我所了解的音乐剧

                         ——我所了解的音乐剧

对于音乐剧，刚开始的时候我不是很了解，也就是一般的对于音乐浅显的认识：音乐剧无非就是以音乐形式为主的舞台戏剧。在学习了《话剧鉴赏》这门选修课，加上查找了一些相关的专业图书之后，我才开始对音乐剧有了进一步的全新了解。

音乐剧是一门“整合”的表演艺术——通过整合“歌”、“舞”、“剧”三个核心元素，便可进入“无声不歌，无动不舞”的“总体剧场”美学的意境。诞生仅约一百年的音乐剧由于没有过重的传统包袱，在商业挂帅的经营方针以及折衷主义式的创作导向影响下，创作者不断进行改革与创新，为人类贡献出一大批最能迎合当代品味、最能引领未来潮流的音乐剧作品。

    音乐是音乐剧的灵魂，作曲家为音乐剧插上了想象的翅膀。在充分理解剧情的情况下，通过不同的音乐形式和节奏来展现剧中不同角色丰富的内心世界。在作曲家的笔下，音乐成了无声的语言，可以通过如泣如诉的乐音诉说剧中人的心情。优美的音乐是一部剧作吸引观众的最有力的工具，琅琅上口的旋律始终是一部剧作卖座的最好的招牌。

    戏剧是音乐剧的基石，剧作家为音乐剧创作了抒情的蓝本。剧作家往往根据一个故事或者一个创意，结合现实生活中最为引人关注的主题进行剧本的创作。剧本是剧作的载体，好的剧本除了完成介绍剧情、渲染气氛的基本任务之外，还可以起到强化戏剧冲突，加强剧作感染力的效果。正是戏剧部分中那完美的框架和线索、完整的故事情节和激烈的戏剧冲突，才使得音乐剧作品能够真正地走入大众的心里，从而留下深刻的印象。

    舞蹈是音乐剧的重要表现形式，舞蹈设计师为音乐剧的舞台创造了流动的美感。舞蹈设计师的存在使得音乐剧可以使用除了音乐之外的另外一种方式——舞蹈来表达剧中人强烈的情绪。舞蹈为音乐剧的舞台带来了流动的雕塑，通过舞蹈演员的肢体语言，可以表达剧本和音乐所无法承载的情感和思想，这一点已经在许多经典的音乐剧中得到了证明。

    音乐剧其实对我们来说并不陌生，早在《悲惨世界》、《巴黎圣母院》、《猫》这几部音乐剧巔峰之作登陆中国之前，很多观众十分喜爱的电影《音乐之声》、《绿野仙踪》、《国王与我》都是脍炙人口的音乐剧作品。每天，全世界各地都有几十部音乐剧在舞台上上映，不少经典剧目一演就是数千场，从这一点上也可以看出音乐剧的影响的广泛性和世界观众对音乐剧的喜爱程度。

    从音乐剧艺术登上中国舞台至今，不觉已经20余年过去。此间，也陆续出现了不少作品。例如：《雪狼湖》、《金沙》、《电影之歌》、《花木兰》、《白莲》等。但是，一些人对于音乐剧特征和规律的了解、研究、掌握、驾驭及其呈现功夫，有的原地踏步，有的还在圈外打转。这就不能不引起我们从实践和理论的相互关系上进行严肃的反思。

    原创华语音乐剧在当前的命运尽人皆知。近年来，一些音乐剧从业者在对这门新兴舞台综合艺术规律和市场规律一无所知或知之不多、毫无理论准备的情况下，带着对欧美音乐剧历史与现状的诸多误解和误读的先天性缺憾，便满腔热情地投入创作和演出实践。对于普通观众来说，音乐剧的确是一门令人着迷、令人疯狂的艺术；但对于音乐剧从业者来说，要使原创华语音乐剧兴旺发达起来，真正成为令中国观众为之着迷的艺术，光靠一股热情是远远不够的，一旦这种热情极度膨胀而又缺乏必要的理论武装，就会使创作演出实践跌入盲目性和迷狂状态。新世纪以来，在我国舞台上首演的原创华语音乐剧数量不可谓不多，投资不可谓不大，但真正在市场上站得住脚、赢得观众和票房的好作品却付诸阙如。这种惨状本来就值得我们深刻反省，有些人竟然置批评界与观众的反响于不顾，反而满足于自我欣赏、自吹自擂、自鸣得意，沉痛的教训不去总结，类似的错误一犯再犯，见之谁不痛心！

    同时，要强调的是：中国音乐剧界崇洋之风很盛。从最初的“描红”与“原创”之争，到近年来各个高等艺术院校的音乐剧表演教学中之言必称欧美和言必称韦伯，好像不用英文演唱欧美经典曲目就不“地道”了，原创华语音乐剧在我们的教学中毫无地位，于是，大家在不知不觉间朝着欧化方向渐行渐远。对此，一些音乐剧作家都曾在不同场合、用不同方式表示过他们各自的忧虑。

    最后，真心的希望音乐剧从业者们能够脚踏实地，充分发挥我们的民族文化优势,将我国的特色音乐剧发扬光大，走出国门，走向世界。

                         资规11-1班

                                  李品贤

                              2012年10月24日