摄影作品鉴赏与批评论文

 ——戴伦·赫莫斯作品分析

“你得试着让梦想入侵你的生活，而不是让生活侵蚀你的梦想！”

    戴伦·赫莫斯的作品总是充满了丰富的情绪，无论是追忆还是憧憬，伤感还是愉悦，“情绪是推动我进行创作的唯一力量！”，戴伦·赫莫斯在自述里这样说道，观众心里永远装着一个超现实的世界，戴伦·赫莫斯通过“画意摄影”将现实和脑海里那个梦幻场景联系起来，给人视觉的震撼和心灵情绪的萌动。

    戴伦·赫莫斯以画意摄影著称，画意摄影以其唯美的画面语言及美好的设计内涵一直是人像摄影的一种重要的表达方式。自摄影术发明至今，可以说，画意摄影一直贯穿其中，并且在摄影发展史上起了几个里程碑的作用。十九世纪后半页，英国摄影家雷兰达拍摄出了曾被预言为“摄影新时代来临了”的作品-----《人生的两条路》，这幅情节丰富，场面浩繁的画面，运用了大量的人体作品，主题是观善惩恶，以白鬓长者为中心，两边两组人物体现了两种不同的道德观念、生活理想和人生历程。左边表示勤勉、友善、进取，右边则表示贪婪、享乐、堕落在摄影还被轻视的当时，这幅作品以其劝勉性的主题和油画式的构图，受到了维多利亚女王的极高评价。可以这样说，雷兰达对推进摄影被承认为一们艺术功不可没。从此，画意摄影也逐渐成为摄影艺术中的一个重要流派。在拍摄中，画意摄影属于仿画摄影，画架前的模特都是静止的，所以模特的美姿是以静态为主，不太张扬。而画意的用光则是拍摄一大难点。画面具有凝重的影调感，灯光基本上都是以单灯或者单组光源为主，并且需要加上辅助光源修饰光效，如三角光，蝶型光，全侧光，为了更好表现画面的油画色彩，持续光源的低色温效果是最佳的选择，这种灯光由于本身光质较硬，所以比灯箱更具有油画般的影凋效果。

在本文中，我将以戴伦·赫莫斯的一副作品为例，从多个方面对其进行简单的分析。 

一、拍摄者的目的是什么？仔细观察这幅画，戴伦·赫莫斯着重的是一种情感的诉求和表达，似乎我们暂时可以忽略技术的运用，背景和人物冷暖深浅色调的对比，让我们眼光凝聚在这个美丽宁谧的人物上。戴伦·赫莫斯通过这幅画，无论从人物的着装和表情上，根据我的理解力求表达对女性温暖，美丽，慈爱，温柔的赞美和一种知性美的欣赏，她的闭目凝思，也许是在追忆美好的过去，也许是双手合十寄托某种忧思，也许是对未来的美丽憧憬。以无声的画面传递出无限的鲜活的遐想。

二、这张照片之所以成功是在于处理手法，还是在于题材？这幅作品的题材是一个很重要的因素，题材本身是传达一种美感，人体摄影，凸显人性的闪光点。但以我个人观点认为，这张作品之所以成功是在于处理手法和摄影技术的精湛运用。对此，在以下几点将作出详细说明。

三、你能否看出这张照片是在自然的情况下拍摄的呢？还是人为摆布的？很明显，这张作品是通过认为摆布形成的，巧妙控制模特细微的表情和动作，加上自然光线和背景纹理，衣服线条的烘托，形成了强烈的美感。

四、机缘这个因素在这张照片里起了多大作用？由于这幅作品是人为拍摄的，所以不具有偶然性，机缘没有起多大作用。

五、构图的效果如何？把这张图片分成各为三等份，形成九宫格，人物的眼睛在画幅上端分割线附近，主体位于几何中心处，这样既突出人物与背景反差的效果，又与大多数人的审美观相符，符合黄金分割的法则。除此之外，一般人物视线的前面画面要比背后画面留出较多的空间，在这幅作品中，前后画面的比例较一致，正面人像眼睛靠画幅的上方。人物构图在整个画幅的比例从上下边距，左右边距关系看比较均匀，人物在画幅中既没有太顶，也没有太低，也没有出现偏于一边。人物面部前方未出现堵塞的感觉，形成了良好的构图效果。从背景与主体的线条和位置不难发现，这幅作品采用向心式构图，主体位于中心位置，而四周景物呈朝中心集合的构图形式，能将人的视线强烈引向主体中心并起到聚集的作用，突出了主体的鲜明特点。

六、光线的光源和性质如何？光线主要包括四种特性——光线的强度，光线的性质，光线的方向性，光线的色彩。1、顺光照明这是一种效果最平的一种光，它不利用拍出被摄体的立体感和空间深度感，缺少生气。2、侧光照明效果有明显改善，被摄体的产生明暗变化显出立感和表面质感，它比较符合人们正常的视觉习惯，所以，在摄影中被广泛的利用。3、逆光照明它能够勾画出对象的形状，使之与背景分开。在对象的形状边缘形成明亮的亮线，能够渲染所要表达的气氛，丰富和活跃画面。 4、顶光照明的效果使画面呈现出一种酷热感，在人物的眼眶、鼻子和下巴下面造成浓重的投影，对人物的形象起着丑化作用。在这幅作品中，光线的强度较弱，运用柔光镜的作用，改变了光质，形成漫射的效果，让光线均匀，柔和，使反差降低，营造出一种温暖，宁谧的氛围。光线来源不是自然光，以单组光源和辅助光源三角光，蝶型光，全侧光等修饰光效，是人为设计和调摄的。通过侧光，照明效果有明显改善，被摄体产生明暗变化，显出立体感和表面质感。就光质而言，漫射的光线形成了明暗的对比，突出了画面中女性衣服的质感，丝滑，和褶皱的清晰和线条美，光感的柔和度和人物的肤色接近，也通过人物面部尤其是明亮的颈部，体现出女性的温婉和柔美，在光线的巧妙映射下，肤色与纱质衣服的色彩相协调，交相辉映。 

七、是否利用景深（不论是大景深还是小景深）来创造特殊效果？为什么？景深是在摄影机镜头或其他成像器前沿着能够取得清晰图像的成像景深相机器轴线所测定的物体距离范围，在镜头前方（调焦点的前、后）有一段一定长度的空间，当被摄物体位于这段空间内时，其在底片上的成像恰位于焦点前后这两个弥散圆之间。被摄体所在的这段空间的长度，形成景深。当焦距对准某一点时，其前后都仍可清晰的范围，它能决定是把背景模糊化来突出拍摄对象，还是拍出清晰的背景。我们经常能够看到拍摄花、昆虫等的照片中，将背景拍得很模糊（小景深）。但是在拍摄纪念照或集体照，风景等的照片一般会把背景拍摄得和拍摄对象一样清晰（大景深）。大光圈、长焦距、近距离拍摄，可以创造出较小的景深，更容易使背景虚化，突出主体。这个方法比较适用于拍摄人像以及对于个体的特写；反之亦然。小光圈、短焦距、远距离更容易创造出较大的景深。这个方法比较适合于风光片以及大场景的描写，因为足够大的景深才可以更容易交代清楚环境，将所有的细节都表现出来。在这幅作品中，背景没有被完全虚化，我们可以清晰地看见背景上的纹理和线条，尤其是上半部分，下半部分相比较较模糊，景深来创造特殊效果在这幅作品中没有明显体现。在这幅作品中，通过人物和背景色彩的对比已经形成了很强烈的视觉差，光线的明暗更突出了主体，如果虚化背景，削减了画面的真实感和现实感，而且背景与主体之间存在一种线条的契合和质感的一致性。

八、为了控制动作的清晰度，用的是高速快门还是低速快门？为什么？这幅作品是人物静态摄影，所以为控制动作清晰度的高速快门或低速快门不明显。

九、是否用广角镜头或长焦镜头？为什么？在摄影领域，“广角”的概念源自镜头技术中“焦距”的运用。一、焦距与视角。现实生活中，人眼观察景物是有一定视野范围的。只有当物体处在我们的视野范围之内我们才能清晰地看到它。目光所及的景物范围为“视野”或“视野范围”。视野范围与视点间形成的一个假想的锥体为视角。当物体透过摄影镜头在胶片上结成影像，形成画面，画面的所有可见部分组成了摄影镜头的视野范围，这个视角与镜头的景角是相重合的。短焦距摄影镜头视角广，影像小；当焦距达到28mm我们则称其为“广角”。二、焦距与影像放大率 （影象大小）摄影镜头的焦距与视角、视野成反比，与影像放大率成正比，即焦距越长视角越窄，视野范围越小，该摄影镜头所拍下的景物空间范围越小，越狭窄，景物所成影像越大。反之，焦距越短，视角越宽，视野范围越大，所拍景物空间范围越大，越广阔，景物所成影像放大率小。即在同一拍摄点，针对同一景物（拍摄距离不变）进行拍摄，用长焦距摄影镜头所拍摄的景物范围小，而影像放大率大（即视角大），用短焦距摄影镜头拍摄时，所获景物范围大，而影像放大率小，短焦距摄影镜头即广角摄影镜头（WIDE--ANGLE PHOTOGRAPBY）。摄影师在拍摄点不变的前提下，为了获得预期的拍摄范围（景别）和影像放大率，可通过选用适当焦距的摄影镜头来实现。下面是用理光RR730在同一距离采用不同焦段获得的影像放大率对比：同一位置，不同焦段对同一景物的拍摄广角端成像越小。三、焦距与拍摄距离 。摄影师在拍摄时，针对同一被摄主体，如想获得相同的影像放大率，不同焦距的摄影镜头，所需要的拍摄距离（摄影机与被摄体之间的距离）不同。当被摄景物的影像放大相同时，摄影镜头的焦距与物距成正比。即焦距越短，拍摄时所需拍摄距离越近，相反，当使用长焦距摄影镜头拍摄时，如获得相同的影像放大率，需要的拍摄距离就越远，故此，长焦距摄影镜头又称作远摄镜头.如果135照相机拍摄身高为米的人物的横幅照片，并使其全身刚好充满所摄画面的高度，用50mm的镜头拍摄时，物距为3.4米；而用焦距值为100mm的镜头拍摄时，所需拍摄距离为6.8米，用200mm镜头拍摄时，物距为13.6米，多于此距离时，人物将不能充满所摄画面的高度，比此距离近时，又会将人物身体的一部分出了画外。如拍摄空间较狭窄，被摄主体离摄影师很近的场合，宜选用广角摄影镜头拍摄，这样既能拍到预想的影像放大率，又能获得较大的景物空间范围。相反，如被摄主体距摄影师较远（即较大的拍摄距离），无法到达跟前时，可用长焦距摄影镜头拍摄，以使在画面上获得较大的影像而又不至于使画面空间范围太广。焦距短、视场角大、影象小及拍摄景物范围广是广角镜头的最大特点。同时，它还具有超比值的渲染近大、远小的特点，有夸张前景的作用。在摄影中可充分利用其所创造的特殊透视关系，来夸大景物的纵深感，突出所强调的主体部分，从而达到更加开阔的视野和宏伟壮观的艺术效果。在这幅作品中，摄影范围小，利用长焦距拍摄，使人物所成影像大，突出主体。

 使用长焦距镜头拍摄具有以下几个方面的特点：一是视角小。所以，拍摄的景物空间范围也小，在相同的拍摄距离处，所拍摄的影像大于标准镜头，适用于拍摄远处景物的细部和拍摄不易接近的被摄体。 二是景深短。所以，能使处于杂乱环境中的被摄主体得到突出。但给精确调焦带来了一定的困难，如果在拍摄时调焦稍微不精确，就会造成主体虚糊。三是透视效果差。这种镜头具有明显地压缩空间纵深距离和夸大后景的特点。长焦距镜头在使用时，一般都是用来拍摄较远的景物。由于空气的吸收及漫 散射光线的影响。所以，拍摄的影像反差较小，加之尘粒消光较严重，要达到十分精确的调焦是不容易的。使用300毫米以上的超远摄镜头拍摄，还难以将各色光聚于一点，因而产生副光谱问题。基于上述情况，所以，有时所拍摄的作品的成像质量不高。虽然使用长焦距镜头要受到不少因素的影响，但其优点却是主要 的。在远距离拍摄风光人物、旅游摄影、人物肖像摄影（在拍摄贴证件用的标准照片时，应用100毫米左右的普通远摄镜头拍摄，以减少影像畸变，如果用105毫米的 镜头其效果最好），在看台拍摄舞台、体育比赛等照片，在动物园拍摄动物，在野外拍摄禽兽，加辅助镜进行近拍等等，在这些众多的领域中，无处不是它的用武之地。在这幅作品中，鉴于是静态人物摄影，被摄体距镜头很近，所以也没有采用长焦镜头来拍摄。

十、是否使用滤色镜控制影调或色调？为什么？滤色镜根据不同波段对光线进行选择性吸收，由镜圈和滤光片组成，常装在照相机或摄影机镜头前面。黑白摄影用的滤色镜主要用于校正黑白片感色性以及调整反差、消除干扰光等；彩色摄影用的滤色镜主要用于校正光源色温，对色彩进行补偿等。用滤色镜来调节景物的影调与反差，使镜头所摄取的景物的影调与人的眼睛所感受的程度相近似，也可以通过滤色镜来获得某种特定的艺术效果。影调是黑白摄影的造型手段和技术概念，一张照片可能只有两种影调，即黑和白，其间没有任何深浅不同的灰色。然而，更多的情况是影象具有大量介于黑白之间的中间影调。影调中的黑与白是相辅相成的。从黑白摄影来看影调的主调可以分为三类：高调、低调、中调（灰色调）。不同的影调有其不同的感情色彩，如高调的明快、淡雅，低调的庄重、深沉，中间调的和谐、平稳等。影调只有与具体的形象、物象相结合，才能赋予作品以鲜明的、生动的感染力。高调给人以光明、纯洁、轻松、明快的感觉。比较适合于表现妇女、儿童的形象，高调摄影一般采用较为柔和的、均匀的、明亮的顺光。低调作品通常采用侧光和逆光，使物体和人像产生大量的阴影及少量的受光面，有明显的体积感，重量感和反差效应。还有柔和调，加上柔光镜拍摄的作品，可以使画面含蓄、清雅、神秘，大多表现少女、儿童、鲜花、月亮等。色调是颜色的重要的特征，它决定了颜色本质的根本特征，在明度、纯度、色相这三个要素中，某种因素起主导作用，即为某种色调。在这幅作品中，使用了滤色镜来控制影调和色调，人物的影调与人的眼睛所感受的程度相近似，画意摄影一般具有凝重的影调感，在这幅作品中，通过柔光镜的运用形成了柔和调，弱化了凝重的影调感，从明度上来说，调子偏暗，从冷暖上来说，属于冷色调，但人物和光线的契合和滤光镜的运用，削弱了背景深色系的冷色效果。滤光镜也使明暗对比削弱，属于中调子。凸显了女性的清雅，含蓄，柔美。

十一、 在制作过程中，反差和影调是否得到了控制？为什么？在这幅作品中，人物的头发和头巾黑白形成对比，主体手中的珠子与白裙形成对比，整个主体与背景形成了色彩上的对比，但反差程度不大，二者相互融合和衬托。反差与影调得到了很好的控制，这是通过对光线的巧妙控制——滤光片和柔光镜的运用实现的。侧光的柔和度，削弱了画面的反差。

十二、 照片制作中是否克服了什么技术上的困难？用光是形成唯美效果的一大难点，画面具有凝重的影调感，灯光基本上都是以单灯或者单组光源为主，并且需要加上辅助光源修饰光效，如三角光，蝶型光，全侧光，为了更好表现画面的油画色彩，持续光源的低色温效果是最佳的选择，这种灯光由于本身光质较硬，所以比灯箱更具有油画般的影凋效果。

十三、 这张照片和你看到的题材类似的照片有何相似之处？背景简单，没有太富于变化和抢眼的背景或饰物，选取人物的静态特征，控制人物的表情，再通过整洁衣物的质感和线条美突出人物的柔美，类似题材的作品也注重用光，光线柔和，形成明暗的对比。立体用光，摄影非常注意影调优美，造型与环境的理想，化妆造型和人物气质非常吻合面部，表现的不是很明显，但不夸张、唯美。摄影人物是静态的，它有几分冷漠、几分古典、人物表现并不明显。人物具有古典的面部气质，线条比较圆润，五官端正，外型轮廓比较柔和。它没有明显的时代特征，背景的光线方向性不太强，笔触不太明显，灰调颜色运用较轻，服装颜色与背景形成和谐的美。妆面、发型自然、简洁、清淡自然、纯朴。

十四、 这张照片有哪些与众不同的地方？作品用最简单的背景突出最不简单的主体这幅照片的一个造型的亮点是主体手中的一串珠子，它既在色彩上与纱质的白裙形成反差，又在空间上丰富了画面，使白裙的右边不至于单调和枯燥，珠子的线条既对画面有空间上的分割，在九宫格的2/3处，竖型的线条与背景斜45度的线条也形成了交叉型构图。除此之外，它将人物由静态的闭目凝思和动态的双手合十有机结合，使人物动态化。珠子的线条也衬托出了白裙的下垂感。不同于其他类似主题的作品，这幅作品尽管具有凝重的影调感，整个画面呈现出冷色调作品的厚重，但女性形象的美丽和柔光使画面多了几分温馨和明朗的暖色系感觉。头巾起到了收拢目光的作用，拍摄者采用了仰拍的角度，这就使人物面部的表情变得深邃，内敛，富于思想和凝重感，但头巾下的丝滑的头发也突出了女性的柔美。

安格尔说过一句话，“艺术的最好表现方式是不露痕迹的”，拍摄画意作品时，不仅要从画面上做到构图精致、用光讲究、影调优美，更重要的是要追求作品情感、意境和形式的完美结合！人物自然而不矫情，质感*真而不趋世俗，细节周到而不夺目，画面华美而不艳丽！而戴伦·赫莫斯控制模特细微的表情和动作，加上光线和纹理的烘托，最终实现某种情感的表达，对这种处理手法掌握得炉火纯青。

画意摄影表达强烈的主观感受，现代摄影语言，其特点是：1 画面有“具象”和“抽象”两种不论何种造型形式，自我意念的表现是其最终目的。画面中的一切只不过是摄影家表现自我的“载体”而已。2 充分利用镜头的透视特性，把被摄体从现实中"剥离"出来，“移”到画面上去，－－即使用镜头的某些光学性能，把客观的物体加以改造，使之成为意念的“物化体”，从而在画面中组合成创造出自己的“世界”。而这世界往往是荒诞、神秘的，或者是令人百思而不得其解的。3 利用近摄手段清晰而又强烈地强化和突出表现物体的某一细部形态。4 运用暗房技法，把被摄对象原有的丰富影调简化，将自然、平凡的关系转换成强烈的视觉关系。5 利用曝光手段（如多次曝光、连续闪光），使被摄体从时间概念中分离出来，能动地把时间概念和空间位置加以调换。“画”大于“摄”，“摄”大于“做”，“做”大于“型”， 若说画意派摄影需要一个定义，毋宁说需要一个地位。事实上，建立在更高层次之上的审美需求，将画意类作品置于很玄妙的境地：与鲜活热辣的时尚摄影相比，似乎更为“阳春白雪”一些，也更为隽永；而与单纯的瞬态拍摄相比，则更具内涵。以个人的理解来看，画意摄影实际上就是：瞬态拍摄+时间或空间场景+绘画技法结合而成的摄影作品。一句话，若说瞬态摄影是历史的见证，可以为之做注脚；画意则是可以装点生活的道具，是可以关照审美享受的载体，应该出现在人们生活的各个角落。对画意摄影来说，“画”是一种形式，要把这种形式变为有意义的作品，就要把个人的观念融入照片里。因此“画意”首重“意”字，若只追求画面效果，忽略画面内的意图，也只能是一幅失败的作品。画意摄影流派产生于19世纪80年代，到20世纪20-30年代早期终止。画意派主张摄影师表现自己的个性和才华，不依附传统模式。强调画面中影调、线条、平衡等美学元素的重要性超过照片的现实意义。“绘画死亡了”的口头禅无形中成为摄影术告捷的号角，它象征着画意摄影的初步崛起。其上升势头之猛、速度之快震撼了艺术界，鼓舞了摄影家。根本标志在：画意摄影的美学体系逐渐形成，并且已经能够给工业化社会和资本主义民主政治带来某些利益上的满足。如法国肖像摄影家中一位比较有代表性的人物A．迪丝德里，就十分懂得如何寻找对象身上的最美处。在他拍摄的大量资产阶级政治家及形形色色的人物照片中，“照片不再是纪念品，他成了民主的象征，就像画家用笔作画一样，真正的专业摄影师已经懂得如何用照相机来展示出一个身着礼服的资产阶级人物的全部价值。”同时，画意摄影的生命力已经强大到能够给摄影家们提供基本的以至于高额的经济回报。一种依赖于科学技术，为新兴资产阶级所需要的新的审美表现形式，产业化艺术——摄影，在绘画艺术的沃土上茁壮成长起来。开始有更多的艺术家用摄影的方式进行创作，绘画中具有代表性的流派被嫁接到摄影中来。早期的画意摄影作品无论是质量，还是数量上的进展状况均令人振奋。在欧洲各地的艺术家们，以同样的业绩扩展着画意摄影的视野。

每次看到戴伦·赫莫斯的诸多作品，脑海里会联想起其中一副的描述，“这时你看到的是一种凄绝与妖艳的和谐之美，淡淡的色彩和温婉花枝抖落下，一地的缤纷笑语，灿烂有如梦的追忆，抛却了久久的孤寂，猛然触动了神经，难以安抚恐惧，悲喜来回交替的面孔已浑然一体。画面透着一种特别的气味，这气味令你有种孤独的感觉，发现人世间居然有透澈的净化和漂游的美丽仙灵，就在这里远避尘嚣而静静地存在，想停下来远离人群去感受这种滋味。戴伦·赫莫斯给人这样一种美的享受，胜过任何语言的白描，提供了思考的无限空间，让人回味无穷。

通过这学期对摄影作品鉴赏与批评论文的学习，一是对摄影的基础知识有一定的了解，二是在一次次看到优秀摄影作品后心灵的震撼从而培养了一种对美瞬间的捕捉，对生活中点滴的发现，摄影是一件快乐而有意义的事情，可以用自己的小小视角去记录瞬间，花卉摄影，植物摄影，广告摄影，动作摄影，去传递美丽，表达自己的情绪，反映一种主观的思想或是折射某个时期某个特殊的时代背景下的缩影。一种技术与情感的完美结合。

通过对摄影作品的分析，让我重新审视摄影的意义。摄影是文明的手印。摄影术的发明是人类近代文明的一大进步，因为它一出现就被深深地烙上了 “平民化”的烙印。虽然摄影在很长的一段时间内是有钱人的“玩物”，有着贵族的血统，但它骨子里豪放不羁的的个性就决定了它终会“离家出走”，去抗争去搏击，在风云变幻的广阔天地里找到它的地位和作用，它迎合了当代文明进步的主流方向，有着强大的生命力。山川秀美的景色给人予美的享受，抑或做个永久的纪念留住青春留住美丽的美好瞬间、摄影是一个很轻松惬意的事情了。也有一些图片，就好象感到被一颗无情的子弹狠狠地打击中我们心口，那看不见的鲜血无情地流淌着，使我们忍不住地捂住胸口呻吟着。此时，我们并没有感到一丝的愉悦，而是感到有着一份沉重深深地压向我们受众。摄影一是艺术性，一是纪实性。是把摄影当成个人的一种情愫的宣泄呢，如文学家的一支爬格子的笔？还是一种纯粹艺术创作，如画家手中多彩的画笔？要么，把它当成一个武器？一把手术刀？也许它有着多样性。就如文学中有着优美柔软的一面外，也有着饱含着力量和血泪的一面。摄影是真实映象瞬间的定格，它的这个特性就注定和其它的艺术有着本质的不同。摄影是一瞬决定了永久。摄影的魅力在于它的真实，在于它瞬间。照片背后的故事，瞬间以后的思考。一个摄影师他终会苍老，会死去，但他拍的有意义的照片可能永远不会消失，是永久地生存。而照片后的故事可能会深深地打动着几代几代的人。这是摄影师的伟大，也是摄影师的责任。去寻找照片中所含的普遍性的意义，而真正的普通性的意义就是能打动人心的那一份真诚、那一份善良；那一份心痛的侧隐、那一份共鸣的唏嘘；那一份悲怆的激愤、那一份无言的感动。如果你能用相机去寻找那个普遍性的意义，那你就是一个摄影师。无论你是用着是什么型号的相机，无论你是拍得有没有艺术性和观赏性。也许如果我们也用心的去寻找，去用相机传达我们的真情实感，我们每个人都是摄影师。