现代艺术思潮-论述部分

01、试论现代艺术的起因与特征。

答：现代艺术起源于古代地中海沿岸（埃及、希腊、西亚）的西方艺术到19世纪后期，出现了转变的苗头，这个苗头进入20世纪后，成为西方艺术的主流，这就是西方的现代艺术。现代艺术，又称现代派艺术，很难有一个准确的定义。大致来说，被称为“现代主义”或“现代派”的艺术，是指20世纪以来，区别于传统的，带有前卫和先锋色彩的各种艺术思潮和流派的总称。主要包括了野兽主义、立体主义、未来主义、表现主义、的至上主义与构成主义、荷兰的风格派、达达主义、超现实主义、抽象主义、波普艺术等。

现代艺术的起因：

随着西方现代工业文明的发展，科学技术、哲学思想、生存环境、传播媒介等各个领域都发生了深刻变化，人的艺术观念和形态也必然随之变化，出现了反传统倾向，并创造出了新的艺术形式。世界各地各民族现代艺术的产生和发展基本上是在与欧美为主的西方艺术冲突、交融中产生的。说到现代艺术的起因，综合来说，有以下4点：

人类社会进入资本主义发展阶段，现代工业文明改变了人与人之间的关系，也改变了传统的生活方式与思维方式，加速了生活节奏，美术作为商品走进市场，给艺术发展带来激烈的竞争。

现代科技的发展改变了人与自然的关系，人类的眼睛延伸到宏观与微观世界。因此现代艺术家必然要创造和选择新的艺术语言去表现自己所认识的新世界。 摄影术的发明从根本上动摇了西方传统写实主义艺术的根基。现代艺术的创作，与科学思想密不可分，结构主义与立体派，工业技术思想与未来派、风格派，机械制造形式与达达派的机械图纸绘画，弗洛伊德的释梦学说与超现实主义，还有以理性手法表达非理性的抽象表现主义等等，都是科学和艺术联手的结果。人们把艺术创作看成是一种有规律可循的造物过程，这样，艺术家出图纸，工厂按照图纸生产艺术品，就成了合情合理的艺术创作程序。

宗教的衰落造成人的现实理想与终极理想之间的矛盾。

现代哲学直接影响现代美术创造。从19世纪末开始西方哲学极力提倡个人意识和精神的重要价值。康德的先验唯心主义对现代艺术创作影响巨大，叔本华本体论思想、唯意志论观点导致认识上的直觉主义，使艺术家的天才和灵感升华为艺术创造的根本。弗洛伊德的潜意识学说中“无意识才是精神的真正实际”，以及柏格森、荣格、萨特等艺术家，不断地促使艺术走向创新。

现代艺术的特征：

现代艺术的特征在于打破艺术家、作品和观众之间的区别。主张艺术干预人类生活。深受现代社会文化影响又立足批判现实社会对人性的压抑，主要有以下特征：

批判性特征：从西方现代艺术的发展历程来看，强烈的批判精神与自觉的哲学反省，共同形成了西方现代艺术开放式的文化品格。破坏——创新——解构——重构的循环运动已成为现代艺术发展变化的内在动力。这种合逻辑、合理性、合规律、合人性的反叛态度与批判精神，使自我反省、自我批判、自我否定和自我清除的行为成为现代艺术创新发展的良性动力源，以求不断突破或跨越艺术创造极限

实验性特征：20世纪西方前卫艺术的最主要特征就在于它们的实验性。就绘画和雕塑而言，则是在多方位、多层次上自由地实验各种各样的观念计划和材料运用的可能性，探讨了诸如绘画艺术的纯形式语言、绘画以及表演艺术的界限、艺术与现成品的关系、艺术与非艺术的界限、艺术与其他视觉艺术（摄影、录像、电脑虚拟图像等）的关系、绘画形象与象征图像及语言符号的关系等问题。

前卫性特征：20世纪，现代艺术运动各种思潮与主义的最大特征就是脱离“老的”，寻求“新的”艺术样式，所以“前卫”的本质始终具有超前性。西方现代艺术但凡追求、探索，都具有前卫、先锋的含义。现代艺术使前卫具有了批判、超越、创造的性质与人格尊严的标准，它是一种勇气，更是一种智慧。

主观性特征：现代艺术使人们走出客观表现世界，而发现并进入一个无限的主观表现世界。现代艺术发生、发展、衍变的历程，即是人的主观不同因素、角度、层次的不同展示，也是人的自我发现、自我发展、自我肯定的过程。人的作用、价值、意义及光辉被重新认识。

性特征：现代艺术性标准不仅是一种态度，更是一种尊严；不仅是一种样式，更是一种价值。艺术产生于个人的想象力，在艺术发展中是独特而不可重复的，表明人对自身主体意识的宣扬与尊重，在作品中以张扬个性和自我为己任。

形式化特征：现代艺术追求视觉效果的纯粹性，通过形式的极端语言符号而提倡艺术形式本体的。20世纪艺术形式作为各种思潮和主义的载体，在历史长河中这一巨变时期，被人们演绎的五光十色，全然是形式符号统领的现代艺术发展史，“形式”被赋予了价值和功能。从这个角度说，现代艺术思潮也是纯形式主义的运动。

02、概述尼采思想主要内容。

答：尼采德国著名哲学家，唯意志论的主要代表。创立的权力意志说和超人哲学，提出“重新估价一切价值“的口号。他是反理性主义的典型，西方现代哲学的开创者，语言学家、文化评论家、诗人、作曲家、思想家。他的著作对于宗教、道德、现代文化、哲学、以及科学等领域提出了广泛的批判和讨论。他的写作风格独特，经常使用格言和悖论的技巧。尼采对于后代哲学的发展影响极大，尤其是在存在主义与后现代主义上。主要著作有：《权力意志》 《悲剧的诞生》《不合时宜的考察》《查拉图斯特拉如是说》《希腊悲剧时代的哲学》《论道德的谱系》等。尼采思想的主要内容：

权力意志：尼采从“权力意志说“出发，建立了西方伦理思想史上第一个非道德主义的理论体系，他认为人的一切行为和欲望都是由追求权力意志的本能支配的，无限追求权力是生命最基本的普遍法则，也是道德的最高目的和价值标准。他的伦理思想是反映正在形成的垄断资产阶级的愿望和利益，因而成为法西斯主义思想和暴行的理论基础。

重估一切价值：是尼采对道德、宗教和科学的批判。尼采认为道德是所有颓废者心理上的特质，是一种不断对生命采取敌视态度的欲望所激起的。他反对西方的教，将教看成是一种与生命相敌对的伦理。尼采对科学的批判是“重估一切价值“的主要部分，他对“科学“的理解比较古典，认为科学包括全部人类的知识体系，因此他对科学的批判也就是对整个人类知识或以往知识观的批判。

“上帝死了“思想的提出：丧失信仰后的焦虑与匆忙，人的机器化与社会的非精神化，思想文化上的贫乏与对过去的狂热追寻。导致了现代文明之下人们普遍的精神颓废。

超人学说：产生于对教的上帝和理性意义的传统形而上学的批判。超人是一个虚化的形象，我们只能从比喻和描述来捕捉他的踪影。超人指人的自我超越，给人的现实提供了价值目标。尼采超人哲学的主线就是要人自我超越要用于创造，人生的目的就是实现权力意志，扩张自我，成为驾驭一切的超人。超人是人生理想的象征，是尼采追求的理想目标和人生境界（人的自我超越）与强力意志的永恒轮回（世界的本质）等等。

酒神精神：他的美学思想受叔本华的影响。尼采提出希腊悲剧具有阿波罗和狄奥尼索斯两种精神，真正的悲剧精神就是用最大的痛苦去换取最高贵的人生。他认为科学与道德阻碍生活，艺术则发扬生活，肯定生活。提倡酒神精神，（生命本能，强力意志）和体现酒神精神的音乐艺术，建立艺术形而上学，赋予人的存在以审美价值。

03、论述弗洛伊德的基本思想。

答：弗洛伊德：奥地利人，心理学家、精神病医师、潜意识理论发展的里程碑式人物，精神分析学派创始人。其全部理论以性本能冲动为轴心，主张艺术是人的本能欲望即“无意识”的表现。提倡五大学说：无意识、婴儿性欲、恋母情结、抑制、转移。其学说是以无意识理论为基础，并且衍生出了精神层次理论、人格结构学说等。主要著作有《梦的解析》、《精神分析引论》等。弗洛伊德的基本思想是：

人的精神活动在不同的精神层次发生和进行，人的心理包括意识和无意识，无意识又可以划分为前意识和潜意识。前意识是指能够进入意识中的经验。潜意识则是指不能进入或很难进入意识中的经验。它包括原始的本能冲动和欲望，特别是性的欲望。存在于无意识中的性本能是人的心理的基本动力，是支配个人命运、决定社会发展的力量；

把人格区分为自我、本我和超我三个部分，其学说被西方哲学和人文学科各领域吸收和运用。

弗洛伊德认为，梦的本质是潜意识愿望的曲折表达，是被压抑的潜意识欲望伪装的、象征性的满足。他把梦分为“显梦”和“隐梦”两部分。显梦是指人们真正体验到的梦，隐梦则指梦的真正含义，即梦象征性表现的被压抑的潜意识欲望。对梦进行分析就是从显梦中破译出隐梦来。

04、论述“立体主义”的起源与特征，并举例说明。

答：立体主义的起源：立体主义是西方现代艺术史上的一个运动和流派，是20世纪最重要的先锋运动，对后来各种现代派艺术都产生过程度不同的影响。立体主义的出现是因为艺术受到了现代哲学、科学和机械工程学的刺激，也受到塞尚晚期绘画中抽象视觉分析的影响，还受到非洲面具造型的启发。不仅影响了西方20世纪绘画的发展，也有力地推进了西方建筑和设计艺术的革新。

1908年，法国画家布拉克参加巴黎秋季沙龙，遭遇到了评委会的拒绝，于是于当年的10月9日至28日，愤怒的布拉克在巴黎的卡恩韦勒尔画廊举办了一次个人画展，评论家沃塞列斯在报纸上发表：“布拉克轻视形态，将一切物体、风景、人物和房屋，都变成了几何图形和立方体”立体主义由此而得名。不久，立体主义便成为20世纪西方艺术史上一场气势恢宏的艺术运动和名称。

立体主义的特征：追求一种几何形体的美，追求形式的排列组合所产生的美感。艺术家否定了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法把三度空间的画面结合成平面的、两度空间的画面。明暗、光线、空气、氛围表现的趣味让位于直线、曲线所构成的轮廓，面块堆积与交错的趣味和情调。不从一个视点观察事物，把不同视点所观察和理解的形诉诸于画面，从而表现时空的连续性。不是依靠视觉经验和感性认知，而是依靠理性观念和思维。

例如：毕加索的油画《亚威农少女》，被认为是立体主义的开山之作。画中呈现五个少女，或坐或站，前面小方凳上有一掬葡萄水果。人物扭曲变形到几乎难以辨认，完全没有所谓体积和质感的表现，只有被粗硬的直线、微曲的弧线和色面切割成的画面，人们只能从中依稀认出五个女体的存在。这件具有划时代意义的作品是在塞尚的艺术观念以及黑人雕塑的造型手法的启发下创造出来的，但是毕加索在其中进行了更为大胆的尝试。他将空间和形体加以扭曲，画面中没有远近透视的空间感，形体是由一些明显的几何形构成的，他将塞尚所说的“将自然概括成圆球体，圆柱体“的认识方法直接在画面上表现出来。这件作品为20世纪现代主义艺术家所进行的“形式“提供了重要的观念上的启示和持续不断的动力。

05、以《青铜时代》与《地狱之门》论述罗丹雕塑的艺术价值。

答：罗丹，19世纪法国最有影响的雕塑家。他在很大程度上以纹理和造型表现他的作品，倾注以巨大的心理影响力，被认为是19世纪和20世纪初最伟大的现实主义雕塑艺术家。罗丹在欧洲雕塑史上的地位，正如诗人但丁在欧洲文学史上的地位，罗丹同他的两个学生马约尔和布德尔，被誉为欧洲雕刻”三大支柱”。他善于吸收一切优良传统，对于古希腊雕塑的优美生动及对比的手法，理解非常深刻，其作品架构了西方近代雕塑与现代雕塑之间的桥梁。罗丹是西方雕塑史上一位划时代的人物，欧洲两千多年来传统雕塑艺术的集大成者、20世纪新雕塑艺术的创造者。

《青铜时代》：罗丹依据真实人物塑造的男子裸体雕塑，手法写实，以”青铜时代”为题，象征人类的启蒙时代，现藏于法国卢森堡公园。

《地狱之门》： 1880年法国委托罗丹为即将动工的工艺美术馆的青铜大门作装饰雕刻，他想到佛罗伦萨洗礼堂的"天堂之门”，决定以但丁的《神曲·地狱篇》为主体，创作《地狱之门》，罗丹为地狱之门创作了数不清的各种雕像，其中包括《思想者》《三个影子》《吻》《亚当》《夏娃》等，地狱之门成为展示罗丹雕塑的大舞台。

06、为什么说印象派是现代美术的发端？举例说明。

答：1 9世纪后期，随着现代工业的发展，摄影技术出现，绘画的记录功能得到挑战，方向由写实走向表现，艺术家们宣称不再为谁服务，艺术为完善艺术而，与传统艺术价值观决裂了。印象派的出现是西方艺术划时代的里程碑，表现自然界丰富的瞬间即逝的光和色的变化，否定了客观事物的内在本质，反对造型严谨的传统，它试图摧毁三度空间中的三维实体，重新创造有限深度内的色彩形式，其理论延伸出了众多20世纪初发展起来的现代美术流派，所以说是是现代美术的发端。例如：

塞尚想要创造一种绝对的绘画，不再模仿客观事物，注入画家主观解释的永恒性的形体和坚实的结构，代表作《现代奥林匹亚》；

高更从强烈的主观出发，对客观事物获得的印象和感觉加以分析、综合，创造出一种突破时空制约的具有象征意义的绘画，代表作《布道后的幻想》；

毕加索为代表的立体派，认为绘画必须是画家的内在情感的外在图像，诞生了法国的野兽派和德国的表现派；

康定斯基认识到绘画是靠色彩，线条和形状主宰画面，创造了抽象绘画。

07、论述抽象主义绘画的主要特征。

答：抽象主义1910年前后产生。其作品往往具有反叛、无秩序的特点，对艺术的情感强度表达性较强，运用强烈色彩或单色，重视构图与色彩均衡，达到视觉和谐。

抽象绘画排斥具象主题，虽然根据内心的感觉、幻象描绘出来部分形象或主题，但并非写实性描绘。

提倡”非描绘性绘画”、”非主题绘画”，但实际上呈现出的面貌是多种多样的，主要可以概括为两类：

一类是依稀可以见到主题或物象，自由运用线条色块组合作为象征形式，表达一定精神世界的“抒情抽象”，或称“热抽象”，带浪漫主义倾向，代表是康定斯基、克利等。

另一类是以点、线、面、纯色等为基本元素，没有具体主题和对象的”几何抽象”，或称”冷抽象"，带有理论色彩实验倾向，代表是蒙德里安等。

无论是抒情抽象，还是几何抽象画家，大多受到印象主义、后印象主义及野兽派等现代绘画的交错影响，所以都非常注重色彩的强烈视觉表现力。强调用主观自由的形象和色彩，表达个人精神。

08、以《战争的预感》和《记忆的永恒》为例论述达利艺术的特征。

答：达利，著名的西班牙画家，因为其超现实主义作品而闻名。他是一位具有非凡才能和想像力的艺术家，他的作品把怪异梦境般的形象与卓越的绘图技术和受文艺复兴大师影响的绘画技巧令人惊奇地混合在一起。代表作：《战争的预感》、《记忆的永恒》等。

《战争的预感》这幅作品是一幅控诉罪恶战争的杰作，它作于1936年西班牙内乱之前。达利运用超现实主义的手法，以一个巨大的残缺的人体，象征受难的群众。是以写实的手法或近乎抽象的手法表现人的潜意识，呈现在观众面前的或是荒诞的情景，所有这一切都是以写实的手法画出来的，具有逼真的效果。表达了达利的反战主张。那个躯体是西班牙内战的象征，它既是牺牲品，也是侵略者。

《记忆的永恒》作于1931年，画面描绘三个停止行走的时钟被画成像柔软的面饼一样，一个叠挂在树枝上，一个呈90度直角耷拉在怪气的生物上，还有一个软表搭在怪物旁边的平台上。在荒凉的海湾背景下，像是一个时间已经绝对停止的世界。体现了达利早期的超现实主义典型画风，体现了一种由佛洛依德所揭示的个人梦境与幻想。达利以熟练的技巧精心刻画离奇的形象和细节，创造了一种引起幻觉的真实感。

受弗洛伊德精神分析学说的影响，他主张将自己内心世界的荒诞、怪异加入或替代外在的客观世界。在实际创作过程中，采用分解、综合、重叠和交错的方式以及细致逼真的具体写实手法，使他的作品机具神秘感和诱人魅力。

09、论述新艺术运动与现代设计的关系。

答：新艺术运动是19世纪末20世纪初在欧洲和美国产生并发展的一次影响面相当大的“装饰艺术“的运动，是一次内容广发的、设计上的形式主义运动，涉及十多个国家，从建筑、家具、平面设计到雕塑、绘画都受到影响，延续长达十余年，是设计史上一次非常重要的形式主义运动，这次运动实质上是英国“工艺美术运动“在欧洲的延续与传播，在思想理论上并没有超越“工艺美术运动“。新艺术运动主张艺术家从事产品设计，以此实现技术与艺术的统一。新艺术运动试图打破纯艺术和实用艺术之间的界限，内容几乎涉及所有的艺术领域，包括建筑、家具、服装、平面设计、书籍插图以及雕塑和绘画，而且和文学、音乐、戏剧及舞蹈都有关系。新艺术运动强调手工艺，但不反对工业化，完全放弃传统装饰风格，追求自然主义有机形态，开创全新的自然装饰风格，装饰上突出表现曲线和有机形态，装饰上受东方风格影响，尤其是浮世绘的影响，探索新材料和新技术带来的艺术表现的可能性。

现代设计在20世纪20年代前后兴起，它反对任何装饰的简单几何形式和功能主义倾向，重视设计的实用功能、新材料的应用。

新艺术运动在现代艺术中有着重要特性，因为它是反对学院主义传统历史风格的一次群众性的普遍的运动，影响主要包括遵循理性主义，但是就建筑而言最有特色的面貌表象在室内设计中。新艺术运动是西方设计史中的重要转型期，它不仅是工艺美术运动的延续也是对现代主义设计起到指引的作用，为二十世纪艺术及建筑的许多实验探索活动开辟了道路。新艺术运动是工艺美术到现代主义风格的桥梁和纽带有着承上启下的作用。

10、试论包豪斯的设计理念。

答：包豪斯，德国魏玛市的“公立包豪斯学校”的简称，后改称设计学院。它的成立标志着现代设计的诞生，对世界现代设计的发展产生了深远的影响，包豪斯也是世界上第一所完全为发展现代设计教育而建立的学院。

在格罗皮乌斯的指导下，这个学校在设计教学中贯彻一套新的方针、方法，逐渐形成一些特点：

在设计中提倡自由创造，反对模仿抄袭，墨守成规；

将手工艺与机器生产结合起来，利用手工艺技巧创作高质量的产品，并提供给工厂大批量生产；

强调基础训练，从现代抽象绘画和雕塑发展来的平面构成、立体构成和色彩构成成为包豪斯对现代工业设计做出的最大贡献；

在设计理论上，包豪斯提出了三个基本观点：艺术与技术的新统一；设计的目的是人而不是产品；设计必须遵循自然与客观的法则来进行。

11、论述“墨西哥壁画运动”的特征及其代表画家。

答：1910年，墨西哥爆发，但演变为一场内战，一直持续到了1920年，贯穿了整个20年代。在这期间，一大批墨西哥艺术家开始在公共场所创作大型壁画，想要借此来教育和激励民众，不断向他们灌输民族主义和社会主义的意识。这场运动因而被称为墨西哥壁画运动。墨西哥壁画巨大、色彩鲜艳，且处处体现墨西哥人丰富的想象力和民族特色。因此，墨西哥城无愧于“壁画之都”的美誉。

墨西哥壁画运动的特征：墨西哥壁画运动以复兴民族艺术为目的，以本土民俗、风景、历史、现实生活为主要描写对象，涉及社会矛盾、现实斗争，具有强烈的个性和时代特征。这些壁画既有强力的表现性，又有其装饰性，成为现代艺术史上影响深远的艺术创作活动。

代表代表画家：里维拉、奥罗斯科、西盖罗斯等。

里维拉平衡了壁画中的内容、形式与观念之间的关系，在形象刻画、色彩配置和空洞处理方面显出了高超的功力，并在此基础上进行了个性化的发展，形成立体主义、原始风格和前哥伦比亚雕塑相融合的绘画风格。

奥罗斯科的绘画具有纪念碑式的构图和更直接的现实形。

西盖罗斯的绘画更多的追求运动感，这种运动感随着画面的情调而变化，常以洒脱概括的笔触、奔腾流畅的色彩来捕捉他的灵感和激情。

12、试论波普艺术的起源，意义及主要艺术家。

答：20世纪50年代中期到60年代，欧洲艺术界出现的艺术运动都是对战后走向极盛的抽象表现主义艺术的反叛，新一代的艺术家们顺应时代变革发起了放荡的、跨界的、反叛正统的、以取乐为形式的艺术行为。波普艺术家在日常生活中寻觅自己创作的内容、题材和材料，随意运用一切材料与手段进行大胆的实验，藐视权威，公开叛逆，并努力用光怪陆离的方式去表现、展示它们，借以在公众中引起轰动效应。波普艺术的出现还来自美国特定社会中大众媒体、大众消费、大众文化思潮的强大推动力。1956年，团体举行了画展“此即明日”其中展出了理查德·汉密尔顿的一副拼贴画《我们今天的生活为什么如此不同、如此富有魅力》，成为现代美术史上公认的第一件波普艺术品，也成为“POP“的最早使用者。当波普艺术作为后工业社会的产物在英国发端后，很快就引起美国艺术家的主意。由于“POP“俚语性的标题容易记忆，所以被艺术家、评论家、媒体以及大众广为接受。

波普艺术是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动，试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题，其意义在于：

在波普艺术产生前，生活和艺术的界限是分明的，绘画和其他艺术很少发生联系。波普艺术的出现打破了这种格局，消解了高雅艺术和通俗艺术的区别，突破了现代主义以来新权威力量对艺术的控制，开拓了通俗、庸俗、大众化、功利性、游戏化等艺术创作的新途径。波普艺术针对抽象表现主义的问题，大胆的尝试新的材料、新的主题、新的形势，与60年代，轰轰烈烈的把现代都市生活带进了博物馆和画廊。

波普艺术冲破了原有绘画的界限与标准，商品形象或工业设计形象大量进入艺术创作中，对英国设计乃至后来国际上的设计风潮都产生了极大的影响，是由现代主义向后现代主义的转折中迈出的第一步。

波普艺术对于流行时尚有相当特别而且长久的影响，服装设计、平面设计师都直接或间接地从波普艺术中取得灵感。

波普艺术的影响力在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家，也开启了当代艺术全新思路。从某种程度上讲，波普艺术是由美国的大力推广而影响了全世界。

代表人物：安迪·沃霍尔被誉为20世纪艺术界最有名的人物之一，是波普艺术的倡导者和领袖，也是对波普艺术影响最大的艺术家。他大胆尝试凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技术、照片投影等各种复制技法。沃霍尔除了是波普艺术的领袖人物，他还是电影制片人、作家、摇滚乐作曲者、出版商，是纽约社交界、艺术界大红大紫的明星式艺术家。代表作有《玛丽莲·梦露》、《金宝罐头汤》。

13、论述赖特建筑理论及其代表作《流水别墅》的艺术价值。

答：赖特，被誉为20 世纪美国最为伟大的现代主义建筑师。赖特的建筑思想可以分为两大部分: 早期草原式建筑理论和晚期有机建筑理论，后者是前者的逻辑发展：

草原式建筑：注重环境与建筑的关系，形成和谐的整体空间；注意室内空间的舒展、自由，被分割的小空间相互流动，可以自由开合；适当保留自然材料，以取得室内外环境的协调；室内陈设偏于低层布局。天花板较低，并略有倾斜，室内有亲和感和安全感。

有机建筑：建筑是自然的，真实的。设计要自内而外地进行，要突出建筑形象的内涵，要于周围环境密切结合，要表现材料本身的质感。总之，建筑的结构、材料、建筑的方法融为一体，合成一个为人类服务的有机整体。因此，他反复强调的有机设计其实就是指的这个综合性、功能主义的含义。赖特信仰真、纯、诚、朴的设计艺术理念，认为“土生土长是所有艺术和文化必要的领域”。

流水别墅是现代建筑的杰作之一，是赖特为卡夫曼家族设计的别墅，位于美国匹兹堡市郊区的熊溪河畔。在瀑布之上，赖特实现了“方山之宅”的梦想，在这儿自然和人悠然共存，呈现了天人合一的最高境界。其艺术价值在于：

建筑造型和内部空间达到了伟大艺术品的沉稳、坚定的效果，堪称典范。内部空间自由延伸，相互穿插，内外空间互相交融，浑然一体。在空间的处理、体量的组合及与环境的结合上均取得了极大的成功，为有机建筑理论作了确切的注释，在现代建筑历史上占有重要地位。

浓缩了赖特独自主张的“有机”设计哲学，对应于“溪流音乐”的“石崖的延伸”的形状，流水别墅名副其实，成为一种以建筑词汇再现自然环境的抽象表达，一个既具空间维度又有时间维度的具体实例。

提出房屋应该是地面上一个基本的和谐的要素，从属于自然环境，崇尚自然的建筑观。

是活的有机的建筑，属于美国建筑文化。

技术为艺术服务，表现材料的本性，连续运动空间，有特性和诗意的形式。

根据建筑各自特有的客观条件，形成一个理念，把这个理念由内到外，贯穿于建筑的每一个局部，使每一个局部都互相关联，成为整体不可分割的组成部分。

建筑与大自然和谐，力图把室内空间向外伸展，把大自然景色引进室内。

14、为什么说塞尚是现代艺术之父？并举例说明。

答：塞尚，法国著名画家，是后期印象派的主将，作为现代艺术的先驱，西方现代画家称他为“现代艺术之父”、“造型之父”或“现代绘画之父”。其作品有《现代奥林匹亚》、《有苹果和橘子的静物》、《穿红背心的少年》、《从贝雷沃看圣维克多火山》等， 影响广泛。

如果说印象派画家的作品是将轮廓线变得模糊的话，塞尚则是重新恢复或者说是重新建立起轮廓线。他十分注重表现物象的结实感和画面的深度，物象的体量感在绘画中重新占有统治地位，这种体量感不是靠线条表现出来的，而是靠作者自由组合的色彩块面表现出来的。他从印象派的观念出发，使画面色彩结构达到逻辑程度，通过冷暖的完美对比，色彩与笔触衔接与转换，使画面中形、光、色达到完美的和谐，形式感、整体感很强，色彩单纯而强烈，笔法稳健，结构粗犷，画面坚实有力。可以说，他更超越了其他印象派画家忠于客观对象的自然表现，从表现物象的外表进入到表现深层的物象本质。

塞尚不再以摹写自然的表象为己任，而是致力于表现艺术家自身对自然真实性的认识和理解。文艺复兴以来的传统艺术家们运用透视画法追求再现自然的真实面貌，塞尚却发现“透视画法不能胜任‘再现’，它所给人的只是一种空间的幻觉”；要运用‘圆柱体、球体、圆锥体以及任何视点适当的形体’来处理自然。”他打破了所有既定表现手法，把对自然对象的研究作为自己终身的课题，提出“立体主义”观念，把世间万物视为几何体的构成，从形式的角度清理感觉中的混乱，用几何形体处理自然物象。他力图打破单一的时间观念和视点，有适当的透视，并有多个视点，在平面上体现出具有永恒结构特征的图像。塞尚希望将立体感的古典主义绘画和充满自然界真实光影效果的印象派绘画相结合，表现自己对于自然真实的理解，他在追求物体体积感和重视色彩视觉真实性的过程中，突破了400年的绘画艺术传统的，从此便打开了艺术探索的禁区，使后来的现代艺术得以沿着这条道路走下去。

塞尚创作于15年的《静物》是表现塞尚绘画特点的一个典型的例子。在画面中“果盆画得那样粗陋，盆腿甚至不在。桌子不仅从左向右倾斜，而且看起来还向前倒。荷兰大师是以柔软的、毛绒绒的表面取胜的，而塞尚却给予我们一片色块，使桌上的布巾像是用锡箔做成的。初看之下，塞尚的绘画很像是可怜的涂鸦”。塞尚则是要解决某些特定的难题，类似苹果这样的色彩明快的圆形物有助于他探索色彩和塑造形体的关系，他之所以把盘子拉到左边是要获得构图的均衡，为了使桌子上所有的东西都一目了然，他索性使之向前倾斜。展现出全新的艺术观念与境界。

塞尚是用“色彩造型”、“艺术变形”和“几何构成方式”的艺术贡献，从根本上改变了人们传统的艺术观念，展现出全新的艺术观念与境界，为未来画家尝试和发明新的画法提供了可能性，对现代绘画产生了直接而巨大的影响，塞尚不仅引出了立体主义， 现代诸形式流派都受到他的结构观念的启发， 被称为“现代绘画之父”。

15、论述“超级现实主义”和“超现实主义”的区别，并举例说明。

答：超级现实主义是20世纪60年代后期在美国兴起的艺术流派，认为应该排除画家的主观意念，做到纯粹的客观真实，像摄影那样再现物象，又称之为“照相写实主义“。超级现实主义的画家常取材城市风光和农村景色，也有专门从事肖像画创作。例如，克洛斯，美国超级写实主义画家，以人物肖像作为创作题材。他的肖像完全是照片的复制，不光是细致精确到极点，而且尺度非常大。代表作《约翰像》

超现实主义第一次世界大战后在法国兴起，源于达达主义，对视觉艺术影响深远，超现实主义创作多以幻想为主，波及散文、小说、戏剧、绘画、设计等多领域，形成超现实主义美动。深受弗洛伊德潜意识理论的影响，致力于探索人类的先验层面，试图突破符合逻辑与实际的现实观念，把现实观念与本能、潜意识和梦的经验相糅合，以达到一种绝对的和超现实的情境，这种不受理性和道德观念束缚的美学观念，促使艺术家们用不同的手法来表现原始的冲动，促使自由意象的释放。

综上所诉，可以看出超现实主义与超级现实主义的不同之处在于：

在题材、内容上：超现实主义的创作通常将现实生活中不相干的事物偶然地组合在一起，呈现为一种超现实的幻像，试图以此表现人的潜意识、梦幻和深层的欲望；超级现实主义的创作通常选取日常生活中普通人，如学生、旅行者、超级市场的顾客、流浪汉等，加以客观真实地表现，以求作品获取最大的接受范围。

在理论来源上：超现实主义受到弗洛伊德的精神分析学和柏格森的直觉哲学的深刻影响；而超级现实主义主要是利用现代光学技术——摄影的成果，对事物做客观的、冷静的反映。

在手法上：超现实主义除了使用写实，还往往使用象征、暗示、抽象等，此外还运用拓印法、黏贴法、自动性技法等特殊的表现技法来创作，以表现潜意识世界和超现实世界的幻像；超级现实主义崇尚光学摄影那样的的纯客观地、真实地反映事物，以达到“逼真”、“酷似”的效果，绘画所绘对象尺幅巨大，注重表现生理细节，例如面部汗毛孔都予以逼真的再现。

在绘画方面：超现实主义所要解决的是“画什么”的问题，而超级现实主义要解决的是绘画语言问题，即“怎样画”的问题；在怎样画的问题上超现实主义画家是相当自然主义的，他们的画具有“真实的荒诞”的趣味。

例如：克洛斯以人物肖像作为创作题材，他的肖像完全是照片的复制，不光是细致精确到极点，而且尺度非常大。其作品《约翰像》是超级现实主义的代表作之一。达利早期的超现实主义代表作《记忆的永恒》变现了一种“由佛洛依德所揭示的个人梦境与幻想”，达利以熟练的技巧精心刻画离奇的形象和细节，创造了一种引起幻觉的真实感，是超现实主义绘画的典型作品。

16、试论抽象表现主义特征以及波洛克的艺术风格。

答：“抽象表现主义“又被称为“纽约画派”是二战后西方艺术的第一个重要的运动。纵观战后所有的艺术风格，抽象表现主义享有的地位无与伦比。它是战后各种新艺术实验的开端，它的兴起标志着西方现代艺术的中心从巴黎转移到纽约。艺术家大致可以分为行动派和“大色域绘画“（硬边艺术）两种分类。继承欧洲立体，抽象，表现主义艺术传统的基础上吸收了中国书法艺术的表现手法，形成一种创新思潮。抽象表现主义与二战前欧洲传统的艺术相比，具有强烈的美国特征。是美国艺术运动的精髓。标志着美国艺术有史以来的第一个高峰。

抽象表现主义在1919年第一次用来描写康定斯基的绘画风格。抽象表现主义是指一种结合了抽象形式和表现主义画家情感价值取向的非写实性绘画风格。抽象表现主义发展于20世纪40年代中期的纽约，蓬勃于20世纪50年代，为纽约画派领导下的时代风潮，是第一个由美国兴起的艺术运动，作品以抽象的形式表达和激起人的情感，是集表现主义、抽象主义和超现实主义之大成的流派，也是二战后西方艺术的第一个重要运动，标志着一个新的时代的到来，此后，西方现代艺术中心从巴黎转向纽约。

抽象表现主义重视个性、强调创作者行动的自由性、自动性和无目的性，把创作行为本身提到重要的位置，孕育着创作者的行动作为艺术传播媒介的因素。抽象表现主义画风多半大胆粗犷、尖锐且尺幅巨大。画作色彩强烈，并经常出现偶然效果，例如让油彩自然流淌而不加以。

波洛克，美国画家，抽象表现主义大师，被公认为是美国现代绘画摆脱欧洲标准，在国际艺坛建立领导地位的第一功臣。20世纪美国抽象绘画奠基人之一，他的艺术被视为二战后新美国绘画的象征。认为现代艺术家不应当再像传统艺术家那样追求再现，而应该关注内在精神和情感的表达。绘画作品成为画家由感情所支配的行为的直接记录。其创作不做事先规划，作画没有固定位置，喜欢在画布周围随意走动，以反复的无意识的动作完成复杂难辨，线条错乱的网，人称“行为绘画”。“满幅”的构图风格，构图设计没有中心，结构无法辨识，具有鲜明的表现主义风格，代表作《壁画》《天国马车的辙印》。

17、试论战后欧洲艺术和美国艺术的特点。

答：战后的艺术理论和艺术思潮共同表达了战后这个特殊历史时期对人的存在，对价值的重估，对人的尊严和自由的重建的本质要求，雕塑、建筑、设计等领域里传统与现代的碰撞与反思，也是艺术世界性、民族性融合和妥协发展的一个侧影。美国以抽象表现主义、欧洲以非具象艺术为代表，并行发展，各自相对。

战后的欧洲对海外霸权地位的丧失，随着政治、经济实力的衰退，欧洲文化的主导地位不复存在，巴黎失去了世界艺术中心的地位。战后欧洲的部分艺术家认为必须重新创造他们的虚无艺术，自觉关注人类的生存状况。青年艺术家躁动的新思潮反映了欧洲对价值体系的全面重估。新兴艺术家们如汉斯·哈通、沃尔斯都强调艺术家本人的自我展现，反对具体对象参照和民族传统形象，共同反对传统的几何抽象和学院派设计。

二战前后，大批知识分子和艺术家因政治或种族来到美国避难，为美国带来两种主要的艺术思潮：以蒙德里安、包豪斯派为代表的抽象倾向和以达利为代表的超现实主义，美国以开放的态度对二者兼容并蓄。纽约成为世界艺术中心。美国现代艺术领导西方世界的标志是1950年代抽象表现主义的崛起。

第二次世界大战波及范围之广和美国突然全面卷入，促使美国与欧洲及世界其它地方联系急剧变化。而法国的陷落严重削弱了巴黎长期以来世界艺术之都的地位。欧洲原有的那些艺术团体，在战争中土崩瓦解，许多艺术家纷纷逃亡美国，尤其是其中的超现实主义者，彻底改变了美国艺术以往的孤立状态。欧洲超现实主义流入美国，从此美国艺术家信念中依靠自己感情和思想的倾向得到加强，美国艺术家不再单纯是从外国输入观念，而是也开始输出观念。到战争末期，在纽约出现了一个生气勃勃的、的画派，既具有国际影响，又表现出美国自己的特性。

第二次世界大战使欧洲艺术界受到严重破坏，作品被毁，艺术家纷纷逃亡，艺术团体完全散伙。虽然战争末期许多艺术家重返巴黎，但一时很难重振昔日盛况。战后的欧洲一代艺术家所面对的是战争的破坏后果，他们既目睹过去艺术秩序的毁灭，同时又接触到了前所未闻的外来艺术家和外来思想观念。因此，他们的思想来源可以分为两个方面：一方面是传统上认可的价值和对这种价值根深蒂固的尊重，即使受到战后幻灭感和变革精神的严重挑战也不会动摇；另一方面是来自战后美国的易为人接受的新思想。

由于欧洲艺术家处在有悠久传统的文化环境中，所以备受各种思想的熏陶，其中最重要的是战后法国的存在主义。欧洲的艺术家，特别是法国的，他们的理论更注重把形象转化为精神概念，这是一种建立在文学价值和古典教育背景之上的理性化意识。他们更清楚地意识到必须首先从自己民族传统和以往大师的卵翼下挣脱出来，因此他们比美国人更有表达对传统反叛的意向。

虽然美国和欧洲艺术家各有不同，但他们有一个共同的倾向，就是抽象和反传统。直到1960年，在欧美，甚至日本，占主导地位的仍然是抽象艺术和反传统意识。可以说，战后西方艺术起始于美国的抽象表现主义。

18、试论战后现代主义建筑思潮和“密斯风格”的特征。

答：二战后的现代主义建筑思潮讲究建筑要有新功能、新技术、新形式，承认建筑具有艺术和技术的双重性，提倡两者结合，认为建筑设计是空间的设计及表现，反对外加装饰。现代主义建筑思潮的特征有：

强调建筑的功能：以功能为设计的出发点，讲究设计的科学性，注重设计实施的方便、舒适和效率。

主张新型材料的应用：注重材料的特征和建筑结构相适应，并通过设计来发挥这些特性。设计师用钢铁、水泥、平板玻璃取代了传统的木材、石料和砖瓦。

突出建筑设计的经济原则：在建筑方式上采用拼装式的革新手段，以最低的投资达到最高程度的完满性，使建筑设计成为面向大众，而不是少数权贵的活动。

为了有效控制造价反对任何装饰，主张建筑的目的内容和形式相同。

在设计上，空间的考虑是最重要的：设计应该通过模型来进行空间考虑，以避免形式主义带来的各种弊端。

建筑设计的基础，是科学性和逻辑性，而不是视觉美的装饰性，特别强调整体设计。

密斯风格又称“简素主义”“纯净主义“由著名建筑师密斯·凡·德·罗提倡的，40年代末到60年代盛行于美国的一种建筑设计倾向，主要特征就是：以“少就是多“为理论根据，以“全面空间”“纯净形式“和“模数构图“为特征的设计方法与手法，其设计原则是“功能服从空间“。密斯的设计思想是先结构、后形式，先空间、后功能，讲求条理。

19、试论杜尚的艺术观念，并举例说明。

答：杜尚，法国艺术家，二十世纪实验艺术的先锋，达达主义和超现实主义的代表人物和创始人之一。他的出现改变了西方现代艺术的进程，将现成品视为美术作品的观念对世界现代美术产生了重大影响，主张“一切都是艺术“。第二次世界大战之后的西方艺术，主要是沿着杜尚的思想轨迹行进的。

1917年，杜尚把自己从商店买来的男用小便池起名为《泉》，并送到纽约艺术家协会举办的展览上，这成为现代艺术史上里程碑式的事件，它质疑了何为艺术品的传统艺术观念。通过这件戏谑的作品，杜尚向传统的艺术观念发起了尖刻的挑战。《泉》也成了西方美术史中第一件完全利用现成品的“装置“作品。现成品从此进入艺术的领域，改变了以往只有画画、雕塑、或其他富含手工技艺的东西才能被视为艺术的观念。成了艺术史上的一个转折点和里程碑。

20、试论西方后现代艺术的基本特征。

答：20世纪60年代以来，西方世界出现了许多新的现象，这些有别于现代主义的新现象被评论家称为“后现代主义”这些是继现代主义之后出现的一个新的历史阶段。后现代主义艺术是在现代主义的基础上发展而来的，他是对因强调纯艺术以及艺术不断的反叛行为而导致的一系列问题的思考，一起在对现实主义的怀疑、反思中开始的新思索与实践。后现代主义艺术在思维方式、表现手段、审美取向等方面较之过去的艺术都存在很多差异。艺术呈现出多元、交融、综合、折中及不确定性等特征，具体表现如下：

在文化方面：它是大众、流行、消费文化的体现，是对所谓主流美术思潮的质疑，对少数民族及边缘艺术的关注，是多元的、折中的。

在审美趣味方面：她抛弃了现代主义的“精英主义”打破美与丑、雅与俗的界限。在表现手法上：它带有科技化、哲理化特征，创作的过程非常注重观众的参与，倡导艺术与观众互动，主张动态变化的模式。

艺术创作自觉地朝商品化、通俗化的方向迈进，打破了艺术与非艺术、虚构与事实的界限，把艺术变得更加日常化。后现代主义美术思潮不是一个具体的艺术流派，而是一种文化艺术的倾向。

21、现代主义美术为什么不能取代现实主义美术？

答：现实主义又称“写实主义”在艺术上指对自然或生活做准确、详尽和不加修饰的描述。现实主义摒弃理想化的想像，而主张细密观察事物的外表，据实摹写，它包含了不同文明中的许多艺术思潮。广义现实主义，泛指文学艺术对自然的忠诚，最初源于西方最古老的文学理论，作品的逼真性成为判断作品成功与否的准则。而狭义的现实主义，是一个历史性概念，特指发生在十九世纪起源于法国的现实主义运动。

现实主义美术强调个性表现、主张创作自由、重视想像和感情的美术，以现实的、具体的、变化中的人的精神世界及生活遭遇为描写对象，从人与周围环境的关系中探讨人生底蕴，进行真实的审美反映。现实主义美术在内容上是关注现实和人生的，创作手法写实、以表现社会矛盾为主题，作品具有真实性。

现代主义艺术，是20世纪上半叶发生于欧美近半个世纪的一次影响巨大的艺术运动，各种新思潮不断涌现，出现了许多全新的艺术概念，影响范围涉及广泛，包括哲学、心理学、美学、文学、音乐等领域，几乎涉及意识形态的所有范畴。开创了艺术形式表现与主观表现两个发展方向，完全摆脱了客观再现的传统艺术形式。 现代主义源流可以追溯到法国的印象主义，是区别于传统的，带有前卫和先锋色彩的各种艺术思潮和流派的总称。主要包括了野兽主义、表现主义、立体主义、未来主义、抽象主义、达达主义、超现实主义、巴黎画派、抽象表现主义、极少主义等。艺术家们提出“艺术语言自身的价值”“绘画摆脱对文学、历史的依赖”“为艺术而艺术“等观念。

现代美术绘画风格首先是在法国野兽主义画家们的作品中出现的。更强调个性，强调人性，反对机械工业文明对人性的压抑。它的主要特征是反传统和反理性，重视艺术家内心的“自我感受”和“自我表现”，是现代主义美术体系的理论基础。

现代主义美术比起以写实和模仿为基础的传统美术来，具有象征性、表现性和抽象性的特点。现实主义与现代主义是当代文艺思潮的二大派别，他们都是各自历史时期的一个思潮一个创作手法，它们互相对立又互相补充，共同推动世界美术发展的繁荣。尽管现实主义在本世纪受到现代主义的猛烈冲击，尽管它的内部产生了复杂的派系，尽管现实主义画家受到了机械唯物主义和庸俗社会学的影响，但它仍然广泛而深刻地反映现实生活并不断充实和丰富着自己绘画的表现语言。现实主义艺术有辉煌的历史，也有强劲的生命力，因为不断发展的社会现实给艺术家以新的灵感和创作源泉，艺术家们也会从更高的起点观察研究和表现，赋予自己作品时代的和个性的特色。现实主义的美术内容贴近生活，语言通俗易懂，是有旺盛生命力和光明前途的。现实主义是包容和开放的体系，这个体系会随着时代的变革、发展而发生变化，也会在与异己的体系的交锋中不断完善自己，也在不断演变和发展种向更高级阶段迈进。在未来的发展中，现代美术和现实主义美术也肯定是你中有我我中有你，相互对立又相互补充，所以，现代美术不可能取代现实主义美术。

22、论述你最喜欢的一位西方现代艺术家的作品及艺术思想。

答：梵高，荷兰后印象派画家，是后印象主义的先驱，深深影响了20世纪的艺术，尤其是野兽派与表现主义。画面色彩强烈，色调明亮，追求线条和色彩自身的表现力，追求画面平面感、装饰性和寓意性。

高对精神冲突和心理运动的本质把握表现在色彩的应用上， 他认为绘画要更多地从现实离开，而来创造色彩音乐。其色彩不仅有很强的表现性（如用对比强烈的色彩），还通过冷暖、补色、同类色的对比达到一种强化了自身和谐，并且带有明显的示意性。他用红绿对比来表现人的矛盾而疯狂的情绪冲突，用补色混合表现充满神秘颤动。他运用旋转、扭曲、不断变化笔触的色线更有一种情绪的释放和强烈的表现方式，如《向日葵》、《阿尔的卧室》、《星夜咖啡屋》，使他成为现代艺术中表现主义的先驱。

《阿尔的卧室》是梵高在阿尔时初病之后完成的杰作之一。梵高的色彩表现不仅有很强的表现性， 如用对比强烈的色彩， 并通过冷暖、补色、同类色的对比达到一种强化了自身和谐， 并且带有明显的示意性。画面用光亮明快的黄色进行装饰，在黄色的带动下，梵高的作品上的色彩在明度与纯度对比都是十分显著的，从而产生了光亮明快的装饰美。用柠檬黄与深蓝大色块的对比进行装饰，使画面呈现热烈气氛。

23、以新媒体艺术为例，论述艺术与科技发展的关系。

答：新媒体艺术不同于现成品艺术、装置艺术、身体艺术、大地艺术等现代艺术。新媒体艺术是一种以光学媒介和电子媒介为基本语言的新艺术学科门类，它建立在数字技术的核心基础上，亦称数码艺术。其表现手段主要为电脑图像。新媒体艺术的范畴具有“与时俱进“的确定性，眼下它主要是指那些利用录象、计算机、网络、数字技术等最新科技成果作为创作媒介的艺术品。新媒体艺术已经在不经意中，深入到当代艺术的各个领域中。

新媒体艺术是科学与艺术的交叉融合。科学技术为艺术品的产生提供了物质基础，艺术的进步能够赋予科技以文化价值与审美价值。 艺术和科学虽然是两个不同的概念，但是他们之间的关系不是对立而是互补的。科学技术在一定意义上影响并促进了艺术的生成和发展：

科技发展对艺术进步有推动作用。科技的发展推动着艺术的进程，人类的每一次技术进步都会带来艺术上的巨大变革。放弃科学等于失去真正的艺术。 科学领域的重大发现对传统艺术观念产生了巨大而深刻的影响甚至危机。 人体解剖学的研究，为素描、雕塑提供了重要的创作理论和参考。

几何与透视学的发展，为绘画提供了符合人体视觉原理的透视理论。

颜料化学的进步，为油画家提供了明亮而富有层次的颜色表现空间。

光学原理研究的进一步发展，使印象派画家遵循光的原理，分析和组织无相的各种色彩关系。

摄影术的发明对架上绘画造成了巨大冲击，但给艺术带来了新的表现形式和空间。

20世纪以来，科学对艺术的影响更加强烈，数字技术的发展为艺术创造了更广阔的表现空间，新媒体艺术也由此产生并迅猛发展。这一切都体现着科技对于艺术的重要推动作用。为艺术创造了前所未有的文化环境和传播手段，为艺术提供了更广阔的天地。

先进的科学技术不仅影响了艺术家的艺术创作思维，而且还为艺术的发展提供了新方法、新材料和新的表达形式，创造了前代艺术所不具有的新的物质条件。艺术与技术、美学与科技相互结合与相互渗透。

艺术对科技有反作用：人类对于艺术美的追求，往往是科学创造的前奏。艺术能够激发科学探索的激情和动力，艺术的思维方式可以为科学的思维提供创造灵感。艺术的挑战促进科学更快进步。

所以说，没有艺术，科学会变得毫无生趣，没有科学，艺术将变得无所依托。因此，艺术与科学互为条件，相辅相成。

24、论述你对波伊斯“人人都是艺术家”观点的理解。

答：博伊斯，德国著名的行为艺术家，被认为是20世纪70、80年代欧洲美术世界中的最有影响的人物，其作品包括各种雕塑、行为艺术。信奉人人都是艺术家。他把艺术与社会联系到一起，认为没有谁是艺术家，没有谁不是艺术家。

“人人都是艺术家”这样一种说法并不是全然抹杀了艺术与非艺术的区别，也不是一种乌托邦的艺术社会理想，而是说每个人身上都有艺术家的素质。从他的代表作《如何向一只死兔子解释绘画》、《给卡塞尔的7000棵橡树》等可以发现，他的作品已成为哲学的实践，强调人与自然的深层关系，以及每个个体必须身体力行，以超越那些远离自然的力量。他用自己的艺术实践为大众提供一种可操作、可实践的艺术样式，当你艺术地对待生活时，你就是艺术家了。博伊斯的作品是艺术对日常生活的介入与思考，他认为艺术不只是艺术家的作品，每个人以充满生命力的态度思考，拥有自由自在的创造力与想象力，就都是艺术家。自由，等于创作，等于人类，生活本身就是创作的表現，创作也是人类存在的唯一可感形式。 将纯属个人的命运和创意，扩展到一种关系到社会责任的共生关系，并努力将纯属艺术家的象征符号予以社会化、展示化、成为一种公众创意下的社会思考。

25、论述德国新表现主义绘画的主要代表艺术家及其作品。

答："新表现主义"是上个世纪70年代末80年代初兴起于德国的一个新的艺术流派，并迅速发展成为当代德国的绘画主流。由于这类绘画作品呈现出鲜明的表现主义绘画特征，所以被冠以新表现主义的称谓。德国新表现主义是德国文化的呈现，秉承的使命是发掘原始的、精神性的图像意义。说明纯客观、与现代机械文明相结合的、试图打破生活与艺术之间隔阂的后现代主义艺术思潮和现象，在人民大众和文化界中收到的批评和质疑越来越多，艺术出现了回归传统的趋势。在理论上接受存在主义的哲学观念，在实践中学习抽象表现主义的艺术传统，讲究绘画过程的情感突发和即兴处理，追求一种粗犷的、原始主义的简单踊跃的美学风格，竭力主张还绘画以本来面目，注重绘画性、探索内容、色彩、形式的自我语言。他们的作品主要表现缅怀民族传统的抑郁情境和反思战败历史的悲怆心态，有的作品鞭挞社会的丑恶现象，有的作品则嘲笑自己的。

主要代表艺术家及其作品：

巴塞利兹：新表现主义重要代表之一，他发展出一种颇具表现性的人物画风格，重现传说中的英雄人物和神话故事中的人物。巴塞利兹对绘画的纯粹图像因素感兴趣，有意忽视叙事性和象征性。从上个世纪60年代中期开始，别出心裁地将倒立的人设置成作品画面中的典型场景，开始了头朝下的绘画主题，这个鲜明嘲讽的态度明显是为了获得更多的创作自由。巴塞利兹认为绘画是理性的，他坚持强调作品的形式特征，即绘画作品的个性。他的作品尺幅很大，代表作《油画组合》。

伊门多夫：1977年开始架上绘画的创作，作品充满社会意识和政治理想。伊门多夫的作品强调感性与知性，在技巧上继承了德国传统表现主义、野兽派的粗粝风格，画面拥有大容量信息，既有强烈的暴力与社会现状的描述，也有叙事性的不安与紧张情绪的宣泄。抽象变形的条块、强有力的造型、直接了当的符号，这些都融入画面，强化了表达的力度。伊门多夫有敏锐的政治触觉，他的绘画经常出现德国历史上发生的诸多政治和文化事件。战争与民族的都是他用以揭发社会阴暗面的触角。他认为“艺术家应该是文化的舌头“代表作《咖啡馆德国》系列。

吕佩尔兹：德国画家、雕塑家和诗人，被称为德国新绘画的具象之父。变化多端和强烈的视觉冲击力是他的艺术特征，他擅长用蓝色、绿色、黑色构建庄严而凝重的画面形象，营造出别致的后现代氛围。纳粹的一些标志和象征常常被他置于自己的作品里，钢盔、谷穗、鹿角、军帽等素材最受到他的青睐，强劲的线条描绘的标志性形象汇聚一起，让主体变得晦涩隐喻。代表作《军帽》《头像》等。

26、举例论述“未来主义”产生的时代背景及其在现代艺术史上的意义。

答：未来主义，1909年产生于意大利，第一次世界大战期间传布于欧洲各国。未来主义不是一个单纯的美术运动，而是广泛涉及政治、经济、文化乃自社会生活的一场关键性。未来主义艺术家们认为传统艺术已经死亡，主张创建能与机器时代生活节奏相合拍的全新艺术形式，讴歌工业文明，追求运动和变化，强烈的表现速度、力量带来的动态美。未来主义运用立体主义分解物体的方法，激发情绪，力图表现运动、速度，同时借鉴新印象主义的点彩手法和波浪线来描绘迅疾运动中形体的重叠、连续的层次。最后的艺术有着深远影响。代表画家：巴拉《栓着皮带奔跑的狗》、波丘尼《城市的崛起》。

未来主义产生的时代背景：

20世纪工业技术飞速发展，使客观世界发生根本变化。新时代的特征是机器、技术以及与之相适应的速度、力量和竞争。未来主义理论反映了一群意大利年轻的美术家要求创新的强烈愿望，是意大利民族主义情绪高涨的情况下出现的，在反映意大利民族自我觉醒和自我奋起情绪的同时，反映了这个民族青年知识分子在历史转折时期的彷徨、不稳定、虚无和偏激的弱点。

在现代艺术史上的意义：

未来主义受到现在工业和科技的鼓舞，要求艺术创新，创造出了反映工业时代的艺术作品和美学思想，对20世纪其他文艺思潮产生了重要影响，包括构成主义、超现实主义、现代主义设计以及漩涡主义画派等。

未来主义对年轻、速度、力量和技术的偏爱至今仍在很多现代多媒体数字艺术和其他影视作品中得以体现。比如马里内蒂的“人体金属化“的艺术主张在影片中的发展。

网络设计中的“计算机朋克“也是在未来主义的影响下出现的。

其对现代运动的贡献是重要的和有决定性作用的，促进了大家对我们时代的典型事物的一种新的感受，如对机械的感受。促进了大家对现代人最切身的事物的感受，如对速度的感受。

27、以莫罗、勃克林的作品为例论述“象征主义”绘画。

答：莫罗：法国象征主义画家，融学院写实技巧与象征手法为一体，注重笔触和厚涂色彩的美，注重形式感。《俄狄浦斯和斯芬克斯》强调斯芬克斯娇美面容与恐怖兽身之间对比喻意：女人即诱人又残忍，带有象征性神秘意味。

勃克林：瑞士象征主义画家，对20世纪的超现实主义画派有很大的影响。《死亡之岛》以表现死亡为主题，作品情感充满恐怖色彩，创作灵感来源于梦境，渲染生与死的对立，传统画法中隐含现代人的思想情感。为俄罗斯作曲家拉赫马尼诺夫提供了灵感，使其成做了交响乐《死岛》。这些作品脱离现实，但从另一侧面反应对社会不满，感到无出路的世纪末精神状态。

象征主义：19世纪末欧洲出现了象征主义艺术思潮，强调艺术家的主观创造。此派画家多用象征、比喻手法表达自己的感情与想象，许多作品表现幻想与梦境，甚至描绘黑夜与死亡，具有神秘主义色彩。这些作品脱离现实，但从另一侧面反应当时欧洲部分知识分子对社会不满，感到无出路的世纪末精神状态。

28、论述毕加索几个主要创作时期及代表作。

答：毕加索，西班牙著名画家、雕塑家，现代艺术创始人，西方现代派绘画的主要代表，20世纪立体主义的代表。他最大贡献是艺术风格和手法方面永无止境的开拓与探索。除绘画外还在陶瓷，雕塑等领域也有相当的成就和建树。毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用，毕加索所追求的是在画中建立一种新的空间与形体的逻辑关系。通过对形体的分解与重构，消解了古典主义的形体观。他的艺术分期：

18-1900童年时期：毕加索完成第一件油画作品《斗牛士》，油画作品《科学与慈善》获马德里全国美展荣誉奖，后来又在马拉加得到金牌奖。

1900-1905蓝色时期、玫瑰时期：毕加索来到巴黎，是他人生的低潮，也是他对现实生活关注的时期，第一次形成自己的风格，蓝色主宰了他一切作品，加强了忧郁和悲哀的气氛。代表作《熨烫衣服的人》《两姐妹》；之后，柔和的粉红色调开始渗透到他的画布上的单一蓝色中去，毕加索的油画进入了完全新的世界。代表作《扇子女人》《花篮女人》《马上的姑娘》《玫瑰色的裸女们》。

1905年古典主义时期：1905年下半年进入了他的第一个古典主义时期，表现出他对艺术形式无休无止的探索，预示着毕加索艺术思想中的一个新的倾向，他追求古典式的单纯线条，匀称和永恒的和谐。粗大的造型如同雕像一样简练，没有偶像的背景和与主题无关的任何细节，造型人物，开始带上了某种几何形的棱角和简化了的结构，用简朴的褐黄色，与此同时，又有力图强调和保持画面的平衡感。代表作《土耳其装束的夫人》《立着的裸女》

1906立体主义时期：不要去描绘客观物体的外表形态，而是把客观物体引入绘画，从而将表现具象的物体本身和表现抽象的结构形态综合起来，毕加索将调色板上的胭脂洗掉，换上灰褐色的颜料，受到原始艺术的影响，注意了几何学的基本形，画中的手是写实的，而脸却似土著面具式的形象。代表作品《斯坦因画像》

1907现代派方向发展的开端：彻底否定了文艺复兴时期以来视三度空间为主要目的的传统绘画，抛弃了对人体的真实描写，把整个人体利用各种几何化了的平面装配而成。代表作《亚威农少女》这幅画，既受到塞尚的影响，又明显的反映了黑人雕刻艺术的成就。

新古典主义时期：毕加索的新古典主义绘画虽然描绘了三维空间的立体结构，大大否定了以往古典派的比例法和印象派的自然法，造型严谨表现手法夸张。代表作《海滩上奔跑的妇人》《熟睡的农民》《坐着的裸女》

1909年 解析立体派开始：创作《费尔南德头像》；1912年 把上胶的纸贴到画上，进一步发展立体主义；1917年 在意大利邂逅舞者欧嘉·科克洛娃，创作《欧嘉的肖像》；1918年 与欧嘉结婚，与马蒂斯举行联展；1920年 手工彩绘珂罗版《三角帽》；1922年 创作《海边奔跑的两个女人》；

1920-1950超现实主义时期：撕裂的造型、深邃和凶残代替了以往的忧郁或是怪诞，代表作《格尔尼卡》《女主角》《哭泣的女人》

1932-1945 蜕变时期：创作石版画，创作以斗牛为题的作品，代表作《红色扶手椅中的女人》《多拉·玛尔的肖像》《女孩与小船》《大自然的故事》等。

1946-1973田园时期：代表作：《卡门》等，陶艺制作有所成就，创作了2000件陶艺术品；在纽约现代艺术馆举办“毕加索75岁纪念展”，创作版画《斗牛系列》；

主要有两方面成就：

高产画家：毕加索是位多产画家，遗世的作品达二万多件，包括油画、素描、雕塑、拼贴、陶瓷等作品。

艺术手法：毕加索毕生致力于绘画革新，利用西方现代哲学、心理学、自然科学的成果，并吸收民族民间艺术的营养，创造出了很有表现感的艺术语言；他的极端变形和夸张的艺术手法，在表现畸形的资本主义社会和扭曲了的人与人之间的关系方面，有独特的力量。

29、试述你对本雅明《机械复制时代的艺术》中主要观点的理解。

答：瓦尔特·本雅明，德国现代卓有影响的思想家、哲学家和马克思主义文学批评家。他从艺术生产理论出发，从制造技术的角度，剖析了古典艺术与现代艺术的区别。认为机械复制技术给艺术领域带来变革，制造了“世物皆同“的感觉，消解了古典艺术的距离感和唯一性，导致了古典艺术的“灵光“消逝，即艺术美境流失。

艺术品因技术获得了新的内容：《机械复制时代的艺术》向读者介绍了对技术引起的现代艺术“机械复制艺术“的深入剖析，对大众文化研究具有开创意义，论述了机械复制技术的发展给艺术领域带来的一系列变革。它把艺术从一向被人们所崇敬的神圣的“祭坛“上拖了下来，在摧毁了传统的同时，使现代艺术具有了新的特点、价值和接受方式。机械复制时代，艺术不再以仪式为基础，而是建筑于政治学之上。其超现实主义和犹太神秘主义风格，给20世纪留下了一个巨大的思考空间。技术复制比手工复制更于原作，原作中存在着肉眼无法识别的部分，只有镜头可以捕捉，照相摄影使这些部分也得到展示和突出。而且镜头的存在带来了拍摄角度的变化，这带来了新的艺术内容。此外，新技术还可以通过放大、慢摄等方法使人们获取到肉眼不能获得的形象。本雅明所举事例成立的基础在于，承认摄影技术赋予了人全新的观察世界和表现世界的能力，这一能力本身是不应当从价值上被贬低的。

技术为艺术品创造了新的时空：本雅明的“灵韵“关照了艺术品时空双重维度上的不可复制性这一特殊气质，也因此，他并没有忽视机械复制技术为艺术品消解时空唯一性的同时，创造了新的时空这一进步。本雅明认为，技术的发展总是会带来人类语言能力的扩展和提升，而“机械复制艺术“尤其具有意义。技术复制能把被复制的东西从传统领域中解脱了出来，原作的摹本拓展上升到原作本身无法达到的境界。复制品依靠不计其数的量，将艺术品带到了它本身无法到达的地方，从而赋予了艺术品原作完全不同的传播力。由于它使复制品能为接受者在其自身的环境中去加以欣赏，因而它就赋予了所复制的对象以现实的活力。圣母像可以经过流水线生产，最大程度地突破空间，出现在每个人的书桌上；我们可以在卧室欣赏管风琴演奏，而这原本是只有在教堂才能感受到的。在这里，本雅明肯定了技术带来的进步——极大地增强了艺术品的传播能力，艺术不再是特殊群体的禁脔，而可以完全属于大众。

30、举例论述高迪的建筑风格与新艺术运动的关系。

答：安东尼·高迪，西班牙建筑师，新艺术运动在建筑方面的代表人物之一，塑性建筑流派的代表人物，属于现代主义建筑风格。高迪持反功能主义立场，追求建筑的精神力量和纯粹形式，被认为是一位充满幻想的浪漫主义建筑家，他只想仿效大自然，像大自然那样去建筑点什么。他结合传统与当代的各种建筑风格，同时保有原创力，建筑流畅生动，自由奔放，富有幻想。他认为大自然界是没有直线存在的，直线属于人类而曲线才属于上帝，因此凡是他落实于自然理论的建筑作品始终令人眼睛发亮，在百多年后的今天却丝毫没有古迹之感。高迪的建筑风格很难被归类，被誉为 “建筑史上的但丁“。

新艺术运动是19世纪末20世纪初在欧洲和美国产生并发展的一次影响面相当大的“装饰艺术“的运动，强调手工艺，反对工业化，完全放弃传统装饰风格，开创新的自然装饰风格，倡导自然风格，强调自然中不存在直线和平面，装饰上突出表现曲线和有机风格，装饰上受东方风格的影响，尤其是日本江户时期的装饰风格和浮世绘影响，探索新材料和新技术带来的艺术表现的可能性 。

综上所诉，高迪的建筑风格与新艺术运动的关系可以从高迪建筑风格的三个阶段中体现出来：

创作初期-摩尔风格阶段：作品大部分带有强烈的阿拉伯摩尔风格特征，不是单纯的复古，而是经过了折衷处理。在这个阶段中，他的设计不单纯复古而是采用折衷处理，把各种材料混合利用。属于这种风格的典型设计是《文森公寓》，墙面大量采用釉面瓷砖作镶嵌装饰处理。

创作中期-新歌特主义和“新艺术“的混合阶段：糅合了哥特式风格的特征，形成了其中期的新哥特式和新艺术混合的风格。将新艺术运动的有机形态、曲线风格发展到极致，同时又赋予其一种神秘的、传奇的隐喻色彩，在其看似漫不经心的设计中表达出复杂的感情。高迪接受了拉斯金“装饰是建筑的源泉“的思想，并且把这一说法贯穿到自己的建筑设计当中，大量运用尖拱门式窗户，屋顶高耸，建筑表面进行繁复装饰，是对哥特主义和“新艺术“的折衷。这一时期的代表作有《圣特雷萨斯修道院》，《卡勒基修道院》等。高迪最富有创造性的设计是《巴特罗公寓》，该公寓房屋的外形象征海洋的海生动物的细节。整个大楼一眼望去就让人感到充满了革新味。

自身独特风格形成的阶段：中年之后的高迪开始逐渐摆脱摩尔式风格和哥特式风格的影响，逐步形成自己独特的风格，既具有有机主义的特征，又有神秘传奇的色彩，不少装饰图案都有很强的象征性。《巴萨罗那住宅》是其风格转变的转折点，使他更加具有人性，而不再单纯模仿时尚风格。这一时期的代表作有《居里公园》《圣家族教堂》《米拉公寓》等。米拉公寓是其最著名的建筑之一，也是新艺术运动有机形态、曲线风格发展到极致的代表。

高迪可谓是对新艺术运动进行了极端诠释的人，在他的作品中，处处存在曲线曲面，花卉图案，阿拉伯式图案和富有韵律、相互缠绕的曲线，展现着自然主义和有机仿生形态。他吸收了阿拉伯、哥特式的精华，但又运用自己的想象力和自己对材料、色彩、结构的娴熟掌控力，为巴塞罗那留下一座座极具个性和感染力的建筑，也让西班牙在欧洲新艺术运动中留下浓墨重彩的一笔。