美术油画西方色彩

    毕业论文

论文题目：浅谈西方绘画中的色彩 

浅谈西方绘画中的色彩

论文摘要：人类生活在一个五光十色的世界中,大千世界无不具有自己独有的色彩。色彩在西方绘画中的地位,犹如墨色在东方绘画中的地位,是西方绘画的灵魂所在。马克思说“色彩的感觉是美感最普及的形式”。 是西洋绘画的，在整部美术史的中，的方式也不停地变化，在众多的风格里不断的得以发展。众多艺术家从没有对奥妙的，发现新的。十七世纪的巴洛克风格里，对色彩与光线的强调，对简单构图的忽视，对复杂平衡的偏爱，这些观念，让色彩对于画面而言越趋重要。勃纳尔画的主题虽是日常生活景象，却借着优美的形体和充满变化的色彩、光线，画出亲切的气氛和热爱哲学、诗歌的绘画特点。马蒂斯的绘画中带有强烈的东方色彩，但油画却大大提升了色彩本身所具有的艺术力量和审美意义，用色彩表现人类情感。罗斯科的色彩，都是在极长时间的思考后再快速涂上的，他选择的色彩与配色虽没有法则，但仍有一些基本原则。

论文关键词：色彩；精神性；色调；色块；

已经学过外国美术史的我们对西方的绘画有了一些了解。在西方的绘画史中，中世纪的画家们，并不在乎物体的真正色彩，轮廓才是他们关心的重点，至于色彩的使用则非常的单纯，他们喜欢将物体涂上最纯正与最闪烁的色彩。到了文艺复兴时期，当时的大师都急于展现在素描与透视上学习到的崭新技法，至于色彩则往往被忽略，但并不是说佛罗伦萨画家的作品里，没有美丽的色彩，而是指当时很少有人把色彩当成绘画的主要方法。直到威尼斯画派的出现，色彩的重要性才相对提高，威尼斯画派的画家们确实是经由他们的双手，显现出色彩在一张作品里的重要性，不亚于明暗，甚至是超越的。而提香更是将此派的风格发扬光大，在提香之前，从没有人把圣母的位置移至画面以外，他却做到了，而且利用色彩与光线的相呼应关系，让画面看起来不呆板却又活跃的保持了  平衡。 　　　　　　　　　　　　　　　　　           

                   提香作品

　　十七世纪的巴洛克风格里，对色彩与光线的强调，对简单构图的忽视，对复杂平衡的偏爱，这些观念，让色彩对于画面而言越趋重要，十七世纪的画家们视发现色彩与光线和谐为必要任务，之后的印象派画家们，对于巴洛克时期的敬慕之情也远胜其它流派。十九世纪算是画家们在色彩上有重大成就的一个世纪。 

由于从牛顿时代开启了科学观念，印象派的画家们依此为理论，在观察之中发展出了至今仍影响画坛的诸多画法，例如物体的暗部可用互补色描绘、影子可添加蓝紫色、物体依照光线的颜色变化，印象派的画家根本是为了光线与颜色在创作。等到后期印象派的高更和梵高，用色的方法更是随心所欲，开始展现出主观的个人色彩，之后的野兽派更经过后印象派的洗礼，而继承了这个观念，画面的平面化与装饰性风格，让文艺复兴以来的明暗素描概念，在画面上的地位，从此让给了五彩缤纷的色彩。

首先,我们来看两个不同时期的艺术家对色彩的不同认识与理解。达芬奇:“影子——黑颜料和赭石,亮光——白的和绿的颜料,丹铅和红颜料。中度的影子——将上述作阴影的成分与做亮光的成分混合,再补充一些黄颜料、绿颜料。红颜料则看需要而定。”[1]莫奈:“当你到户外作画时,你应尽量忘记面前有什么东西。例如,一棵树,一座房子,一片田地等,你只需看到,这里有一小片蓝色,一块椭圆形的粉红,还有一条黄色。你可以按照你看见的实际色彩和形态作画,直到眼前景色所给予你那种纯朴的印象,全部被表现出来。”[2]这是色彩认识上古典与现代的对比。尽管这种方式对于今天的画家来讲是无足轻重的,但在当时却是对传统的学院派作画方式和信条的反叛。印象主义对色彩方面上的努力使视觉所感受的丰富变化的自然颜色呈现在画面之上。他们画日常自然生活状态,追求自然色彩的客观真实。 

　对色彩影响较大的有如下观点 

　　(一)勃纳尔的用色 

　　勃纳尔早期深受高更和日本浮世绘影响，1905年后，更实践印象派丰富色彩的自由画法，有些学者把他当作印象派最后的画家。勃纳尔画的主题虽是日常生活景象，却借着优美的形体和充满变化的色彩、光线，画出亲切的气氛和热爱哲学、诗歌的绘画特点。 

　　勃纳尔的技法，为了使画面平衡，常以冷暖的色调来替代对比色阶，以神秘而愉悦的中间色调，来替代古典的明暗色调，色调非常丰富且具有连续的层次，经常会出现意想不到的中间色调，例如：绿色逐渐过渡成紫色或橘色，一片的颜色上必须连续画上好几回，直到出现奇异的，意想不到的色彩，画面上很少有一片是平的颜色，一旦出现平的颜料，就会和周围那些细腻的层次形成对比。勃纳尔的技巧是多变的，他作画时先快速铺开，透出空气，最后再理智的加工。他认为色彩和形体一样是具有严格的逻辑，他有时用小笔触，有时用手指搓揉，或是小点如珍珠般的并置，集点成面，若隐若现，有时是大片涂抹，有时是用薄色组成，或是用显著的笔触和厚涂法表现出来，画面如彩石般的闪烁。 

　　(二)马蒂斯的平面色块 

　　马蒂斯是野兽派艺术的代表人物，主要是关心色彩，他们认为色彩是画者表现思想及感情的最佳媒介，他们放弃了阴影、景深与边缘，以新的技法、亮丽色彩、强烈对比色调来处理光线。马蒂斯可能是第一位以大的画布尺寸表现简单内容的西洋画家，极简的内容，极简的形体，不拘传统画布空间和光影的，强迫观者忽略了形体所代表的意义，转而接受色彩本身表现的力量。同时他也透过绝对大的面积，换取色彩在画布上的绝对自主，这就是马蒂斯的目的。 

　　“野兽”一词，特指色彩鲜明，随意涂抹，这种色彩比之前的任何画法更为强烈。马蒂斯和他的朋友们一直试验着这种画法，野兽派画家最终实现了色彩的，在这之前的高更、梵高、修拉和纳比派，也都曾以不同的方法试过，但直到野兽派画家用了类似的手法，才真正有了大胆的突破。他们原意使用从颜料管里直接挤出来的强烈的色彩，而不想刻画自然中的对象，这不仅是想引起视网膜的振动和要强调浪漫或神秘的主题，而更重要的是想树立与此截然不同的新的绘画准则。

在马蒂斯个人风格的探索中，日本浮世绘版画无疑给他很多灵感，尤其是装饰风格在其绘画中更是表现得淋漓尽致。东方传统艺术重传神，重情趣，单纯而简洁的形态观念，在光和色的理解上，从来都是重主观而轻客观，而且对物象的色彩观念，偏重其固有色，忽略光以及物象的明暗层次和色彩的变化，强调色面的单纯性。受东方平面绘画形式影响的马蒂斯，透过其设计的色、线、面组织，表现出空间，他认为空间是虚的，很有表现性。

　　　　　　　　　　　　　　马蒂斯作品

　　马蒂斯的绘画中带有强烈的东方色彩，但油画却大大提升了色彩本身所具有的艺术力量和审美意义，既用色彩表现人类情感。马蒂斯主要通过吸收和创造，有异于西方传统绘画的用色方法，改以自由的、主观的色彩运用，去实践情感的传达。这种自由而主观的色彩使用，主要体现在以下三个方面： 

　1、平面纯色和底色的运用 

　　画面中出现平面的纯色，这对于追求体积感、空间感的西方传统绘画确实是一种莫大的反叛，平面的纯色对于逼真再现对象来说，也许一无是处，但是对于真切地表达画家的主观感情，却发挥了极大的作用。平涂能产生一种轻松爽快的感觉，非常符合现代人追求轻松自由的精神倾向。在用色上不停地寻找忠实摹写以外的可能性，他用纯粹性的色彩构造画面，色彩越简单，对于感情的抒发就越强而有力。 

　　2、具有装饰性的画面 

　　西方传统绘画中，色彩在大多作品中属于描述性的色彩，东方绘画色彩则有很强的装饰性，用色的大胆、主观、随意和富有趣味性，使得色彩在画面中形成秩序，造成装饰效果。色彩的装饰性运用中，同一色彩往往在画面中重复出现，在画面中形成节奏感和韵律感，形成富有趣味性的装饰性色彩结构。 

　　3、摒弃透视法和明暗法 

以极具有东方色彩的平面化、原色对比和粗犷的线条去体现自己对客观事物的感觉，这些特点在他的代表作《红色的和谐》中突出表现。画中描绘的是一个室内的场景，他以一块高彩度的红色平面，限定了房间内的空间，全都描绘在这二度空间的红色平面上。画中色彩的透视被取消了，桌面、墙壁、地面被统一在一个色彩的平面，画面中桌面与墙面的花纹，也没有的远近大小的透视感。马蒂斯的绘画，推动了西方从写实主义迈向写意化的转变。这种艺术的明快性一改过去充满理性的概念，升华了艺术的清新愉悦感。 

                             《红色的和谐》 

　　(三)罗斯科的精神性色彩 

　　罗斯科的主要风格是明度、彩度或相近的色彩，呈现平坦宽阔并且绵延不断的空间，将线条从画面上完全排除，并将色彩的地位与表现力提高到极致。以色彩取代线条，罗斯科用了以前画家没有用过的颜色和形状，但那不是他的目的，虽然他用颜色表达思想，但并不反对线条，而他认为形式是根据我们要说的东西而发展出来的，当你对世界有了新的观点，你就必须找出新的方法来。 

　　在罗斯科的作品中，倍受注目的色彩，仅仅是为了表达新观念的媒介而已。色彩的变化中包含着色相、明度、彩度可创造出千变万化的效果，因此罗斯科选择色彩，表达他要传达的内涵。 

　　罗斯科的色彩，都是在极长时间的思考后再快速涂上的，他选择的色彩与配色虽没有法则，但仍有一些基本原则。在一幅画中，罗斯科经常以红、黄、蓝三原色为主要色系，并且经常将二个强烈的色彩并置以提升他们的强度，在他的作品中，类似色的运用是他的特色，他大多使用黄与橘、红与橘、蓝与绿等类似色，来达到色彩的稳定，由于强度相同的类似色并置容易造成视觉的疲倦，因此必须做一些调整，因而会改变大小不同的面积比例。 

　　使用类似色为主要色系时，由于色相较为相近，所以罗斯科必须适当地改变其明度和彩度，在画面中单独加入黑色或白色，或让各层的色彩相互透映，有些作品则将色块边缘刻意柔和化，以此降低类似色引起的视觉呆板。在技法方面，他运用了薄涂与快速上色技巧，使底层的光泽穿透到上层，造成观者眼中一片颜色的气氛，创造出作品内在的光辉，内在的光，对作品精神气息的营造，是相当重要的一个方法。 

　　罗斯科不用框，而将色彩涂到整个画布侧边，这种方法使画面更加开展，不再是一个和周围环境分隔的，被在画框里的有限平面，那么画作就可以和整个空间融合，成为观赏者经验的一部分。另外层层的薄涂，使底层显露；而矩形像浮在表面上的一层薄雾，不确定的表面，模糊的边界，色块之间相互融合。薄层色彩的效果，使画面彷佛朝向观者前进，很难在空间中有定位，这使得观赏者会有想进入画面一窥究竟的欲望。至于暖色前进，冷色后退，互补色造成的动感也强化不确定的情绪，显示了罗斯科以绘画表现人生处境的意图。 

以上几位绘画大师对现代西方的色彩认知产生了非常深远的影响。同时正如派脱所言“一切的艺术都是趋向音乐的状态”,西方绘画中也体现着趋向音乐之美的状态。虽然在理论上看,绘画和音乐似乎是完全没有关联的两个艺术学科,但是在西方绘画中,色彩的变化能够体现出“节奏性”;色彩的构图能够体现出“旋律性”;色彩的体验能够体现出“和弦性”。即透过绘画艺术可以发现节奏、旋律、和弦这些具有音乐特征的色彩表现。 

我的感悟

　　 我认为色彩是绘画语言的表现形式，是情感的符号，精神的载体，色彩作为绘画艺术重要的物质材料，是艺术语言构成要素之一，更是作品独特的思想和造型艺术手段，像表情艺术的节奏和语言艺术的词汇一样，色彩是构成绘画艺术形式的重要因素，也是情感的最普及形式。色彩的丰富表现力和它所产生的感情力量，可以直接在艺术家和观众的心理之间架起一道互相沟通的桥梁。

参考文献：

 张道森：《外美术对比发展史》，辽宁美术出版社   2005

翟音：色彩设计教材，中国美术学院出版社   2006  -08

致谢

我要感谢徐老师在本次论文中，对该论文从选题、构思、收集材料到最后定稿的各个环节给予细心指导与教导，使我得以最终完毕业论文。