗的作者名字来命名的，也就是氏族社会末期。荷马时期为希腊神话的形成期，也是造型艺术的萌芽期。 荷马时期最早的造型艺术作品是几何风格的陶瓶，造型简朴，大小不一，多用于敬神和陪葬。即使是雕刻作品，也多为几何形的，没有细节刻画。因此，这一时期又被称为“几何风格时期”。 荷马，是生活在公元前9世纪——公元前8世纪的一位盲人，他将流传于公元前12世纪——公元前8世纪几百年间的希腊民间神话传说，整理成两部著作：《伊里亚特》和《奥德赛》。 这时，希腊半岛的人民继承和发展了原始人积累的习俗及对世界的想象，他们的文化远不及深受古埃及和两河流域影响的海岛上的爱琴文化成熟。盲人诗人荷马把几百年以至上千年来广泛流传的民间传说、歌谣、关于对天地起源、历史未来、人生向往等神话整理出两部不朽的文艺作品，也就是这两部作品为后来希腊美术的发展方向奠定了基调，成了希腊美术取之不尽的素材和源泉。

在荷马时代，希腊处于从氏族制度向奴隶制度的过渡时期。荷马时代人们道德观念的变化，也反映了社会的重大变迁。

真正意义的欧洲美术该从古希腊开始。希腊美术的地理范围以爱琴海为中心，因此也被视为爱琴美术的延续。

古希腊雕塑的四个时期：

古风时期：（公元前7世纪——公元前6世纪）是希腊社会的根本转变期。古风时期是造型艺术的形成期，在这个时期，东方文化通过贸易交往对希腊艺术产生了影响，而希腊艺术又通过吸收东方文化之长和逐步摆脱东方文化的影响而形成自己的风格。这个时期是希腊社会的根本转变期。自由民作为一个阶层登上了历史的舞台，希腊产生了不同政体的共和国，上百个城邦的频繁交往，一年一度的奥林匹克运动会，提洛斯岛神庙和德尔菲岛的阿波罗神殿的祭祀活动，荷马史诗的诞生，……最后形成了以宙斯为主脑的奥林匹亚山的众神体系，并为形成以希腊神话为主要题材内容的希腊美术，进而为希腊美术的黄金时代——繁荣时期的到来做了充分的准备。 

   古风时期是造型艺术的形成期，在这个时期，东方文化通过贸易交往对希腊艺术产生了影响，而希腊艺术又通过吸收东方文化之长和逐步摆脱东方文化的影响而形成自己的风格。 这时期的美术成就主要是瓶画、建筑和雕刻。 

古风时期的雕塑

　　公元前8世纪到6世纪，希腊社会发生了巨大的变化，部落首领的权力完全消失，原始公社瓦解，奴隶制度在希腊形成，开始建立了奴隶制的城邦国家。由于陆地贫瘠，城邦国家之间的矛盾日益尖锐，导致海上扩张和殖民统治。这两个方面互相影响、互相促进，使希腊在政治上与经济上很快成为地中海世界的一支强大的力量。 

　　在荷马时期，雕刻艺术仅是一些小雕像。真正古希腊雕刻史的首页应从古风时期开始。因为古希腊雕刻中最突出的人体雕刻就是在这一时期奠定基础的。 

　　法国美术史家丹纳曾说：希腊人表现人体还有一种全民性的艺术，更适合风俗习惯与民族精神的艺术，或许也是更普遍更完美的艺术，这就是雕塑。人体雕刻艺术是古希腊雕刻艺术之冠。 

　　人们从保存下来的属于古风时期的男女人像雕刻中，可以窥见人类幼年时代的文明成就。古风时期的男子人像雕刻主要是青年全身裸体立像，希腊人称为“库罗斯”（意为“小伙子”）。这些雕像在人体比例和肌肉质感方面都接近真实的人体，面部表情开始生动起来，现出笑容。不管何种身份和职业的人物都用这种微笑表现，成为当时统一的时代风格，后人称之为“古风式微笑”。

希腊时期：

希腊过渡时期雕塑在希腊艺术发展进程中，由古风发展到古典时期中间有一个过渡时期，指公元前5世纪前半期。在这段时期里希腊经历了一场反抗波斯入侵的著名的希波战争。著名的马拉松战役就在这个时期。 

希波战争对古希腊具有深刻影响，严酷的战斗培养了希腊人强烈的爱国主义和奋发图强的精神，产生了伟大的悲剧艺术。在雕刻艺术中出现了战斗，歌颂英雄业绩的主题，无论是表现神话还是现实题材都与古风时代作品不同，与“古风式微笑”形成鲜明对照。产生了具有时代精神的严谨风格：从静态的姿势转向力求表现运动甚至激烈动作；从过去只表现人物的正面发展到表现人物的多种方面。雕刻的技巧更加熟练，逐渐形成一种比例匀称、结构准确、形体明晰的“团块”体系。这时期的代表作品有《驾车人》、《波赛东》、《鲁奇宝座浮雕》和《里切亚青铜雕像》等

古典时期：希腊古典时期的雕塑艺术

　　历时半个世纪的希波战争，最终以希腊的胜利而告结束。在希波战争中，雅典是希腊各城邦的盟主，城市虽然遭到战争的破坏，但是战争胜利而缴获的大量财富，又使希腊的经济繁荣起来。作为城邦盟主的雅典，对外以霸主身份发展自己的势力，对内实行民主政治，给人民以更多的富足与自由，从而使雅典成为当时欧洲最美丽繁荣的城市，也使雅典自公元前5世纪中叶进入了“伯里克利斯的繁荣新时代”。 

　　伯里克利斯是位精明能干的政治家，他关心贫苦平民甚于贵族，曾立法不准鞭打奴隶。他还是积极提倡文化艺术的统治者，把雅典建成了全希腊的艺术和教育中心。他说过，“我们没有忘记使疲劳的精神获得休息，我们的生活方式是优雅的”，“我们是爱美的人”。希腊的哲学家和艺术家常常是他的座上客。古典盛期的伟大雕刻家菲狄亚斯就是他的好朋友。由于贤明的伯里克利斯的关怀和提倡，希腊艺术进入最繁荣的时期。 

古希腊雕刻进入古典时期后出现了新的繁荣，雕刻家们进行新的探索和创造，突破古风程式，试图在人体直立的基础上将人体的重心移至一足，使另一足自然地表现出一些动态，以表现现实生活中人物的各种运动感。这是古代艺术家美学观的新发展，意味着雕刻家对人与人体美的认识的提高。这时期创造的作品更接近现实的完美人体。

希腊化时期雕塑艺术

　希腊化时期一般指公元前334—30年，又称希腊主义时期。这一时期从公元前334年马其顿王亚历山大东征波斯，到公元前30年罗马帝国灭亡埃及托勒密王朝，前后共300余年。 

　马其顿希腊王经过南征北战，使帝国版图跨越欧亚非三大洲，成为希腊的鼎盛时期。崇尚文化艺术的亚历山大王使希腊艺术广为传播东方，又从古代东方文化中吸收营养，从而使东西方文化开始交流与结合，促进了文明的新发展。随着城邦国家的瓦解，政治、宗教、艺术也逐渐丧失了严肃性和公民性。艺术开始成为满足少数贵族统治者自我炫耀、享乐和粉饰现实的手段。这就使神在艺术中的地位降低，人和人的生活更多地出现于艺术题材中。 古典时期雕塑相比，希腊化时期 的艺术风格多样，既有同古典艺术接近的风格，如《米罗岛维纳斯》等一系列维纳斯雕像，也有体现这一时期生死搏斗、美丑相争的时代精神、掺入悲剧性风格的《拉奥孔》等。希腊化时期的雕塑艺术由于希腊本土雕塑传统深厚，依然成为希腊雕刻艺术的中心。 在古典时期象征至高无上权威的宙斯和城邦保护神雅典娜，在艺术中已不占主导地位，象征爱与美的维纳斯则逐渐登上艺术的宝座，许多姿态各异，模仿普拉克西特列斯的“优美的样式”造型接踵问世。古希腊的艺术家们从人的生活出发，肯定人生，赞美人的美，赋予人的肉体和精神以崇高而十全十美的理想，把人提高到神的高度。人们通过希腊化时代的雕塑家们对维纳斯的创造，可以看到充满人性的女神的永恒的艺术魅力。其中最著名的莫过于《米罗岛维纳斯》。

包豪斯建筑的特征：包豪斯的思想在一段时间内被奉为现代主义的经典。但包豪斯的局限也逐渐为人们所认识到，因而它对工业设计造成的不良影响受到了批评。例如包豪斯为了追求新的、工业时代的表现形式，在设计中过分强调抽象的几何图形。“立方体就是上帝”，无论何种产品，何种材料都采用几何造型，从而走上了形式主义的道路，有时甚至破环了产品的使用功能。这说明包豪斯的“标准”和“经济”的含义更多是美学意义上的，因此所强调的“功能”也是高度抽象的。另外，严格的几何造型和对工业材料的最求使产品具有一种冷漠感，缺少应有的人情味。包豪斯积极倡导为普通大众的设计，但由于包豪斯的设计美学抽象而深奥，只能为少数知识分子和富有杰出所欣赏。时至今日，不少包豪斯的产品仍价格高昂，只能被视为一种审美水准和社会地位的象征，如米斯的巴塞罗那椅就是典型的例子，售价达数百美元。在莫里斯设计思想的影响下，它追求创造现代的综合建筑艺术，并认为工业设计应该服务于大量生产，现代设计家要为大多数人生产实用美观的物品，而不是为少数富有的阶层生产奢侈品。 “包豪斯是德语Bauhaus的译音，由德语Hausbau（房屋建筑）一词倒置而成。“以包豪斯为基地，20世纪20年代形成了现代建筑中的一个重要派别——现代主义建筑，主张适应现代大工业生产和生活需要，以讲求建筑功能、技术和经济效益为特征的学派。包豪斯一词又指这个学派。“包豪斯提倡客观地对待现实世界,在创作中强调以认识活动为主,并且猛烈批判复古主义。它主张新的教育方针以培养学生全面认识生活，意识到自己所处的时代并具有表现这个时代的能力为原则。它认为现代建筑犹如现代生活,包罗万象,应该把各种不同的技艺吸收进来，成为一门综合性艺术。它强调建筑师、艺术家、画家必须面向工艺；为此，学院教育必须把车间操作同设计理论教学结合起来；学生只有通过手眼并用，劳作训练和智力训练并进，才能获得高超的设计才干。“ 喜欢其空间是以功能的有效性为依据的,赞同其的写实和抽象!

包豪斯在实践中探索,确立了现代设计的基本观点和教育方向:①设计的目的是人而不是产品。②设计必须遵循客观、自然的法则。其教育体系、设计理论与设计风格在实践中逐渐成熟、完善。包豪斯的主要教学内容是由艺术和技术构成。

包豪斯风格家具这是一个众生喧哗的年代。家具风格上不断变化，功能上不断更新，工艺技术上不断完善是我国家具设计的发展趋向，而仿古与怀旧是家具市场的永恒话题。时尚的舞台上不再有绝对的权威，任何曾经汹涌的潮流在各领风骚数年之后都逐渐消退，没有哪一种风格可以长久地统领全局，但在现代设计发展一百年的历程中,始终有一条主线索贯穿其中,那便是功能主义。无论是何种繁复的设计，终究不能舍弃满足人们功能需求的第一准则。用最简单的线条表现雅致生活，犹如清风过境般明快、洁净，功能至上的现代主义家具得以复兴。

功能主义一词，早在18世纪即已出现，随着工业带来的设计史上的巨大变革而萌发。作为现代主义设计的核心与特征，功能主义在19世纪40年代确立了其历史地位。其最具影响力的口号是“形式追随功能”(Form follows Function)。这一原则衍生出自己的一套审美体系———简约主义、极简主义……并产生了许多功能形式完美统一的优良设计。

 功能主义风格的家具，则起源于赫赫有名的包豪斯学院。包豪斯的设计师坚信借由金属、夹板、塑胶、玻璃等新式材质，加以工业制造，能大量生产出兼具美学与经济实用的家具。而随着工业技术的进一步发展，包豪斯的设计风格更加入了人体工学的研究和新式材质的开发。无论是造型独特的椅子，或是强调舒适感的沙发，其功能性与装饰性恰到好处的结合，以及注重环保性能的家具更受人们的喜爱。

包豪斯第三任校长、著名的建筑师密斯·凡·德·罗是功能主义的代言人，他于1929年设计的巴塞罗那世博会德国馆以及著名的巴塞罗那椅，已经成为现代建筑和设计的里程碑。密斯认为设计无所谓“形式”，当设计最优良地发挥了功能，其形式也自然体现。今天，密斯“Less is more”的名言至少改变了世界大都会三分之二的天际线。

  功能主义的继续和发展则以德国和斯堪的纳维亚为两种不同典型。理性、务实、思辩的日尔曼民族将功能主义在其设计中发挥得淋漓尽致。德国的设计合理、均衡、精炼、无装饰、注重品质和技术，造型直截了当地反映产品在功能和结构上的特征。他们奉行“清除生活中的无序和混乱”的设计哲学。而北欧四国的设计师们在功能主义精神中又加入了人文情调和自然材料的使用，发展了独具特色的“软性”功能主义

在世界家具设计这个概念里，我不知从什么时候开始置入了一个印象：认为美国虽然是家具生产大国，然而设计却不行。于是，和我们家具界的同仁们一起把头甩向了北边——盯住了北欧家具设计。最近阅读了《艺术与设计－产品设计》杂志的一篇文章，这一认识大有转变。

   作为一种生活方式或家居风格，功能主义及衍伸出的极简主义，直至20世纪90年代才开始变得时髦。随着工作节奏的加快，生活方式的变化，人们对家居的感觉也在变。各种家居设计理所当然地以“居者”为中心，那些曾经时尚但繁琐无用的造型装饰不再受宠，以人为本的功能主义家居设计又重新得到认同：客厅明快简捷，尽可能多地留下自由活动的空间；卧室中宽大的床面、大容量的衣柜配以柔和的灯光，营造出安逸和舒适；卫生间高档的洁具彰显生活品质；多功能橱柜配以方便的小餐台将有限的空间利用到极致……

   重拾功能主义的人们提出了“Back to basics”（回归本始）。回归是感到前无去路的困惑的当代人的唯一选择，而basics是指基本要素。时至今日，功能主义的设计理念至今依然是任何设计的主流。重拾功能主义的人们提出了“Back to basics”（回归本始）。回归是感到前无去路的困惑的当代人的唯一选择，而basics是指基本要素。时至今日，功能主义的设计理念至今依然是任何设计的主流。

唐三彩：唐三彩是中国唐代的艺术精华，距今已有1000多年的历史。所谓唐三彩，是指中国唐代陶器上的釉色，后来也用来泛称唐代彩陶。唐代彩陶的釉色有很多种，如浅黄、赭黄、浅绿、深绿、天蓝、褐红、茄紫等，但主要以黄、绿、白（或绿、赭、蓝）三色为主，所以称之为“三彩”。 唐三彩种类很多，主要分为人物、动物和器物三种。人物有文臣、武将、贵妇、男僮、女仆、艺人、胡人等。动物有马、骆驼、牛、羊、狮、虎等。器物有盛器、文房用具、室内用具等。古时，唐三彩很少用作日用品和陈设品，大部分用作随葬品，主要出产、流行于中国的中原地区，供这一带的大小官僚们使用。随着唐朝陵墓的发掘，大量随葬品唐三彩得以面世。随葬品唐三彩主要分为器物类，如碗、壶、盘、房屋等；以及俑像类，如仕女、文吏、胡人、乐伎、武士、天王、马、骆驼等。唐三彩的艺术造型，反映了当时社会的风貌和时代特征。强壮有力、神态潇洒的武士俑、天王俑和肥壮丰满的马、骆驼等，充分表现了唐初国力的强盛；从脸部稍胖、体态丰满的女俑，可以看出唐朝人是以胖为美的。

唐三彩的制作工艺十分复杂。首先要将开采来的矿土经过挑选、舂捣、淘洗、沉淀、晾干后，用模具作成胎入窑烧制。唐三彩的烧制采用的是二次烧成法。

唐三彩是一种盛行于唐代的陶器，以黄、褐、绿为基本釉色，后来人们习惯地把这类陶器称为“唐三彩”。唐三彩的诞生已有1300多年的历史了，它吸取了中国国画、雕塑等工艺美术的特点，采用堆贴、刻画等形式的装饰图案，线条粗犷有力。《唐三彩》是原·味组合在09年8月发行的新专辑，唐三彩是主打歌。

设计策略(Design Strategy) 设计策略指的是通过计划。设计策略就是推测出企业的外部环境当中的有利条件.不利条件以及构成的威胁，再分析竞争对手的长处、短处与实施策略，两相对照，综合考虑制定能在竞争中取得胜利的战略。是故“设计策略”是以超越对手.发展自己为目的，以争夺消费者，市场为主要内窖，所展开的一系列全面性、长远性的谋略。

 关于设计策略概念描述可分为三点叙述说明之。(1)就属性来说，设计策略是一种计划范围之内的概念。因此，设计策略也同一般概念的计划一样，表现为“目标与手段”体系，即是有一定的策略目标和为了实现既定目标事先妥善规划的一系列策略手段的组合。

(2)设计策略是具有全面性，长远性的系统计划，其涵盖范围是全面性.长远性的时空结构.主要目的是保障企业产品的持续发展与永续经营。因此设计策略是一种凌驾于企业其它计划之上的计划。是一种处于支配领导地位的计划。(3)设计策略是一种以适应环境和超越其它产品为主要特征的抗争性计划。设计策略不仅考虑产品周期性，更要随时注意市场环境的变化与竞争对手的挑战对抗。

设计策略实现的途径

　　首先，是设计新产品.开拓新市场。

　　其次，是比竞争对手更支持现有市场的需要。

　　最后.是掌握消费者脉动与需求。

工艺美术运动          工艺美术运动是起源于19世纪下半叶英国的一场设计改良运动，其产生受艺术评论家约翰·拉斯金、建筑师A.W.Pugin等人的影响，参考了中世纪的行会制度。运动的时间大约从1859年至1910年。得名于1888年成立的艺术与手工艺展览协会。其起因是针对装饰艺术、家具、室内产品、建筑等，因为工业的批量生产所带来设计水平下降而开始的设计改良运动。

新艺术运动     开始在1880年代，在10年至1910年达到顶峰。新艺术运动的名字源于萨穆尔·宾(Samuel Bing)在巴黎开设的一间名为“现代之家”(La Maison Art Nouveau)的商店，他在那里陈列的都是按这种风格所设计的产品。 准确的说新艺术是一场运动，而不是单一的一种风格，可分为直线风格和曲线风格，装饰上的和平面艺术的风格，并以其对流畅、婀娜的线条的运用、有机的外形和充满美感的女性形象著称。 这种风格影响了建筑、家具、产品和服装设计，以及图案和字体设计。

设计的审美价值和风格：

1.设计的概念： 

是根据一定的需要发现和精心构造备选方案的活动。 

2.现代设计的概念； 

设计就字义来解释，是设想和计划的含义。现在所说的设计包括人类对自己将要创造的产品的前期构思，以及实现这个构思的整个过程，是一种创造性的活动，反映现代大工业社会的本质！ 

3.艺术设计的本质； 

1.是人类有目的性的审美活动。人类在进行艺术活动时有明显的目的性和预见性，是为达到某一明确目的性和预见性的自觉的行为。 

2.是一种问题求解活动。设计过程就是以问题求解，寻找问题答案为核心，它是人们为满足一定需要，精心寻找和选择理想被选方案的活动。 

3.是一种智能文化创造形态。设计表现为某种文化创造活动形态，而这是特定的文化背景和进行设计活动的具有特殊文化素质的人所决定的 

4..现代设计的特征： 

1.是受到时间与空间的实践活动。设计的时空性特征，给设计成果打上不同时代，与不同社会，不同时间与不同空间的烙印。为了减少时空的而造成的负面效应，设计师可做的是强化设计的现代意识和创新意识。 

2.设计活动都是在特定的物质条件的的约束下进行的。设计活动受到物质条件的。 

3.设计都是满足人的某种需要而进行的。设计始于需求，需求由设计来满足。这是设计与需求的本质关系。 

4.设计是一种富于创造性的活动。创造性是一个重要的本质特征。 

5.设计活动是一个不断推进的系统过程。 

5．设计活动是一个不断推进的系统过程。具有过程性是设计的一个重要特征。 

从设计的社会价值来说，现代设计是科学，是生产力，是生活方式的创造，是科学技术的全面物化，是推动社会发展进步的动力。 

五.现代设计的经济价值： 

设计已经渗透到生活的方方面面，设计成为经济效益和市场竞争的战略和途径，作为经济的载体，设计成为国家和企业发展的有效手段。 

当今时代是品牌经济的时代，是形象消费的时代。. 

在企业经营活动中，设计是管理，设计左右产品的发向和市场的导向。企业家是企业管理的“概念设计师”。 

.现代设计的文化价值； 

现代设计文化是现代文化的构成部分。设计文化是物质文化，又是精神文化，是两者的共融。 

文化价值的体现： 

1. 设计传播的信息体现商品和服务的价值观念，这是独有的效应， 

2. …………………体现特定民族文化或亚文化群的人文特征， 

3. …………………体现人类社会知识的传承，获得的自然科学，社会科学，思维科学等领域的知识，都是靠文化传播发展起来的。 

4. ………………..体现道德价值，即设计作品中的精神文化价值，表达一定的道德评价和判断的标准。 

现代设计的美学价值在于极大地满足了实用与功能的要求，高度体现造型美、材质美、装饰美和时代美，直接反映人们的生活和审美情趣，是人们物质生活与精神审美的载体。设计是按照一定的社会审美理想来改变社会生活的有力工具。设计作为人对客观存在的一种审美认识，人们又通过设计理解产品，在审美的意义上掌握产品。因此，在现代生活中，设计是人对产品的审美关系的最高表现形式。在人们对生活质量越来越高的要求驱使下，设计的目的是使其设计的产品与审美达到和谐的统一。现代设计行业与现代设计师们所面临的课题是把现代高科技、工艺与艺术完美相结合，向社会提供价格合理、美观实用的批量产品，传播现代设计的审美信息。  

艺术设计审美是一种积极主动的价值取向活动或者说价值实现活动，是对美的事物和现象的观察、感知、联系、想象，乃至理解、判断等一系列思维活动，其内涵是领会事物或艺术品的美。艺术审美需要具备一定的审美能力，艺术通感又是审美能力中非常重要的一个环节。艺术通感在艺术的创作和欣赏过程中，好比"桥梁"一样，使艺术之间相互沟通，相互转化。使人的视觉、听觉、嗅觉、触觉等多种感觉互相沟通，互相转化，也使艺术之间互相影响、互相交流、互相启发。它对各种艺术的触类旁通，甚至融会贯通起着桥梁的重要作用。

     认识艺术通感，艺术最大的特点是具有互通有无的特点，艺术审美的实质就是把握艺术通感。艺术的审美特征

     在文艺学中，根据各种艺术形式塑造形象的媒介手段和方式的不同，分别把它们叫做造型艺术、表演艺术、语言艺术、综合艺术。文学是语言艺术。在艺术审美中，艺术审美特征是通感审美的基础，艺术家和鉴赏者必须在各种艺术审美特征中找到一个切入点，并在相互间建立联系，才能使通感审美在各种艺术间自然流动。因此利用艺术通感进行审美，必须对各种艺术的审美特征有所了解。

哥特式风格：音乐上：darkwave、gotht-echno、dark-alternative、ambiente之类的名词都是“哥特风格”。 

  再具体形容：黑暗的恐惧、死亡的悲伤、禁忌的爱、彻底的痛苦带来的美感，简而言之，人类精神世界中的黑暗面。

哥特式建筑是11世纪下半叶起源于法国，13～15世纪流行于欧洲的一种建筑风格。主要见于天主教堂，也影响到世俗建筑。哥特式建筑以其高超的技术和艺术成就，在建筑史上占有重要地位。 

  哥特式教堂的结构体系由石头的骨架券和飞扶壁组成。其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上做双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道，屋面石板架在券上，形成拱顶。采用这种方式，可以在不同跨度上作出矢高相同的券，拱顶重量轻，交线分明，减少了券脚的推力，简化了施工。 

  飞扶壁由侧厅外面的柱墩发券，平衡中厅拱脚的侧推力。为了增加稳定性，常在柱墩上砌尖塔。由于采用了尖券、尖拱和飞扶壁，哥特式教堂的内部空间高旷、单纯、统一。装饰细部如华盖、壁龛等也都用尖券作主题，建筑风格与结构手法形成一个有机的整体。

至上主义和构成主义的特点：（1）至上主义：是现代主义艺术流派之一，二十世纪初俄罗斯抽象绘画的主要流派。创始人为卡济米尔•谢韦里诺维奇•马列维奇。至上主义一词来自於1915年马列维奇发表的宣言式小册子《从立体主义和未来主义到至上主义》。在这本书中，马列维奇强调至上主义是艺术中的绝对最高真理。 至上主义的代表作品是马列维奇在1915年「0.10最後的未来主义展览」展出的油画《黑方块》。 至上主义的理论和创作对同时期的构成主义、以及欧洲的抽象绘画产生了重要的影响。（2）构成主义（Constructivism）， 又名结构主义；发展于1913~20年代。构成主义是指由一块块金属、玻璃、木块、纸板或塑料组构结合成的雕塑。强调的是空间中的势，而不是传统雕塑着重的体积量感。构成主义接受了立体派的拼裱和浮雕技法，由传统雕塑的加和减，变成组构和结合；同时也吸收了绝对主义的几何抽象理念，甚至运用到悬挂物和浮雕构成物，对现代雕塑有决定性影响。

明代家具的艺术特征：造型简练、结构严谨、装饰适度、纹理优美。这四个特点，不是孤立存在的，而是相互联系、共同构成了明代家具的风格特征。明代家具的艺术特点，可以用四个字来概括，即简、厚、精、雅。简：指它造型洗练，不繁琐、不堆砌，落落大方厚：指它形象浑厚，具有庄穆、质朴的效果精、指它做工精巧，一线一面，曲直转折，严谨准确，一丝不苟雅：指它风格典雅，令人耐看，不落俗套，具有很高的艺术格调

论述1.工艺美术时间、地点、特征、代表人物等

答案要点：时间：18-16 

　　起因：19世纪下半叶工业批量生产导致家具、室内用品、建筑的设计水准下降。 

　　主要人物：理论奠基人：约翰.拉斯金 

　　创始人：威廉 莫里斯　风格：追求自然纹样和哥特风格。 

　　特点：1.强调手工艺，反对机械化批量生产。2.反维多利亚及其他古典、传统的复兴风格。3.提倡哥特风格。4.讲究朴实诚恳。5.装饰上推崇自然主义，东方装饰和东方艺术特点。 

　　设计原则：设计大众化，团队协作 

　　工艺美术运动的意义影响： 

创造了新的设计风格 

对工业化的反对，和对机械、大批量生产的否定，注定工艺美术运动不能形成领导潮流的主流风格。强调装饰导致成本增加，没能真正为大众服务。但他代表了整整一代欧洲知识分子的感受，因此工艺美术运动的探索为此后的新艺术运动奠定了基础。

工艺美术运动(the Arts & Crafts Movement)是起源于19世纪下半叶英国的一场设计改良运动，其产生受 

  艺术评论家约翰·拉斯金(John Ruskin)、建筑师A. W. Pugin等人的影响，参考了中世纪的行会制度。运动的时间大约从1859年至1910年。得名于1888年成立的艺术与手工艺展览协会（Arts and Crafts Exhibition Society）。 

其起因是针对装饰艺术、家具、室内产品、建筑等，因为工业的批量生产、维多利亚时期繁琐的装饰所带来设计水平下降而开始的设计改良运动。当时大规模生产和工业化方兴为艾，工艺美术运动意在抵抗这一趋势而重建手工艺的价值。要求塑造出“艺术家中的工匠”或者“工匠中的艺术家”。 

主要成员是威廉·莫里斯(William Morris)、察尔斯·马金托什(Charles Rennie Mackiniosh)、C·F·A·沃塞(Charles Francis Annesley Voysey)和拉菲尔前派(Pre-Raphaelite)等。由沃尔特·克兰(Walter Crane)和C·R·阿什比(Charles Robert Ashbee)传到美国。工艺美术运动是英国19世纪末最主要的艺术运动。并影响了接下来的设计史发展。

2.古希腊雕塑在古希腊中得作用

古希腊雕塑的审美：古典时期，希腊人的社会思想和宗教观念起了很大的变化，雕塑艺术逐渐趋向强调人物性格情感的刻画，继承传统的技法，赋予作品新的生命力等方面发展。这一时期的审美理想是最大限度追求真实的美。如对人物的塑造采用高度写实的技巧，人物的衣服线条生动流畅富有变化，不仅表现出衣服的质感，而且通过衣服表现人体的优美。古希腊雕塑创造了崇高、典雅儿完美的人物形象。

古希腊建筑均以雕塑做为装饰。希腊的建筑与希腊雕刻是紧密结合在一起的。可以说希腊建筑就是用石材雕刻出来的艺术品。雕塑是古希腊建筑的一个重要的组成部分，是雕塑创造了完美的古希腊建筑艺术。也正是因为雕塑，使古希腊建筑显得更加完美、和谐

3.工艺美术运动优点和不足

优点：①在维多利亚的风气之中，能采用中世纪纯朴风格，吸收日本的和自然的装饰风格，创造出有声有色的新设计风格，同时又与各种历史复古的风格大相径庭，的确难得可贵

②在工业高潮之中，能表现出一种与时代格格不入的出世感，也体现了知识分子的理想主义情感，强调手工艺的重要

③反对设计只为少数贵族服务，强调要为大众服务，反对精英主义设计。

④给后来的设计家们提供了新设计风格的参与，提供了与以往所有设计运动不同的新的尝试典范。

缺点：

1它反对工业化，否定机械，否定大批量生产

2过于强调装饰，增加了产品的费用，也没有可能为低收入的平民百姓所享有，因此，它依然是象牙塔的产品，是知识分子的一厢情愿的理想主义结晶。

3从意识形态上讲，这场运动是消极的，也绝对不可能会有出路的，因为它是再大工业之中，企图逃避洪流的一个知识分子的乌托邦幻想而已。

3.巴洛克时期建筑特征

答案要点：巴洛克建筑是17~18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。巴洛克时期的建筑作品在风格上极为复杂，但一般来说，反映了力图寓感情于具有感性吸引力的形式之中的愿望。最常见的特点是气势雄伟，生气勃勃，有动态感，气氛紧张，注重光和光的效果，擅长于表现各种强烈的感情色彩和无穷感，颇有打破各种艺术界限的趋势。

概括地讲巴洛克建筑艺术有如下的一些特点： 

　　1、它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩； 

　　2、它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力； 

3、它极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂； 

　　4、它很关注作品的空间感和立体感； 

　　5、它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外，巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象； 

　　6、它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位； 

　　7、大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同是一些花纹。

代表作品：罗马耶稣会教堂 

罗马耶稣会教堂平面为长方形，端部突出一个圣龛，由哥特式教堂惯用的拉丁十字形演变而来，中厅宽阔，拱顶满布雕像和装饰。两侧用两排小祈祷室代替原来的侧廊。十字正中升起一座穹窿顶。教堂的圣坛装饰富丽而自由，上面的山花突破了古典法式，作圣像和装饰光芒。

巴洛克建筑的代表有 1.伯尼尼设计的罗马圣彼得大教堂前广场  2.意大利文艺复兴晚期著名建筑师和建筑理论家维尼奥拉设计的罗马耶稣会教堂是由手法主义向巴洛克风格过渡的代表作，也有人称之为第一座巴洛克建筑。

另一版本：概括的讲巴洛克时期建筑艺术有如下的一些特点：1、它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；2、它是一种给人激情的的视觉冲击力，它打破理性的宁静和谐，具有浪漫主义的色彩，非常强调艺术家的丰富想象力；3、它具有极力强调运动和变化，这两点可谓是巴洛克式建筑的灵魂；4、建筑具有很强的空间感和立体感；5、它是综合性的，把绘画、雕塑、装饰都运用在建筑上的综合性艺术表现；6、它具有浓重的宗教色彩，为宗教而建造的建筑尤其众多，为宗教而服务。

4.工艺美术运动优点和不足

答案要点：英国“工艺美术”运动开始于18年左右，在16年基本结束。“工艺美术”运动的重要特点：以追求自然纹样和哥特式风格为特征，旨在提高产品的质量，复兴手工艺品的设计传统。那时的产品出现了两种倾向：一是工业产品外型粗糙简陋，没有美的设计；二 是手工艺人仍然以手工生产为少数权贵使用的用品。于是社会上的产品明显地两极分化：上层人士使用精美的手工艺品，平民百姓使用粗劣的工业品。艺术家中不少人不但看不起工业产品，并且仇视机械生产这一手段。然而，社会的发展必然导致工业产品在消费中的统治地位，因为工业产品可以批量生产，价格低廉，能为广大消费者所接受。在一派维多利亚矫饰风气之中，设计先驱们能够采用中世纪的纯朴风格，吸收日本的和自然的装饰动机，创造出有声有色的新设计风格来，而同时又完全与各种历史复古的风格大相径庭，的确是难能可贵的探索。在轰轰烈烈的工业高潮之中，表现出一种与时代格格不入的出世感，也体现出知识分子的理想主义情感，强调手工艺的重要，强调中世纪行会的兄弟精神，都是非常特殊的。当时，摆在设计家面前有两个重要的问题：一是过分装饰、矫揉做作的维多利亚风格的蔓延；二是令不少知识分子感到震惊、甚至恐惧的工业化的来临。

   “工艺美术”运动的缺点或者说先天不足是显而易见的，它对于工业化的反对，对干机械的否定，对干大批量生产的否定，都没有可能成为领导潮流的主流风格。过干强调装饰，增加了产品的费用，也就没有可能为低收入的平民百姓所享有，因此，它依然是象牙塔的产品，是知识分子的一厢情愿的理想主义结晶。对于矫饰风格的厌恶，对于大工业化的恐惧，是这个时期知识分子当中非常典型的心态。

   “工艺美术”运动的具体表现在以下几方面：第一，强调手工艺，明确反对机械化的生产。第二，在装饰上反对矫揉做作的维多利亚风格和其他各种古典、传统的复兴风格。第三，提倡哥特式风格和其他中世纪的风格，讲究简单、朴实无华的、良好的功能。第四，主张设计的诚实、诚恳，发对设计上的哗众取宠，华而不实的倾向。第五，装饰上推崇自然主义，东方装饰和东方艺术的特点，大量的装饰都有东方式的，特别是日本式的平面装饰特征，采用大量的卷草、花卉、鸟类等为装饰动机，使设计上有一种特殊的品味。

 “工艺美术”运动是世界进入现代工业社会后第一个有广泛影响的设计运动。对其历史功绩有一些辩证的评价，有人说工艺美术艺术家们走的是一条回到中世纪手工业时代的设计老路，不能在根本上解决工业化之后摆在设计和现代工业之间的矛盾。其设计尽管十分精美，但仍复杂繁琐，给印刷和装订造成了困难，人们还需要更合乎现代技术和人们思想情感的语言表达形式。

  另一些人则认为，工艺美术艺术家们从审美角度反对工业化时代生活用品的机械生产及其造型样式，号召人们把生活用品的设计与其功能相结合，并身体力行。因此，实际上是在引导人们对产品（不论是手工还是机器产品）设计与其功能的关系予以特别重视，指出了正确的设计方向，极大地推动了工业产品设计这一新生事物的发展。

5.唐代建筑艺术的特征

答案要点：唐朝（618—907年）前期百余年全国统一和相对稳定的局面，为社会经济的繁荣提供了条件。到唐中叶开元、天宝年间达到极盛时期。虽“安史之乱”后开始衰落，但终唐之世，仍不愧为我国封建社会经济文化发展的高潮时期。建筑技术和艺术也有巨大发展和提高，主要特点有：  

　　第一：规模宏大，规划严整。唐都城长安原是隋代规划兴建的，但唐继承后又加扩充，使之成为当时世界最宏大繁荣的城市。长安城的规划是我国古代都城中最为严整的（另详城市建设篇），它甚至影响到渤海国东京城，日本平成京（今奈良市）和后来的平安京（今京都市）。唐长安大明宫规模也很大，遗址范围即相当于清明故宫紫禁城总面积3倍多。其他府城、衙署等建筑的宏敞宽广，也为任何封建朝代所不及。 

　　第二：建筑群处理愈趋成熟。隋唐时，不仅加强了城市总体规划，宫殿、陵墓等建筑也加强了突出主体建筑的空间组合，强调了纵轴方向的陪衬手法。这种手法正是明清宫殿、陵墓布局的渊源所自。 

　　第三：木建筑解决了大面积，大体量的技术问题，并已定型化。大明宫麟德殿，面积5000平米，采用了面阔11间进深17间的柱网布置。定型化反映了施工管理水平的进步，加速了施工速度，对建筑设计也有促进作用。 

　　第四：设计与施工水平的提高。掌握设计与施工的技术人员“都料”，专业技术熟练，专门从事公私房设计与现场指挥，并以此为生。 

　　第五：砖石建筑有进一步发展。主要是佛塔采用砖石者增多。目前我国保留下来的唐塔均为砖石塔。 

　　第六：建筑艺术加工的真实和成熟。唐代建筑风格特点是气魄宏伟，严整又开朗。现存木建筑物质反映了唐代建筑艺术加工和结构的统一，斗拱的结构、柱子的形象、梁的加工等都令人感到构件本身受力状态与形象之间内在的联系，达到了力与美的统一。而色调简洁明快，屋顶舒展平远，门窗朴实无华，给人庄重，大方的印象，这是在宋、元、明、清建筑上不易找到的特色。

6.包豪斯时期伊顿对包豪斯的贡献

答题要点：约翰内斯·伊顿作为一个狂热的神秘主义和拜火教信徒，伊顿的教育方法与他的宗教和神秘主义信仰密切相关，拜火教徒认为，通常被人们解释为现实存在的东西，实际上不过是一层障眼的纱幕，它让人们看不到更高级的真正的现实，为此伊顿剃了个光头，常年穿着不合时宜的肥大长袍，不断向学生宣扬，通过宗教的信仰，可以自己的艺术天赋和创造才华。

在课堂上，伊顿鼓励学生追求精神上的位置和内在的和谐，唤醒个人潜在的精神力量，他用这种方式有效的激发了学生观察与感触各类质感图形颜色与色调，进行平面和立体联系，他用韵律线分析艺术作品，提高了学生把握原作内在的精神及表现内容的能力，在进行这些训练之前，他甚至还要求学生进行躯体拉伸，呼吸控制，沉思冥想，可以说，伊顿是最早创造了包豪斯的现代基础课程，并在教学中引入现代色彩体系的教师之一，在学院拥有众多的追随者，不但有人模仿他的穿着举止，就连学校的餐厅也一度在他的劝说下烹制拜火教养生食谱。

此外，伊顿还鼓励学生观察并描绘真实的自然界，旨在训练学生们的视觉感受力，在人体写生课上，他为学生播放音乐，并要求他们按照自己的想象，重新发掘和诠释模特爆出来的各种姿态，他强调在每个绘画母体之下的某一个特定方面，从而进一步激发学生们的创造力。

尽管伊顿进行了各种各样令人著名的教学尝试，但他也是个不折不扣的形式主义者，对于格罗皮乌斯来说，他的理念过于浪漫而不注重实效，并且还和包豪斯所提倡的知识与技术并重的教育方针背道而驰，它不仅偏爱形式远甚于功能，而且还大力排斥它的基础课程的介入，伊顿的这些做法，都与包豪斯的成立的初衷以及格罗皮乌斯本人的观点相互对立，之后为了纠正伊顿的错误，格罗皮乌斯不得不借助租其他教员的帮助，导致了伊顿与学院矛盾的爆发。

7.明代家具特色

答题要点：1明式家具主要指那种以硬木制作于明代和清代前期，设计精巧，制作精致，风格简洁的优质家具，明代家具在继承宋元传统形式的基础上，形成了一套晚上的法则标准，达到了实用与审美的和谐统一。

2明式家具多用紫檀木，黄花梨木，红木，楠木等硬木材料，制造的家具以前坚硬细密的质地，典雅稳定的色调，变化莫测的天然文理，简洁优美的艺术造型，恰到好处的展现出作品内涵与外在美的协调统一，是明代家具得主流。

其显著特点：1造型大方，比例适度，轮廓简练舒展，2结构科学，榫卯精密，坚实牢固3精于选材料，重视木材本省的自然纹理4雕刻线脚处理得当，起着点睛的作用，金属配件样式玲珑色泽柔和，起到辅助装饰的作用，明式家具在工艺制作和造型艺术的成就已经达到了当时世界上的最高水平，是中国智慧的杰出代表。

8.宋代陶瓷艺术的解读

答题要点：宋代的陶瓷在艺术上取得了很高的成就，故称宋代是瓷的时代，宋代次要遍布全国各地，各窑厂在工艺，釉色，造型和装饰诸方面各有所长，形成了各具地区特色的瓷窑体系，不同的窑系之间相互竞争，促使名瓷的出现，定窑，汝窑，官窑，哥窑，钧窑被称为宋代五大名窑。

诸窑具有各自不同的特色：定窑之清秀，汝窑耀州窑龙泉窑之浑厚，官窑哥窑之典雅，钧窑之秀丽，磁州窑吉州窑之浑厚的民间特色。宋代陶瓷装饰方法多样，有刻花印花，画花，等多种，宋瓷的装饰题材，喜用折枝花以及飞鸟鱼虫，纹样秀丽，线条流畅，清新典雅。

从总体上来看，宋瓷的造型简洁优美，为我们创造了卓越的美的工艺形象，器皿恰当的比例和尺度达到了十分完美的地步，这是宋瓷受人喜爱的主要原因之一。

9.元代陶瓷艺术的特征

答案要点：元代的历史比辽，金短暂很多，但在陶瓷生产方面，元代所取得的成就确实辽金无法比拟的。青花瓷，釉里红瓷等，元代的陶瓷在中国艺术设计史上占有非常重要的分量。元代的陶瓷生产，以江西景德镇的制瓷业为突出代表。实际上，景德镇烧瓷的历史并不久远，最早烧瓷还是在唐代以后，北宋时因生产出青白瓷而开始崭露头角。元代初期，朝廷在这里设立了全国唯一的官营瓷器作坊-浮梁瓷局，大量生产精美的青花瓷器，以及釉里红和卵白釉、蓝釉、红釉等颜色釉瓷器。实际上不单是官窑，在民间也有了许多窑场。据元代蒋祁《陶纪略》的记载：“景德镇窑有三百余座。”当时，景德镇的瓷器产品行销国内外。从此，景德镇一跃成为中国的瓷都，名扬天下。

青花瓷：应用钴料在瓷胎上绘画，然后上透明釉，在高温下一次烧成，呈现蓝色花纹的釉下彩瓷器。唐代仅仅是青花瓷生产的初期阶段，宋代则是瓷器生产的黄金时代，各种精美的青瓷，白瓷，青白瓷和黑瓷层出不穷。到了元代，青花瓷有了突飞猛进的发展。

元代统治者好尚青花瓷，要追溯到蒙古族对青色和白色的特别崇尚。蒙古族的尚青和尚白，成为一种促使青花瓷在元代迅猛发展的历史机遇。从考古发掘的元代青花瓷来看，早期的青花瓷在工艺上还不成熟，在色彩上蓝中带灰色，纹饰也比较简单。但景德镇毕竟是统治阶级御用的官窑，这里集中了全国最优秀的制瓷工匠，从国内外选购来上等得青料，加上我国唐宋时期已经有了烧制青花瓷的历史和景德镇本身具有生产青白瓷器的丰富技术经验，至元代中晚期，景德镇就烧制成功了高质量的青花瓷。

青花瓷在元代的迅速发展除了时代因素还有本身作为日用品所具有的优点。从实用功能来看。青花瓷是釉下彩绘，纹饰永不退色，作为餐饮具不会造成对人体的不良影响；从工艺制作来看，青花的着色力强，窑内气氛对其影响较小，烧成范围较宽，呈色稳定。在原料资源方面，我国的青花原料的资源比较丰富。在造型设计方面，不可能完全根据北方游牧名族的生活方式来设计青花瓷器的造型。元代青花瓷的造型设计，大部分是继承宋代以来的传统，部分产品的造型则是根据统治者的喜爱和本民族的生活方式，加以改进并有所创新。

元代青花瓷的造型和装饰设计，是在我国传统艺术设计风格的基础上，吸收了蒙古族文化和文化的精华而创造出来的。随着青花瓷的发展，在艺术设计上越来越显示出中华民族整体的风格和特色，成为中国艺术设计史上一颗耀眼的明珠。青花和釉里红，作为两种新型的瓷器产品，在元代发展的命运却是很不相同。青花瓷的影响远远大于釉里红瓷。主要有三方面的原因：一是统治者的好尚有关，二是从烧制工艺来说青花瓷的烧成要比釉里红的烧成容易得多；三是从视觉角度来看，白色瓷器上蓝色花纹比红色花纹更让人赏心悦目。在元代瓷器中还出现将青花和釉里红两种装饰用于同一件器皿上，但不适合大规模生产。

10.清代服饰特征

答案要点：青代前期的手工业，资本主义萌芽比较发达的部门，纺织业是其中之一。代表清代纺织生产主流的，是官方的纺织业特别是丝织业，直接关系到宫廷贵族的日用服饰，其设计和生产，都由统治者直接垄断。

一．宫廷织物服饰设计，清代丝织物的贵族化设计，主要体现在两个方面：1图形必有意，意必吉祥的装饰题材；2繁缛精细、艳丽媚俗的设计风格。“图必有意，意必吉祥”的装饰图案，人们习惯称为吉祥图案。1000多年来，吉祥图案在不断的发展和演变，其内涵也在不断丰富和延伸，到清代时达到了高潮。这是一个非常值得重视和研究的设计现象。清代吉祥图案最突出的特点是图必有意。用现代设计的一个术语来解释，叫就算是创意，即吉祥意念的创造。吉祥图案在清代非常流行，在各种材料的产品，纺织品以及各种装饰品上都屡屡出现。之所在丝织物上表现得更集中、更突出一些，这与吉祥图案的程式化设计形式和清代丝织物精湛的织造工艺有密切的关系。各种锦、缎、绸、罗、纱、革丝织品上的吉祥图案，由于材料质地高贵和工艺的精湛，其贵族气息显得尤为浓重，特别受到上层贵族的青睐和喜爱。

  清代的装饰设计，是“图必有意，意必吉祥”，在设计风格上艳丽媚俗和繁缛精细。清代丝织物的装饰图案，虽然大多为传统的装饰题材，但是在图案的构成设计方面，却演变为复杂化。清代中期，欧洲洛可可式的繁缛纤秀的染织纹样冲击到我国，使本来已经十分繁缛的装饰，又增添几分纤细软弱的风格。

  在色彩方面，清代丝织物与同时期的瓷器装饰色彩相比毫不逊色，甚至有过之而无不及，色彩之强烈艳丽，变化之丰富细腻。但是在审美格调上显得媚俗低下。它反映了曾经十分灿烂夺目的我国古代丝绸织物装饰设计，也已经走到了穷途末路。

  二．民间织物装饰设计，清代时我国各地民族民间自产自用的织物，仍然具有强大的生命力，特别是广西壮族地区的壮锦，云南傣族地区的傣锦。。至于我国各地民族民间的蜡染和蓝印花布，比明代又有了新的进步。清代刺绣的设计，与丝织品设计的状况非常相似。宫廷的绣品和民间的绣品，在设计风格和审美格调上也朝着迥然不同的两个方面发展。

  三．服饰设计，在清代满族的服饰文化和服饰风尚，还是对中国传统的服饰文化和服饰设计，产生了较大的影响。清代的冠服制度，就是以满族传统服饰为基础而制定的。清代妇女服装的演变，反映了满族服饰与汉族服饰相互融合的特点。旗袍就是由清代后期演变过来的，成为了当代极富民族特色的妇女服装。